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出版者:上海音乐出版社有限公司

作者:罗伯特.摩根

出品人:

页数:619

译者:陈鸿铎

出版时间:2014-1-1

价格:98.00元

装帧:精装

isbn号码:9787807518136

丛书系列:诺顿音乐断代史丛书

图书标签:

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《二十世纪音乐》是一部深入探索20世纪音乐史辉煌篇章的里程碑式著作。本书并非罗列枯燥的作曲家名字与作品目录，而是着力于勾勒出那个时代音乐发展的宏大脉络，分析其内在的驱动力、多元化的风格流变以及对社会文化产生的深远影响。 本书开篇便将读者带入19世纪末向20世纪初的剧烈变革时期。我们会看到，音乐如何告别浪漫主义的辉煌，开始寻求新的表达语言。印象主义的色彩与氛围，如德彪西的《牧神午后前奏曲》，如何打破传统的和声规范，唤醒听觉对细微差别的感知。同时，后浪漫主义的作曲家们，如马勒和理查·施特劳斯，则将情感的深度和管弦乐的规模推向了新的高峰，预示着某种告别的到来。 紧接着，20世纪的音乐景观彻底发生了革命性的变化。本书将详细剖析这一时期的关键转向： 新古典主义与回归：面对前卫的探索，一些作曲家如斯特拉文斯基（其新古典主义时期作品）、保罗·欣德米特等，将目光投向了巴洛克和古典主义时期的结构、体裁和对位技法，寻求秩序与清晰。这不是简单的复古，而是在新的语境下对古典精神的重塑，旨在赋予音乐一种理性的力量和普适性。 序列主义音乐的兴起：勋伯格及其弟子韦伯恩、贝尔格开创的十二音技法，是对传统调性体系的彻底颠覆。本书将深入解析这一技法的运作原理，以及它如何为音乐的结构性组织带来前所未有的可能性。从最初的解放不协和音，到发展出严谨的序列构成，再到后来对所有音乐元素（节奏、力度、音色）进行序列化处理的整体序列主义，我们将一步步揭示其背后的哲学思考和音乐美学。 电子音乐与科技的融合：随着科技的进步，录音技术、合成器和计算机的出现，为音乐创作打开了全新的维度。本书将介绍早期电子音乐的先驱，如施托克豪森、穆尔，以及 tape music（磁带音乐）的探索，再到后来计算机音乐的出现。这些探索不仅改变了音乐的物质载体，更从根本上拓展了声音的可能性，模糊了“作曲”与“制作”的界限。 简约主义的简约与深邃：与序列主义的复杂性形成鲜明对比，20世纪后期，以菲利普·格拉斯、史蒂夫·赖克、特里·赖利为代表的简约主义音乐，通过重复、渐变、模式化的音乐材料，创造出一种 hypnotic（催眠）且富有能量的听觉体验。本书将探讨简约主义如何挑战音乐的传统结构，以及其在当代音乐文化中的独特地位。 民族主义的延续与变奏：在20世纪，各国作曲家依然在探索如何将本民族的音乐传统融入现代创作。本书将呈现不同地域作曲家在这一方面的独特贡献，如巴托克的匈牙利风格，中国作曲家如何借鉴西方技法并融合中国音乐元素等，展现音乐的全球化与地方性的互动。 非西方音乐的影响与对话：20世纪，音乐界对非西方音乐的兴趣日益增长。本书将探讨印度音乐、非洲音乐、拉丁美洲音乐等对西方音乐家产生的启示，以及由此引发的跨文化音乐的融合与创新。 音乐与社会、哲学思潮的关联：音乐并非孤立存在，它与时代息息相关。本书将深入分析20世纪两次世界大战、政治变革、哲学思潮（如存在主义、后结构主义）如何影响作曲家的创作理念和音乐表达。例如，战争的创伤如何在肖斯塔科维奇的作品中体现，而存在主义的虚无感又如何在某些现代派作品中得以映射。 多媒体与跨界艺术：20世纪末，音乐与其他艺术形式的界限日益模糊。本书将关注音乐在电影、戏剧、舞蹈、视觉艺术等领域的应用，以及跨媒体艺术的兴起，展现音乐作为一种通用语言的强大生命力。 本书的叙述方式绝非冰冷的研究报告，而是充满了对音乐家个人探索、创新勇气以及作品背后深刻情感的描绘。通过对关键作品的详细分析，如斯特拉文斯基的《春之祭》如何引发音乐会上的骚动，勋伯格的《月下的彼埃罗》如何创造出令人不安的“说话歌”，以及鲍勃·迪伦的歌词如何成为社会变革的号角，本书将引导读者走进20世纪音乐的心脏地带。 《二十世纪音乐》是一次关于音乐革命、风格激辩、技术革新与人文关怀的全面回顾。它不仅为音乐爱好者提供了一份详尽的指南，也为理解20世纪人类精神面貌提供了一个独特的视角。通过本书，读者将能够更深刻地理解为何20世纪的音乐如此多元、如此充满张力，以及它至今仍在不断激发新的思考和创作。

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我一直觉得，能够写出一本真正触动人心的音乐书，是需要非凡的洞察力和表达力的。《二十世纪音乐》这本书，恰恰具备了这样的特质。作者的叙述风格非常独特，他善于从宏观的历史视角切入，然后将目光聚焦到那些最能代表时代精神的音乐事件和音乐家身上。我尤其喜欢书中对“音乐的跨界与融合”的论述。二十世纪，不仅仅是音乐内部的变革，更是音乐与其他艺术形式、与其他学科的深度融合。书中对音乐与戏剧、音乐与电影、音乐与文学之间的互动，都有着精彩的阐述。让我印象深刻的是，书中对“先锋音乐”的介绍，作者并没有将这些作品描述得高高在上、难以接近，而是通过生动的比喻和形象的语言，让我看到了这些“先锋”作品中蕴含的创新精神和艺术张力。他让我明白，那些看似离经叛道的音乐，往往蕴含着对未来的探索和对新的可能性的追求。读完这本书，我感觉自己对二十世纪音乐的理解，上升到了一个新的高度。它让我看到了音乐是如何在不断地挑战极限、拓展边界，最终成为那个时代最生动的艺术表达。

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我一直对那个充满实验精神的时代感到着迷，而这本书《二十世纪音乐》正是打开我理解那个时代音乐的一扇窗。《二十世纪音乐》的阅读体验，与其说是在“读”书，不如说是在“听”音乐，或者说是在“感受”音乐。作者的文字极富画面感，他并没有用干巴巴的学术术语来堆砌，而是通过生动的描述，让我仿佛亲眼目睹了作曲家们的创作过程，亲耳听到了那些划时代的作品。我尤其喜欢书中关于微分音音乐的章节。初听到“微分音”，我以为是一种极端到无法理解的音乐，但作者通过对哈巴和阿兰·霍夫哈内斯的介绍，让我了解到，即便是在极其细微的音程变化中，也能蕴含着深刻的情感表达和文化内涵。书中对极简主义音乐的解读，也让我对“重复”这一音乐元素有了新的认识。我本以为极简主义就是简单的重复，但作者却揭示了其背后对时间感、对听众注意力的微妙操控，让我体会到了“少即是多”的艺术魅力。这本书还有一个特点，就是它非常注重音乐与社会文化背景的结合。作者总是能将音乐的演变，置于那个时代的社会思潮、科技发展、甚至政治事件之中，让我理解了音乐不仅仅是声音的组合，更是时代的镜子。我从来没有想到，一本关于音乐的书，也能让我如此深入地思考人类社会的发展和文化的变迁。

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当我拿到《二十世纪音乐》这本书时，我首先被它严谨的学术态度和深厚的文化底蕴所吸引。这本书的评价，与其说是我作为读者的个人感受，不如说是我对作者严谨治学态度的由衷赞叹。作者在书中对每一个音乐流派、每一位重要作曲家的介绍，都力求做到详实、准确，并且引用了大量的文献资料。这一点对于我这样追求知识的读者来说，是非常宝贵的。我尤其欣赏书中对“音乐的哲学思考”的深入挖掘。二十世纪的许多音乐创新，不仅仅是技巧上的突破，更是对音乐本质、对艺术意义的深刻追问。作者通过对一些代表性作品的解读，让我看到了作曲家们是如何通过音乐来探索哲学问题，以及这些哲学思考又如何反过来影响了音乐的创作。书中对“音乐与政治”关系的探讨，也让我对二十世纪音乐的复杂性有了更深刻的认识。在那个动荡的年代，音乐往往与政治紧密相连，既是表达立场、反抗压迫的武器，也可能成为被利用的工具。作者对此的分析，既客观又深刻，让我对那个时代的音乐有了更全面的理解。这本书不仅仅是一本音乐史，更是一本关于思想史、文化史的百科全书。

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这本书《二十世纪音乐》给我带来了前所未有的阅读体验，它不是那种枯燥乏味的教科书，而更像是一场充满惊喜和发现的音乐探索之旅。作者的笔触非常细腻，他没有回避二十世纪音乐中那些令人困惑和不安的部分，而是用一种开放和包容的态度去解读它们。我尤其喜欢书中关于“不和谐音”的论述。我一直觉得，音乐中的不和谐音是为了制造冲突和紧张感，但作者却告诉我，在二十世纪，不和谐音的使用更加复杂，它可能是一种对内心挣扎的真实写照，也可能是一种对社会现实的深刻反思。他通过对一些代表性作品的分析，让我看到了不和谐音在不同语境下的不同意义。书中对“留白”和“沉默”在音乐中的作用的探讨，也让我耳目一新。我本以为音乐就是声音的构成，但作者却让我意识到，有时候，音乐中的“非声音”同样重要，它能够引发听众的想象，创造出独特的艺术空间。读这本书，我仿佛进入了一个由声音、沉默、以及各种奇思妙想构成的音乐宇宙，而作者则是一位温柔而睿智的向导，引领我在这片宇宙中自由翱翔，发现无穷的魅力。

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作为一名业余的古典音乐爱好者，我常常觉得二十世纪的音乐像是一片迷雾，虽然知道里面藏着许多宝藏，但却不知如何下手。这本书就像是一张详细的地图，指引我在这片迷雾中前行。《二十世纪音乐》给我的最大震撼，在于它所展现的音乐史的“断裂”与“延续”之间的微妙关系。我原本以为，二十世纪的音乐就是不断地“推翻”和“创新”，但作者却巧妙地梳理了新旧之间的联系，以及那些看似激进的变革背后，其实也承载着对传统的回应与反思。比如，书中对新古典主义的阐述，让我对斯特拉文斯基的《普尔钦涅拉》等作品有了全新的认识。在经历了一战的创伤后，音乐家们开始反思过度情感化的浪漫主义，转而拥抱更清晰、更有结构性的古典风格，这不仅仅是一种音乐上的选择，更是一种精神上的回归。书中对爵士乐在二十世纪音乐史上的地位，也给了我很大的启发。我一直以为爵士乐是独立于古典音乐体系之外的存在，但作者却强调了爵士乐的即兴性、节奏感以及其对一些现代作曲家（如德彪西）的启发，让我看到了不同音乐风格之间有趣的对话。读这本书，让我最大的感受就是，音乐的进步从来不是一条直线，而是一个充满各种可能性、各种碰撞的复杂网络。作者的叙述逻辑清晰，观点独到，让我在享受阅读的同时，也获得了极大的知识增长。

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一本关于二十世纪音乐的书？我一直对那个时代错综复杂的音乐发展脉络深感好奇，但又常常被各种术语和理论吓退。拿到这本书，我内心是既期待又有些忐忑。翻开第一页，就被它开阔的视野和扎实的资料所吸引。作者并没有一开始就陷入对某个特定流派的深入剖析，而是从二十世纪初社会、政治、科技的变革如何深刻影响音乐创作开始娓娓道来。这一点我觉得非常重要，因为音乐从来不是孤立存在的，它总是在时代的大背景下生长。书中对印象派音乐的描绘，我尤其喜欢，德彪西、拉威尔这些名字，总是伴随着朦胧的光影和流动的色彩，作者的文字如同为我描绘了一幅幅生动的音乐图景，让我仿佛置身于那个充满诗意的时代。接着，书中对表现主义音乐的阐述，更是让我大开眼界。勋伯格那十二音体系，初听上去像是打破一切规则的革命，但作者却抽丝剥茧，从其背后深刻的心理焦虑和对传统调性音乐的叛逆中找到了合理的解释。这种对音乐背后思想源流的挖掘，让我不再觉得这些新奇的音乐形式是晦涩难懂的，而是充满了人性的挣扎与探索。书中对于20世纪上半叶战争对音乐的影响，也有着独到的见解。那些曾经被视为“前卫”的实验性创作，在经历了两次世界大战的洗礼后，似乎变得更加沉重和深刻。我尤其对书中提及的肖斯塔科维奇在苏联体制下的创作，感到十分动容。如何在压抑的环境下，用音乐表达内心的呐喊，这本身就是一种极大的勇气和智慧。这本书不仅仅是在介绍音乐家和他们的作品，更是在讲述一个时代的故事，一个关于人类创造力、抗争与革新的故事。即便我不是音乐专业人士，也能从中感受到一种强大的力量。

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我一直觉得，理解二十世纪的音乐，就像是在解读一部充满密码和隐喻的现代小说。而《二十世纪音乐》这本书，则像是一位资深的解读者，带领我一点点破解其中的奥秘。这本书的叙述角度非常吸引人，作者并不总是按照时间顺序来展开，而是根据一些主题性的线索，将不同时期、不同风格的音乐联系起来。我特别欣赏书中对“解构与重构”这一主题的探讨。从勋伯格的十二音技法，到后来的序列主义，再到后来的拼贴与采样，作曲家们似乎都在不断地对已有的音乐元素进行解构，然后以全新的方式进行重构。作者用非常通俗易懂的语言，解释了这些看似复杂的音乐技法背后的逻辑和美学意义。让我印象深刻的是，书中对20世纪下半叶的“后现代音乐”的介绍。那种对过去音乐形式的戏仿、并置，以及对传统叙事结构的颠覆，让我看到了音乐创作中更自由、更具颠覆性的可能性。读这本书，我仿佛置身于一个巨大的音乐实验室，看到了各种各样奇特的实验正在进行，而这些实验，最终都汇入了二十世纪音乐的洪流。这本书让我认识到，二十世纪的音乐，不仅是声音的革命，更是思想的革命。

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翻开《二十世纪音乐》，我立刻被它不同于寻常音乐史的叙述方式所吸引。这不仅仅是关于作曲家和作品的罗列，更像是一次对二十世纪音乐精神内核的深入探索。作者的写作风格非常独特，他善于用富有诗意的语言，捕捉音乐中最微妙的情感和最前沿的理念。书中关于“噪音音乐”的论述，让我颠覆了对“噪音”的刻板印象。作者并没有将其视为纯粹的干扰，而是将其看作是音乐语言的延伸，是挑战传统审美边界的有力武器。他通过对意大利未来主义者和后来的约翰·凯奇等人的介绍，让我看到了噪音在艺术中可以扮演的革命性角色。我尤其喜欢书中对“音乐与技术”关系的探讨。从早期录音技术到后来的电子合成器，技术的发展是如何一步步改变了音乐的创作、传播和聆听方式，作者的梳理非常清晰。他并没有将技术视为冰冷的工具，而是强调了技术与人类创造力的互动，以及由此诞生的无数可能性。这本书的价值在于，它让我不再把二十世纪的音乐视为一个个孤立的“流派”，而是看到了它们之间错综复杂的联系和相互影响。它让我明白，无论是在怎么样的时代，音乐总是在不断地寻找新的表达方式，总是在不断地挑战既有的界限。

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我一直对那个充满变革和激情的时代心生向往，而《二十世纪音乐》这本书，则让我对那个时代的音乐有了更深层次的理解。这本书的叙述风格非常具有感染力，作者的文字仿佛带着一种魔力，能够将抽象的音乐概念转化为具象的画面和情感。我尤其喜欢书中对“异质性”与“融合”这一主题的分析。二十世纪，是一个世界加速连接的时代，各种文化、各种音乐风格以前所未有的速度进行碰撞与交流。书中对爵士乐、民族音乐对西方古典音乐的影响，以及全球化背景下新兴音乐流派的崛起，都有着精彩的论述。我本以为二十世纪的音乐就是西方音乐的独角戏，但这本书让我看到了来自世界各地、各种不同文化背景的音乐是如何相互启发、相互影响，共同谱写了二十世纪音乐的辉煌篇章。书中对“情感表达的转变”的分析也让我深思。从浪漫主义的宣泄，到现代音乐对内心深处、甚至是潜意识的挖掘，音乐所承载的情感也变得更加复杂、更加多维。读完这本书，我感觉自己不再是那个对二十世纪音乐“雾里看花”的读者，而是能够更清晰地看到那个时代音乐发展的脉络和精神。

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这本《二十世纪音乐》给我的感觉，与其说是一本教材，不如说是一次激动人心的音乐考古之旅。我一直以为，理解一个时代的音乐，无非是记住几个重要的作曲家，听听他们的代表作，然后大致知道他们属于哪个流派。这本书彻底颠覆了我的认知。作者的笔触非常细腻，他没有回避那些充满争议的音乐理论和复杂的创作技法，而是以一种引人入胜的方式将其呈现出来。例如，在讲解序列主义音乐时，我本以为会看到一堆枯燥的数字和符号，结果作者却用生动的比喻，将抽象的音乐结构转化为可以理解的逻辑游戏，让我这个对数理不太敏感的人也看得津津有味。书中对二次大战后电子音乐的兴起，描述得尤为精彩。那些曾经只存在于实验室中的奇特音响，如何一步步走入音乐厅，成为一种全新的艺术语言，作者的叙述充满了历史的厚重感。他并没有简单地罗列技术上的进步，而是深入探讨了这些技术革新如何改变了作曲家的思维方式，以及听众的聆听体验。我尤其对书中对“偶然音乐”的讨论印象深刻，约翰·凯奇的那些“留白”式的作品，在作者的解读下，不再是哗众取宠的怪诞，而是对音乐概念本身的深刻反思，是对“听”这个行为的重新定义。这本书的魅力在于，它总能在我即将感到疲惫的时候，抛出新的惊喜，让我欲罢不能。它让我明白，二十世纪的音乐，远比我想象的要更加丰富、更加多元，也更加贴近我们当下所处的时代。

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发人深省。

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从序列主义到偶发、极简、电子...，20世纪音乐这头50年的巨变与革命埋葬了之前300年的音乐史，音乐不再是艺术，而是声音中的一切...

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这个就很好，中规中矩。不过副标题现代欧美音乐风格史值得商榷，全书内容都是严肃音乐。流行乐两句话带过，电子乐还多涉及了一些。。

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与几个月前满眼只有符号没有意义相比，通过布列兹还是读懂了好多……

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在浪漫主义发展到极致的时候，想要突破音响上的各种可能，只能用打破原则的办法去解决了。甚至把美这个概念让位给新技法，新理论，这点有点让人难以接受