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出版者:

作者:[英] Barrington Barber

出品人:

页数:160

译者:王进

出版时间:2013-6

价格:59.80元

装帧:

isbn号码:9787115316141

丛书系列:世界绘画经典教程

图书标签:

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艺术之光：西方油画技法精粹与赏析 图书定位： 本书旨在为有志于深入探索西方油画艺术的绘画爱好者、艺术专业学生以及油画修复工作者，提供一套系统、深入且兼具历史视野的油画技法理论与实践指南。本书摒弃了基础入门级的简单介绍，而是聚焦于十九世纪中叶至二十世纪初，西方油画体系成熟期所形成的关键技术流派、材料科学演变以及大师们的独创性处理手法。 核心内容概述： 本书结构清晰，分为四个主要部分，层层递进，力求全面覆盖油画创作从准备到完成的全过程中的技术难点与艺术决策点。 --- 第一部分：颜料与媒介的科学——材料的深层解析 本部分深入剖析了油画媒介剂的化学构成、物理特性及其对画面效果的决定性影响。我们不再停留在“用亚麻籽油”的层面，而是详细考察了不同植物油（如精炼亚麻籽油、罂粟油、核桃油）的干燥速度、光泽度、脆性差异，以及它们在不同季节和气候条件下的适用性。 关键章节细述： 1. 现代油画颜料的演变与筛选： 追溯自提香时代到印象派时期，无机颜料（如铅白、群青、赭石）的制造工艺变化。重点分析了十九世纪以来人造颜料（如镉系、钴系）的引入如何拓宽了艺术家的调色范围，并讨论了特定颜料（如某些铬黄或朱红）的长期稳定性和潜在的变色风险。内容将包括不同品牌、不同批次颜料的颗粒度（Fineness）对上色力（Tinting Strength）的影响分析。 2. 媒介剂的调配艺术与陷阱： 详细介绍达·芬奇时代流传下来的树脂（如达玛树脂、马蒂卡树脂）的提纯过程及其在光油中的溶解技术。书中提供了一系列基于特定技法（如薄画法、厚涂法）的最佳媒介剂配方，并辅以实验数据，对比了松节油、矿物溶剂与树脂混合物对颜料流动性、透明度和光泽度的动态影响。特别辟章讨论了“过度使用媒介剂”导致油层开裂和“颜色脱油”（Fat Over Lean原则的逆向应用）的案例分析与修复对策。 3. 底层的技术与哲学： 探讨了不同底料（亚麻布、木板）对最终作品寿命的意义。内容深入到石膏（Gesso）的传统制作方法——从动物皮胶的熬制、白垩粉的研磨，到现代丙烯底料的渗透性比较。分析了伦勃朗时期使用的暖色调底层与古典大师偏好的白色底层在色彩饱和度与反光度上的本质区别，并教授如何根据创作意图选择或自制具有特定“底光反射率”的底层。 --- 第二部分：技法流派的深度解构——从湿画到干画的精微操作 本部分聚焦于西方油画技法从文艺复兴盛期到后印象主义发展历程中，各主要流派所采用的具体操作手法，力求解析其技术根源而非仅仅停留在风格描述。 案例分析与技术图解： 1. 蛋彩与油画的过渡技法——“坦培拉的余韵”： 详细解析早期文艺复兴艺术家如何在油画早期阶段融入蛋彩或酪蛋白媒介，以实现精确的轮廓和快速的干燥效果。通过对佛拉芒画派的局部放大研究，展示其如何利用细致的层叠来模拟丝绒或金属的光泽。 2. 威尼斯画派的色彩先行与湿画法（Alla Prima）： 重点剖析提香和委罗内塞如何通过“油性媒介+厚涂”的组合，在颜料未完全干燥时进行色彩叠加与融合，创造出流动性的光影效果。书中包含对“湿叠法”中色彩分离与重新混合的精确控制步骤，强调对笔触的方向性和压力分布的训练。 3. 巴洛克时期的光影雕塑——明暗对比法的精细执行： 分析卡拉瓦乔和伦勃朗如何通过控制颜料的厚薄和底层的色彩倾向，实现戏剧性的光线聚焦。特别关注伦勃朗晚期使用“厚涂”技法（Impasto）来表现皮肤质感和特定反光点的方法，以及其对颜料粘度的特殊要求。 4. 十九世纪学院派的“玻璃化”层涂（Glazing）： 深入探讨古典主义画家如何利用高度透明的树脂光油稀释的色层，在干燥的底层上进行数百次的叠加，以达到色彩的深度和宝石般的光泽。本书提供了重现十九世纪沙龙画作中那种“光线由内而外散发”效果的精确层序和等待时间标准。 --- 第三部分：绘画的结构与视觉欺骗——构图、空间与光学的应用 本部分超越了单纯的材料应用，转向艺术家在二维平面上构建三维幻觉的技巧。 1. 透视学的精确运用与“不精确”的视觉修正： 介绍精确的几何透视点在古典风景画中的构建，并着重分析文艺复兴后期艺术家如何“有意识地打破”或微调透视线，以适应人眼的观看习惯，实现更具吸引力的空间感。 2. 空气透视与色彩温度的控制： 详细阐述大气介质如何影响远景物体的色彩和清晰度。书中通过对柯罗和特纳作品的分析，展示如何通过冷色调的稀薄处理和高光点的弱化，精确模拟空气湿度的深度感。 3. 肌理的叙事功能： 探讨笔触（Brushwork）本身如何成为表达情感和物质性的工具。分析从鲁本斯充满活力的旋涡状笔触到维米尔近乎隐形的平滑笔触在不同题材中的功能。提供练习方案，指导读者如何控制笔尖的受力点，以制造出木材的粗糙、金属的冰冷或皮肤的柔软。 --- 第四部分：现代技法的先驱——印象派至野兽派的技术转向 本部分关注油画材料在现代科学影响下的剧变，以及艺术家对传统规范的挑战。 1. 户外写生的挑战与速干颜料的应对： 探讨十九世纪中叶摄影术和工业革命对艺术家的影响。分析镉系颜料和预制管装颜料的普及如何促使印象派画家从“细致研磨”转向“快速捕捉瞬间”。重点解析莫奈和雷诺阿在“短促笔触”（Broken Color）下如何保持色彩的独立性和视觉混合的效果，避免颜料在画布上过度混杂。 2. 后期印象派对油画媒介的解构： 深入研究塞尚对“体积感”的重构——如何通过有控制的色彩块面和渐变来建立结构，而非依赖传统明暗法。分析梵高如何利用极端高饱和度的颜料和高度粘稠的媒介，使得笔触本身成为画面表现力的主要载体。 3. 野兽派的色彩纯度与“去媒介化”尝试： 探讨马蒂斯等艺术家如何挑战“油画必须柔和”的传统观念，直接使用高纯度的管装颜料，甚至在某些区域降低或完全摒弃传统树脂媒介，追求色彩的直接冲击力。 总结： 本书并非一本技法速成手册，而是一部面向严肃研究者的技术史和应用指南。它要求读者具备一定的基础绘画能力，并通过对历史性材料和技法选择背后的“逻辑”的理解，最终形成自己既尊重传统又敢于创新的油画语言体系。全书配有大量历史原作的局部高精度细节图解，辅助读者理解理论在实践中的具体形态。

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这本书的文字风格，说实话，挺有个性的，一点也不像那种刻板的教科书。作者的语言里充满了对艺术家的敬意和一种近乎“八卦”的好奇心，让人读起来津津有味，完全停不下来。他描述达芬奇在解剖学上的钻研时，那种兴奋感仿佛要溢出纸面，让我感觉自己不是在读教程，而是在听一位经验丰富的老教授在壁炉旁分享他毕生的研究心得。而且，这本书的排版设计也体现了一种高级的匠心。在介绍某个特定的技法时，例如威尼斯画派特有的那种色彩叠加法，它不会只是用文字描述，而是会用非常清晰的图示，甚至是用不同透明度的色块模拟出多层覆盖的效果，这种图文并茂的呈现方式，极大地降低了理解复杂技法的门槛。我感觉这本书的作者不仅是画家，更是一位出色的教育家和沟通者，他知道如何用最有趣味性和最有效率的方式，将那些沉淀了数百年的艺术精髓，转化成当代学习者能够吸收的知识。对于那些因为枯燥理论而对艺术史望而却步的人来说，这本书简直是一剂良药。

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我必须承认，这本书的深度是让我有些震撼的。我原以为这会是一本比较偏向西方古典写实技法的入门指南，但它所涵盖的广度和跨度远超我的预期。它不仅详尽地分析了古典油画的底子处理、素描的结构训练，更重要的部分在于它对“风格演变”的梳理。比如，它并没有孤立地讲解印象派的点彩技法，而是将其置于光学理论的发展背景下进行分析，这使得该技法不再是孤立的符号，而是科学观察的结果。我特别欣赏它对“媒介的革命性影响”的探讨，清晰地阐释了工业革命如何催生了新的颜料和画材，进而直接影响了艺术家的创作方向和审美取向。这种宏观的历史视野和微观的技法分析相结合的方式，让我在学习任何一个单独的技巧时，都能感受到它背后的历史必然性和文化语境。这本书真正做到了“授人以渔”，它教给我的不是几条捷径，而是一整套分析和理解艺术作品的思维框架，这对于任何想要进行深度艺术创作或研究的人来说，都是无可替代的宝贵财富。

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作为一名长期困在瓶颈期的业余学习者，这本书给予了我一种久违的创作冲动。很多教程教你如何“模仿”，而这本书则是在鼓励你如何“创造”。它在每一个关键的知识点之后，都会设置一些开放式的“探索性练习”，而不是规定性的“作业”。例如，在分析完洛可可的柔和曲线后，它会引导读者思考：如果将这种曲线运用到表现现代工业主题上，会产生什么样的视觉张力？这种引导性的提问，极大地激发了我对现有范式的反思和解构欲望。此外，书中对“笔触的个人化表达”这一主题的深入讨论，让我意识到，最终区分平庸与卓越的，不是你掌握了多少既定规则，而是你如何用自己的手，将这些规则进行个性化的提炼和重组。这本书的阅读体验，更像是一场与历代大师的跨时空对话，它教会我如何从他们的成就中汲取力量，但更重要的是，它鼓励我去寻找和定义属于我自己的艺术语言。我强烈推荐给所有渴望突破自身风格桎梏的绘画爱好者。

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坦白讲，我买这本书的时候，是抱着一种“试试看”的心态，因为市面上类似的教程实在太多了，大多都是千篇一律的“如何画鼻子”或者“调色板上的基本色彩”。但这本书完全颠覆了我的认知。它没有急着教你画什么具体的物体，而是花费了大量的篇幅去探讨“观看”本身。比如，如何用视觉语言去解读伦勃朗笔下那种穿透人心的光束，或者如何剖析德加那些瞬间捕捉的动态线条中的情感张力。这本书的厉害之处在于，它把那些看似玄妙的艺术理论，用一种近乎科学的严谨性给拆解了。它不是告诉你“要这样画”，而是引导你思考“为什么他们那样画能达到这样的效果”。我特别喜欢它对构图原理的阐述，不是僵硬的黄金分割，而是结合了不同时代艺术家们如何根据表达需要来打破和重塑空间感。读完这些章节，我再去看任何一幅名画时，眼睛里看到的不再是模糊的颜色和形状，而是清晰的结构、有目的性的笔触和精心设计的视觉流程。这种由内而外的认知升级，远比单纯学会几招绘画技巧来得更有价值，它让我的“艺术智商”得到了显著的提升。

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这本《世界绘画经典教程》的装帧设计实在是太吸引人了，我拿到手的时候就有一种爱不释手的感觉。封面那种略带复古感的纹理，配合上精选的那些大师作品的局部特写，一下子就抓住了我的眼球。翻开内页，纸张的质感也超乎预期，厚实又不失细腻，即使用蘸水笔或者稍微湿润的颜料在上面练习，也不用担心洇墨或者破损。更让我惊喜的是，它不仅仅是简单的图册，而更像是一部精心策划的视觉盛宴。编排的逻辑性非常强，从文艺复兴的精妙光影过渡到巴洛克的戏剧性，再到印象派的光色革命，每一步的转折都安排得恰到好处，让人感觉作者对艺术史脉络的把握是极其深刻且充满热情的。我尤其欣赏其中对于材料应用的部分，介绍得非常详尽，比如不同基底对油画颜料渗透性的影响，或者水彩纸的吸水性差异，这些细节对于初学者来说简直是宝藏。它没有那种高高在上的学术腔调，而是用一种非常平易近人的方式，邀请读者走入艺术家的内心世界，去理解那些流传百世的作品背后所付出的心血和技巧。我敢说，光是研读其中的图例和细节分析，就已经能让我的绘画视野开阔不止一个层次了。

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第一次了解油画的过程

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大致讲了一下油画的基本调色，但是在具体实作中，对调色还是讲得不够详细，得靠自己摸索

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跃跃欲试！

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