“十七年”剧史论稿（1949-1966） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海交通大学出版社

作者:顾振辉

出品人:

页数:201

译者:

出版时间:2014-6

价格:36.00元

装帧:平装

isbn号码:9787313108715

丛书系列:

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《十七年》剧史论稿（1949-1966） 第一卷：剧场新生与时代之声（1949-1957） 序章：黎明前的积淀 1949年，新中国成立的炮声响彻云霄，也预示着一个崭新时代的到来。在此之前，中国剧场艺术历经百年沧桑，从晚清时期的“皮黄”余韵，到民国时期戏曲的改良与融合，再到话剧的萌芽与发展，无数艺术家在探索与求索中为这片古老的土地注入现代的活力。然而，战乱与动荡也使得许多剧团流离失所，艺术创作面临着前所未有的困境。正是在这样的历史背景下，新中国的成立为剧场艺术带来了新的机遇与挑战。 第一章：新剧场的破晓——戏曲的革新与新生 新中国成立之初，戏曲艺术作为中国传统文化的瑰宝，面临着如何与时代同行、如何为人民服务的时代课题。本章将深入探讨这一时期戏曲艺术的革新浪潮。 “戏曲改革”的理论探索与实践：国民政府时期，戏曲界已开始尝试改革，但往往囿于改良的范畴。新中国成立后，“戏曲改革”上升为国家层面的重要文化政策。本章将梳理相关理论的提出，如“戏曲现代化”、“革除旧俗”、“剔除糟粕、取其精华”等，并分析这些理论如何在各个剧种中落地生根。我们将重点考察京剧、越剧、沪剧、评剧、豫剧等主要剧种的改革路径。 题材的转向与内容的革新：传统戏曲的题材多取材于历史演义、神话传说、才子佳人等，在新的社会语境下，这些题材的时代意义受到审视。本章将重点关注以反映现实生活、歌颂工农兵、表现革命斗争为主题的新编剧目。《白毛女》、《梁山伯与祝英台》（新编版本）、《小二黑结婚》等经典剧目在此过程中扮演的角色，以及它们如何通过新的叙事方式和人物塑造来契合时代需求。 表演形式的探索与融合：戏曲的表演程式是其独特魅力所在，但在改革的浪潮中，如何保留其精髓的同时，吸收现实主义表演的特点，成为一个重要议题。本章将分析“戏曲改良”的表演实践，如念白方式的革新、身段的简化与提炼、音乐唱腔的现代化处理等。例如，京剧《红灯记》在保持京剧唱腔韵味的同时，如何在革命题材的表达上更具冲击力。 剧团的重组与艺术人才的培养：旧有的戏曲班社在解放初期经历了重组与调整。本章将探讨新成立的国营剧团、各地剧院的建立，以及如何培养新的艺术人才。对一批在改革中涌现的杰出艺术家，如梅兰芳、程砚秋、荀慧生（在新中国成立后的艺术生涯）、常香玉等人的艺术成就及其在改革中的贡献进行深入剖析。 观众的变化与戏剧的普及：新中国成立后，党和政府高度重视文艺为人民服务，戏剧的普及成为重要目标。本章将考察戏剧如何从过去的“阳春白雪”走向“下里巴人”，如何通过巡演、免费演出等方式深入基层，以及观众构成和审美趣味的变化。 第二章：话剧的新篇章——现实主义的旗帜与政治的烙印 话剧作为一种相对年轻的戏剧形式，在新中国成立后迎来了空前的发展机遇。本章将重点关注话剧在现实主义创作道路上的探索，以及其与时代政治语境的紧密联系。 现实主义创作原则的确立与坚持：马克思主义文艺观对新中国戏剧创作产生了深远影响。本章将深入探讨现实主义的创作原则如何成为话剧创作的主流，以及如何理解“真实地反映现实生活”在当时的内涵。 政治题材与政治话剧的兴盛：新中国成立初期，政治环境对文艺创作的影响是显而易见的。本章将聚焦于反映建国初期社会变革、阶级斗争、农村土地改革、工业建设等题材的话剧。例如，《白毛女》（话剧版）、《保卫延安》等作品的创作背景、艺术特色及其在当时社会的反响。 “为工农兵服务”的创作导向：戏剧的观众群体发生了根本性变化，工农兵成为戏剧创作的重要服务对象。本章将分析剧作家如何深入生活，了解工农兵的思想情感，创作出贴近他们的作品。例如，一些反映工人生活、农民生产、军队建设的戏剧，其创作过程与艺术表达的特点。 剧团的建设与专业化发展：新中国成立后，各地涌现出大量专业话剧团。本章将考察这些剧团的组织结构、艺术管理以及在培养话剧人才方面的作用。对上海人民艺术剧院、北京人民艺术剧院等重要剧院的早期发展进行梳理。 表演人才的成长与艺术探索：一批优秀的演员在话剧舞台上崭露头角，他们的表演风格也受到现实主义创作原则的影响。本章将探讨演员如何通过深入的人物研究和生活体验来塑造角色，以及当时表演艺术的训练体系。 从“百花齐放”到“引火烧身”——理论风波的影响：1957年“反右”运动的到来，对话剧界的创作思想和艺术氛围产生了复杂的影响。本章将审视这一时期关于“为现实主义服务”、“为政治服务”等理论争论的演变，以及“百花齐放，百家争鸣”政策下，部分剧作家和作品所经历的起伏。 第三章：歌舞与新民乐的崛起——多元艺术的汇流 除了戏曲和话剧，新中国成立初期，歌舞以及新民乐等艺术形式也迎来了发展的春天，并在剧场艺术的版图中占据了重要位置。 歌剧的探索与发展：新歌剧作为一种融合了西方歌剧形式与中国民族特色的艺术形式，在新中国成立后得到了大力扶持。本章将考察《白毛女》、《小二黑结婚》等歌剧的创作背景、艺术创新以及其在普及歌剧艺术方面的贡献。 舞蹈艺术的民族化与革命化：舞蹈艺术在新中国成立后，更加注重民族风格的挖掘与表现，同时也将革命题材融入舞蹈创作。本章将分析“大型舞剧”的兴起，如《东海渔歌》、《红色娘子军》（早期版本）等，以及它们如何通过舞蹈语言来展现时代风貌。 新民乐的革新与传播：传统民族音乐在新中国成立后，也面临着如何适应时代发展的挑战。本章将关注新民乐的创作、改编以及在剧场演出中的应用。对一批在这一时期涌现的优秀民乐作品及其演奏家进行介绍。 曲艺与杂技的传承与创新：曲艺、杂技等民间艺术在新中国成立后，也得到了重视和发展。本章将探讨它们如何在新时期找到新的发展方向，如何与主流艺术形式相结合，为观众带来更加丰富的艺术体验。 第一卷结语：奠定基石，孕育变革 1949年至1957年，是中国剧场艺术承前启后、锐意革新的关键时期。戏曲的改革，话剧的现实主义探索，歌舞、新民乐等新兴艺术形式的崛起，共同构筑了新中国剧场艺术的初步格局。尽管在探索过程中，政治因素的影响不容忽视，但这一时期的艺术家们以极大的热情投入到新的创作实践中，为人民而创作，为时代而歌唱，为新中国剧场艺术奠定了坚实的基础，也孕育着更深层次的变革。 第二卷：探索与挑战——社会主义建设时期的剧场图景（1958-1966） 序章：时代脉搏的跳动 1958年，“大跃进”的浪潮席卷全国，给社会生活的各个方面带来了前所未有的冲击。在这样的背景下，剧场艺术也进入了一个更加复杂、更具挑战性的时期。艺术创作既要紧跟时代的步伐，又要处理好艺术规律与政治要求的关系。 第四章：歌颂与激情——“大跃进”时期的剧场创作 “大跃进”时期，中国社会进入了一个高歌猛进的年代，剧场艺术也随之充满了昂扬的激情与宏大的叙事。 “为大跃进服务”的创作主题：本章将聚焦于反映“大跃进”时期社会主义建设成就、歌颂人民群众改造山河的热情、表现工业生产与农业丰收等题材的戏剧作品。例如，大量表现炼钢、围海造田、大办人民公社等场景的话剧、戏曲。 “高、快、好、省”的创作原则：在大跃进的指导思想下，戏剧创作也追求“高速度”、“大规模”。本章将分析如何在短时间内创作出大量具有时代特征的作品，以及这种创作模式对作品质量可能带来的影响。 “集体创作”与“群众路线”的实践：为了满足“大跃进”时期对戏剧数量和速度的需求，集体创作成为一种普遍的模式。本章将考察剧作家、演员、导演等如何组成创作组，共同完成作品，以及“群众路线”在剧本创作、排演过程中的体现。 “舞台上的大跃进”：戏曲、话剧、歌舞等各种艺术形式都出现了歌颂“大跃进”的代表性作品。例如，一些以“高产”为主题的戏曲，或反映农村生活巨变的歌舞剧。我们将分析这些作品的艺术表现手法，以及它们如何将时代精神转化为舞台上的艺术形象。 “地方戏”的繁荣与创新：在“大跃进”时期，各地地方戏曲得到了前所未有的发展机遇，许多地方戏以饱满的热情投入到反映地方建设、歌颂劳动人民的创作中。本章将考察一些地方戏在这一时期的代表性作品及其艺术特色。 第五章：反修防修与艺术的思考——“社会主义教育运动”与思想的张力 1962年以后，“反修防修”的意识形态斗争逐渐加剧，这深刻影响了文艺创作的走向。 “社会主义教育运动”的背景与影响：“社会主义教育运动”旨在清理党内和思想领域中的“资本主义因素”，对文艺创作提出了更高的政治要求。本章将分析这一运动如何影响剧场艺术的创作方向和内容。 “以阶级斗争为纲”的创作导向：戏剧创作更加强调对阶级斗争的描写，以及对“牛鬼蛇神”的批判。本章将考察一些反映这一主题的剧目，以及它们如何通过艺术手段来强化政治教育的功能。 “现实主义”的深化与“革命现实主义”的提出：在批判“修正主义”思潮的同时，对现实主义创作原则进行了进一步的深化和发展，提出了“革命现实主义”的口号。本章将分析“革命现实主义”在当时的具体内涵，以及它如何指导剧本创作和表演实践。 艺术风格的多样性遭遇挑战：在强调政治性和统一性的背景下，艺术风格的多样性面临着一定的挑战。本章将考察一些艺术家在坚持艺术个性的同时，如何适应新的创作要求。 剧目审查与创作的约束：政治环境的变化导致剧目审查的日益严格，创作的自由度受到一定限制。本章将分析剧目审查的机制以及它对艺术家创作心理可能造成的影响。 第六章：戏剧的国际交流与民族文化的自信 尽管国内政治环境复杂，中国剧场艺术在这一时期也积极寻求与国际艺术的交流，并努力展现民族文化的自信。 对外文化交流的回顾与反思：本章将考察新中国成立初期至1966年之间，中国剧场艺术在国际舞台上的活动。例如，一些国家级艺术团体的出访演出，以及外国艺术团体来华访问演出。 吸收与借鉴的尝试：在与国际艺术的交流中，中国艺术家也在尝试吸收和借鉴其他国家的优秀艺术经验，但这种借鉴是在“为我所用”的原则下进行的。本章将分析一些具体的例子，例如，在舞台设计、音乐创作等方面可能存在的借鉴。 民族文化符号的自觉运用：在新中国成立后的剧场艺术中，对民族文化符号的自觉运用成为一个重要的特点。本章将分析戏曲、歌舞等艺术形式如何巧妙地将民族传统元素融入现代的艺术表达中，以展现中华文化的独特魅力。 “送戏下乡”与民族艺术的普及：除了高雅艺术的交流，将民族艺术送往基层，面向广大人民群众，也成为重要的工作。本章将考察“送戏下乡”的意义，以及它如何促进民族艺术的普及与发展。 第二卷结语：时代的烙印与艺术的韧性 1958年至1966年，是中国剧场艺术在社会主义建设时期经历复杂变革的时期。“大跃进”的激情与“反修防修”的警惕，共同塑造了这一时期的戏剧面貌。在政治的洪流中，艺术家们既要遵循时代的召唤，又要坚守艺术的理想。虽然艺术创作在一定程度上受到了政治语境的约束，但我们仍然可以看到艺术家们在努力探索，试图在时代的烙印中展现艺术的韧性与生命力。这一时期的剧场艺术，既是时代精神的有力注脚，也为后来的艺术发展留下了宝贵的经验与教训。 总序：一段历史，一部艺术的史诗 《十七年》剧史论稿（1949-1966）旨在系统梳理新中国成立初期至“文化大革命”前夕（即1949年至1966年）的中国剧场艺术发展历程。这一时期，是中国剧场艺术经历深刻变革、不断探索与曲折前行的关键阶段。本论稿将从戏曲、话剧、歌舞、歌剧、新民乐等多个维度，深入剖析这一时期剧场艺术的创作、表演、理论、人才培养以及其与时代政治、社会思潮的互动关系。 本书并非简单地罗列剧目与事件，而是试图在宏大的历史背景下，探究剧场艺术发展的内在逻辑与时代特征。我们力求以严谨的学术态度，客观地呈现这一时期艺术创作的成就与困境，挖掘艺术家们的探索与贡献，以及艺术形式的创新与融合。通过对这段历史的深入研究，我们希望能为理解新中国剧场艺术的发展脉络提供一个更为清晰的视角，为当代艺术创作提供有益的启示。 本书分为两个卷，第一卷“剧场新生与时代之声（1949-1957）”着重探讨新中国成立初期，剧场艺术在破晓之际，如何实现新生与改革，如何成为时代之声的有力传达者。第二卷“探索与挑战——社会主义建设时期的剧场图景（1958-1966）”则聚焦于社会主义建设时期，剧场艺术在更加复杂多变的时代背景下，所经历的探索、挑战与张力。 本书的研究对象，不仅包括那些载入史册的经典剧目与杰出艺术家，也关注那些在时代洪流中默默耕耘的普通艺术家，以及剧场艺术在基层社会的普及与发展。我们相信，每一段艺术历史都值得被认真书写，每一次探索都闪耀着智慧的光芒。 《十七年》剧史论稿（1949-1966），是一部关于时代、关于艺术、关于人生的史诗，它将带领读者穿越那段波澜壮阔的历史，重温那些充满激情的舞台瞬间，感受中国剧场艺术在新中国土壤上生根发芽、茁壮成长的生命力。

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跋 小时候，我爱看闲书，一直津津有味地着迷于那些历史故事、徜徉其中，自得其乐。这便为我日后的历史学习打下了基础。在我接受高等教育前，对于我这个人高马大而又生性活泼的人来说，总爱被老师视为刺头。加之如此这般的教育体制下，现在想来，总有一种精神集中营的感觉。然而...  

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立论新颖 方法独到 ——喜读《“十七年”剧史论稿》 曹树钧 新中国成立至“文革”前的十七年，这段话剧史是一个冷门，研究著作更是凤毛麟角。近日捧读《“十七年”剧史论稿》（顾振辉著，上海交通大学出版社出版，以下简称《论稿》。）一书，十分欣喜。此书特色可用立论新颖，...  

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反思与探究的价值 ——《“十七年”剧史论稿》序 丁罗男 前不久，顾振辉将他的硕士论文和毕业后参与研究项目所写的部分文章结成一个集子，题名为《探微知著——十七年剧史论稿》。这是他几年来学术研究的辛勤成果，现在就要出版问世了，当然值得庆贺。 我是振辉读研究生时期的...

评分☆☆☆☆☆

反思与探究的价值 ——《“十七年”剧史论稿》序 丁罗男 前不久，顾振辉将他的硕士论文和毕业后参与研究项目所写的部分文章结成一个集子，题名为《探微知著——十七年剧史论稿》。这是他几年来学术研究的辛勤成果，现在就要出版问世了，当然值得庆贺。 我是振辉读研究生时期的...

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这本书的叙事节奏把握得极其精妙，像是一部精心编排的长篇交响乐，有着清晰的主旋律，却又在不同章节中巧妙地插入了无数精巧的变奏。从开篇对宏观环境的铺陈，到聚焦于具体剧团、乃至某一位编剧的创作心路历程的细节描摹，过渡自然流畅，毫无生涩之感。它仿佛拥有魔力，能将晦涩的政治术语转化为可感的艺术事件，让普通读者也能轻易领会其间的微妙变化。对于一个并非科班出身，但对那个时代文化现象充满好奇的读者来说，这种“引人入胜”的写作风格简直是福音。它成功地将原本可能枯燥的史料研究，转化成了一种引人入胜的、充满戏剧性的历史考古发现之旅。

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这部作品的格局之宏大，初读便令人心神为之一振。作者显然没有满足于对既有史料的简单罗列与梳理，而是深入挖掘了那个特定历史时期艺术生态的深层肌理。那种磅礴的气势，仿佛让人置身于历史洪流之中，亲眼目睹一代代艺术家在时代的风云变幻下，如何艰难地探索艺术的边界，如何在意识形态的重压下，努力寻找创作的突围口。它不只是一本历史书，更像是一部关于“精神肖像”的群像剧，那些鲜活的名字和他们不为人知的挣扎、抉择，都跃然纸上，展现出一种令人动容的真实感。尤其是对文艺政策细微调整如何渗透进剧作结构、表演风格乃至舞台灯光设置的描写，细致入微，展现了作者深厚的文献功底和敏锐的洞察力，让人对“十七年”这个概念有了全新的、立体的理解。

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这本书带给我的震撼，更多来自于其对“时代精神”捕捉的精准度。它没有停留在对具体事件的罗列上，而是深入挖掘了在那个特殊年代里，艺术工作者们的集体潜意识和创作焦虑。那种在特定历史时期内，艺术家们必须学会的“言说”与“不言说”之间的平衡艺术，被揭示得淋漓尽致。它让我们得以窥见，在官方叙事的巨大阴影下，民间和专业领域内部是如何通过隐喻、象征、甚至是曲解来表达、来生存的。这种深入肌理的剖析，使我们对那个“十七年”不再持有扁平化的认知，而是看到了其内部丰富、矛盾而又充满生命力的复杂性。这本书无疑是理解中国当代戏剧史绕不开的一座里程碑式的灯塔。

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我必须指出，这本书的学术严谨性是毋庸置疑的，但它最令人称道之处，在于其强大的“重构”能力。作者不仅仅是复述“发生了什么”，更是努力还原“为什么会那样发生”。阅读时，我感觉自己手中的不再是一堆陈旧的档案，而是一张张被时间磨损的底片，正被作者细致地进行显影和着色。那些关于剧本审查、演出审批的流程细节，以前在别处看到的往往是泛泛而谈，但在这里，它们被赋予了实体和重量，让你真切地感受到在每一个创作环节中，那种无处不在的、微妙的自我审查和外部规训是如何塑造了最终的艺术面貌。这是一种极为高超的史学写作技巧，将冰冷的制度语言，转化为热腾腾的剧场故事。

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阅读这本书的过程，与其说是学习，不如说是一种与历史的深度对话。文字的张力十足，笔锋时而如手术刀般精准剖析着文本背后的意识形态暗流，时而又化为充满温情的笔触，描摹出那些在舞台上燃烧生命的个体命运。我特别欣赏作者在处理那些敏感时期作品时的那种克制与力度并存的叙事方式。它没有陷入简单的褒贬，而是提供了一个多维度的分析框架，让读者得以绕过固有的标签，去审视艺术创作在特定社会结构下的复杂生成过程。那些对具体剧目在不同时间点被接受和解读差异的对比分析，尤其发人深省，揭示了“经典”的易变性与历史的吊诡之处。读罢掩卷，久久不能平静，脑海中回荡的，是对艺术与权力关系永恒主题的深刻反思。

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