Cinema Today

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出版者:Phaidon Inc Ltd 作者:Buscombe, Edward 出品人: 页数:512 译者: 出版时间:2005-3 价格:$ 45.14 装帧:Pap isbn号码:9780714845166 丛书系列:
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具体描述

A third of the entire history of cinema is represented by films produced from 1970 onwards. Cinema Today explores this history, what may be referred to as the Third Age of world cinema, and the films, people and technologies which have shaped its development. The work of film-makers who have made a significant contribution to the film industry during this period is also highlighted and discussed. Cinema Today begins by examining the moment at which the modern blockbuster was born. In the early 1970s a string of spectacularly successful films such as MASH (1970), The Godfather (1972) and Jaws (1975) transformed the economic climate of Hollywood and the power relationship within it. The first half of the book looks at New Hollywood and explores its recent and continued development through film genres including Crime, Science Fiction, Horror and Comedy. The book identifies how social and economic change influenced the development of films, assesses the impact of emerging new waves of cinema on Hollywood and Hollywood's reaction to these changes. Influential directors such as Martin Scorsese, Woody Allen, George Lucas, Spike Lee and Steven Spielberg are all featured in these chapters along with their films. We then move onto the world stage where Edward Buscombe explores the unique style of film output from Australasia, Africa, India, Western and Eastern Europe, the Middle East and South America. Specific film genres and trends of these regions are highlighted and discussed in relation to the social and economic climate of the time. Many of these film industries, such as French, Indian and Japanese, are significant centres of world production. In these chapters, Buscombe examines the Bollywood cinema of India, art house cinema of France, the British comedy, Japanese crime films and Mexican horror films. The films of Bernardo Bertolucci, Pedro Almodovar, Akira Kurosawa, Roman Polanski, Luc Besson, Mike Leigh, Ousmane Sembene and Chen Kaige are just an example of the range of work discussed. With a comprehensive directors' filmography, a bibliography, chronology and index at the back of the book, Cinema Today is an invaluable reference tool

银幕之光:电影艺术的流变与当代思潮 一部深入探索全球电影脉络、解析媒介变迁与未来走向的重量级著作。 作者: 亚历山大·科尔宾(Alexander Corbin) 译者: [此处可填写虚构译者名] 出版信息: 蓝海文化出版社,2024年秋季版 --- 内容提要: 《银幕之光:电影艺术的流变与当代思潮》并非一部单纯的电影史梳理,而是一场横跨百年光影叙事、解构媒介语境、并对数字时代电影本体进行深刻拷问的智识之旅。本书聚焦于那些塑造了我们视觉认知、挑战了传统叙事范式、并在全球文化交流中扮演关键角色的电影运动、关键人物与核心技术变革。 本书分为四个主要部分,层层递进,构建了一个宏大而精密的电影理论框架: 第一部分:胶片时代的遗产与反思(The Legacy of Film Stock) 本部分追溯了电影艺术从早期默片时代的机械奇观,到好莱坞黄金时代工业体系的建立,再到二战后欧洲先锋电影的爆发式生长。重点探讨了蒙太奇理论的哲学基础,以及媒介对现实再现的内在张力。 核心章节侧重: 1. 视觉的诞生:卢米埃尔与梅里爱的分野: 探讨了记录性与想象性在早期电影中的对立,分析了“运动的魅力”如何构建早期观众的感知。 2. 好莱坞的语法构建: 深入解析了三幕剧结构和“连贯性剪辑”如何成为全球商业电影的通用语言。然而,作者并未止步于赞扬,而是引入了对这种标准化叙事在文化多样性上的抑制作用的批判性审视。 3. 新浪潮的颠覆性: 聚焦法国新浪潮、意大利新现实主义以及日本松竹新浪潮。本书详细比较了这些运动如何运用“作者论”(Auteur Theory)来对抗制片厂体制,并通过即兴表演、非线性叙事和对日常生活的关注,重新定义了“电影真实感”。 4. 类型片的解构与重塑: 分析了黑色电影(Film Noir)如何通过光影和心理深度反映战后社会的焦虑,以及类型片(如西部片、科幻片)在特定历史时期的社会功能与美学升级。 第二部分:全球视野下的电影语言变异(Linguistic Mutations Across Cultures) 本书的第二部分将目光投向了非西方电影对电影本体论的贡献。作者认为,电影的真正活力在于其跨文化的适应性和抵抗性。 核心章节侧重: 1. 第三电影的政治诉求: 考察了拉丁美洲和非洲的电影人如何将镜头作为反殖民和阶级斗争的武器。这不仅是关于内容,更是关于“如何拍摄”——挑战了主流电影的生产方式和消费习惯。 2. 东方美学的沉思: 详细剖析了印度电影的歌舞传统(Masala Cinema)作为一种文化情绪的综合体现,以及伊朗电影如何通过极简主义和对儿童视角的运用,在全球范围内实现了深刻的伦理探讨。 3. 后殖民语境中的身份书写: 探讨了亚洲(尤其是东亚)电影在现代化进程中,对传统家庭结构、集体记忆和个体疏离感的复杂描绘。分析了特定镜头语言(如长镜头、空镜)如何服务于东方哲学中的“留白”和“意在言外”。 第三部分:媒介融合与数字革命的冲击(The Digital Crucible) 进入第三部分,本书的核心转向了20世纪末至今的剧变。作者将数字技术视为一场比有声电影或彩色电影更为彻底的媒介革命,它不仅改变了制作流程,更重塑了观众的预期。 核心章节侧重: 1. 特效的本体论: 区别对待了CGI(计算机生成图像)从辅助工具到叙事主体的转变。书中探讨了当“不可能的画面”变得轻易可得时,电影对“物理真实”的依赖性减弱所带来的美学后果。 2. 流媒体的权力转移: 深入分析了流媒体平台对传统院线模式的冲击。作者探讨了“注意力经济”如何影响剧本的创作周期、叙事节奏,以及电影作为一种公共仪式体验的消解与重构。 3. 沉浸式体验的边界: 考察了虚拟现实(VR)和增强现实(AR)技术对传统二维银幕的挑战。本书提出疑问:当观众可以“进入”故事时,电影的“观察者”身份是否终结? 4. 数据驱动的电影制作: 批判性地审视了好莱坞利用大数据分析观众偏好来“定制”电影的趋势,以及这对原创性和艺术冒险精神的潜在威胁。 第四部分:未来视域:电影的生存与形态(Future Frames) 最后一章是富有前瞻性的思辨,旨在预测电影艺术在后媒介时代的可能形态。 核心章节侧重: 1. 屏幕之外的叙事: 讨论了跨媒体叙事(Transmedia Storytelling)的兴起,以及电影IP如何渗透到游戏、播客和互动小说中,模糊了单一艺术形式的界限。 2. 慢电影的抵抗: 重新肯定了那些坚守缓慢节奏、强调形式美学和沉思体验的电影(如泰伊·沃克、贝拉·塔尔的作品)的价值,视其为对抗速度化消费文化的最后堡垒。 3. 策展与档案的责任: 鉴于数字格式的易逝性,本书呼吁电影机构和理论家加强对电影遗产的保护工作,确保胶片时代的微妙质感和早期数字作品的原始意图不被格式化所吞噬。 本书特点: 本书的论述风格兼具学术的严谨性与评论的锐利性,避免了专业术语的过度堆砌,力图将复杂的电影理论转化为清晰、引人入胜的论点。作者通过大量的案例分析——从维斯康蒂的奢华布景到贾木许的空旷公路,从王家卫的模糊记忆到阿方索·卡隆的单镜头实验——构建了一幅动态的、充满张力的全球电影地图。 《银幕之光》是献给所有热爱电影,并愿意深入思考媒介本质的读者、学生和从业者的必读之作。它不仅提供了理解过去电影的钥匙,更提供了审视我们当下所见、展望未来可能性的强有力工具。 --- 读者评价摘录: “科尔宾的洞察力令人震撼。他成功地在‘媒介决定论’的泥潭中开辟出一条清晰的道路,论述了技术始终是服务于人类叙事冲动的。” — 《视界评论》 “这是一本对当代电影研究领域具有里程碑意义的著作。它迫使我们重新定义‘电影’的含义,尤其是在‘观看’已经成为一种流动的、碎片化的体验的今天。” — 伦敦大学电影研究系主任 艾米莉·陈 教授

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书最让我欣赏的一点,是它跨越了传统的“艺术片”与“商业片”的二元对立思维。作者没有陷入那种将院线主流作品一概斥之为“垃圾”的偏激情绪中,而是尝试从更广阔的文化土壤中去寻找那些被主流评论界所忽略的价值点。他会用近乎平等的篇幅去分析一部奥斯卡获奖的剧情片,以及一部在特定群体中拥有狂热追随者的B级恐怖片,并试图挖掘两者在叙事结构或情感共鸣上的共通之处。这种包容性让我的视野豁然开朗,我开始意识到,一个媒介的生命力,恰恰存在于它能同时滋养不同层次、不同需求的观众群体的能力之上。他鼓励读者去“无差别地爱”电影,去欣赏那些充满瑕疵但极富生命力的作品,同时也毫不留情地批评那些徒有其表、缺乏灵魂的“工业流程品”。这种平衡且充满洞察力的批判,为我提供了一个更健康、更成熟的观影哲学。

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翻开这本书,我立刻被那种扑面而来的、充满年代感的胶片气息所吸引。作者对早期电影制作的细腻观察,简直让人感觉身临其境,仿佛能闻到老式放映机散发出的焦糊味和润滑油的味道。尤其是关于默片时代那些幕后英雄的叙述,那些布景师、灯光师,他们是如何用最原始的技术去创造出震撼人心的视觉奇观的,简直是一部精彩的“幕后史诗”。书中对不同国家,比如法国的卢米埃尔兄弟和美国的爱迪生之间的技术竞争,描写得非常生动,充满了戏剧张力。我特别喜欢其中关于电影语言如何从舞台剧的刻板僵硬,一步步演化出蒙太奇、特写这些革命性手法的过程的分析,那简直是一场美学思想的进化史。读到这些章节时,我忍不住会停下来,去想象那些黑白影像在光影交错中诞生的瞬间,那种纯粹的、对“记录”和“叙事”的原始渴望,是现在很多过度依赖特效的影片中难以寻觅的宝藏。这本书不仅是知识的积累,更是一次精神上的朝圣之旅,它让我们重新审视了“电影”这个媒介最初的魔力所在。

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这本书的排版和装帧设计简直是一场灾难,这让原本可能更引人入胜的内容大打折扣。大量的文字堆砌,字体选择过于密集,而且几乎没有留白,每次翻阅都感觉眼睛要被榨干。更让人抓狂的是,一些关键的历史图片和剧照,分辨率低得惊人,甚至有些是模糊不清的扫描件,完全无法展现出应有的艺术质感。我能理解作者可能想用这种“地下出版物”的质感来营造一种另类的反叛美学,但对于一本严肃探讨电影艺术的书籍来说,视觉上的粗糙是不可原谅的。我几次想引用书中的某些观点去和朋友讨论,却因为找不到清晰的配图来佐证,显得底气不足。一本关于视觉艺术的书,如果自身的视觉呈现都如此敷衍,实在令人难以接受。它让我想起那些七八十年代的盗版书,内容或许精彩绝伦,但阅读过程却成了一种对耐心的严峻考验。

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这本书的叙事节奏实在是太让人抓狂了,读起来就像是坐过山车,忽快忽慢,完全没有一个稳定的基调。有一部分篇幅对某个特定导演的某一阶段作品进行了近乎学术论文式的解构,每一个镜头、每一次剪辑都被掰开了揉碎了分析,看得人昏昏欲睡,感觉作者完全陷入了自己构建的理论迷宫里出不来了。然而,紧接着,笔锋一转,又突然开始描述某个独立制片人如何在资金匮乏的条件下,用近乎“游击战”的方式拍出了一部具有里程碑意义的邪典电影,那种粗粝的生命力和对体制的反叛精神,又瞬间点燃了我的激情。这种极端的跳跃性,让我很难形成一个统一的阅读体验,时而觉得自己在读一本高深的电影理论专著,时而又像是在听一个老影迷讲述他那些充满野性的观影故事。坦白说,如果不是我对这个主题抱有极大的热情,我可能早就被中间那些过于晦涩的部分劝退了。它更像是一系列精彩的、但缺乏有机连接的“田野考察笔记”的集合体。

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我必须承认,这本书里对当代电影工业化流程的剖析,是我读过的材料中最犀利、最不留情面的。作者没有对好莱坞的“造梦机器”抱有一丝浪漫的幻想,反而将其视为一个精密的、但本质上是冰冷的资本运作体系。他详尽地描述了制片人如何利用心理学数据来设计预告片,如何通过精准的市场调研来决定剧本的走向,甚至连演员的合同细节和形象管理都被纳入了“可量化”的指标。这种对幕后“黑箱”的揭露,虽然令人感到一丝幻灭,但却异常真实和宝贵。它剥去了华丽的表象,直指核心的商业逻辑。特别是关于“IP”的运作模式,以及它如何扼杀原创性的讨论,观点犀利得像一把手术刀,直插弊病的要害。读完这些章节,再去看那些铺天盖地的商业大片时,我的视角已经彻底改变了——我不再仅仅是观众,更像是一个拿着显微镜的观察者,去寻找那些被算法和预算偷偷抹去的人性火花。

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细节非常多,印刷质量也不错。

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暫時看到278頁 太厚了😂又補充了一波watching list

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