历代瓷壶鉴藏 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海文化出版社

作者:马骋,鲁伟中,李剑敏

出品人:

页数:153

译者:

出版时间:2007-9

价格:50.00元

装帧:

isbn号码:9787807401711

丛书系列:

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历代名画赏析与流派研究 内容提要： 本书是一部全面梳理中国绘画发展脉络的深度研究专著，聚焦于自新石器时代岩画萌芽至近现代艺术思潮涌动期间，各个历史阶段最具代表性的绘画作品、重要的艺术流派及其背后的文化、哲学意涵。全书以时间为序，辅以专题剖析，旨在为读者构建一个清晰、立体的中国绘画史全景图。 第一部分：远古的回响与先秦的滥觞 本部分追溯了中国绘画的源头。从云南沧源、广西左江等地的史前岩画入手，探讨这些原始图像所承载的巫术信仰、生存记录和早期审美意识。继而深入探讨商周青铜器纹饰的演变，分析其上“饕餮纹”“夔龙纹”等神兽纹样如何体现当时的宗教观念与礼制结构。重点解析战国帛画的出现，特别是《长沙子弹库帛画》和《人物龙凤图》，揭示了屈原楚文化背景下，早期人物画、宗教画的雏形，及其对后世神仙世界的想象基础。 第二部分：汉代的恢弘与魏晋的风骨 汉代是中国叙事性绘画和壁画艺术的黄金时期。本书详尽考察了汉代画像石、画像砖的艺术特征，重点分析了其对“历史故事”（如周公辅政、鸿门宴）、“孝道伦理”的图像化表达，以及对“气韵生动”初步理念的萌芽。 进入魏晋南北朝，绘画理论的自觉成为核心议题。本书集中讨论了顾恺之的“传神论”及其《洛神赋图》（宋摹本）所展现的线条运用之妙。同时，探讨了陆探微、张僧繇等画家在人物造型和色彩运用上的革新。针对佛教艺术的兴盛，对敦煌莫高窟早期壁画（如反弹琵琶图的早期形态）进行了细致的分析，阐释了外来艺术如何被本土化，形成具有中国特色的“曹衣兜带”和“吴带当风”的风格特征。 第三部分：唐宋的鼎盛与院体的规范 唐代是绘画走向成熟与制度化的巅峰。本书将唐代绘画分为初唐的工整典雅、盛唐的气象万千和晚唐的写实细腻三个阶段。重点分析了吴道子“吴带当风”的笔法及其对后世的影响，并研读了周昉“丰腴健美”的人物画风。在山水画领域，探讨了李思训的金碧山水与王维的水墨写意之间的分野与融合。 宋代是文人画理论体系确立的关键时期。本书系统梳理了北宋“范宽、郭熙、李成”等巨匠的山水画成就，强调了他们如何将个体生命体验融入自然景观之中。同时，对《清明上河图》等风俗画进行了社会史意义上的解读。在花鸟画方面，对黄荃父子的工笔设色与宋徽宗的“瘦金体”及其院体画的审美标准进行了深入剖析，揭示了院体画在技法上的精湛与在精神性上的限制。 第四部分：元代的转向与士人的自足 元代绘画的变革，是传统中国画发展史上一次重大的“内在转向”。本书将元代绘画的核心置于“文人画”的崛起之上。重点研究了“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）如何通过“以书入画”来强调笔墨的个人性与主观性。分析了赵孟頫复古主义思潮对后世的影响，以及他“力追晋唐”的艺术主张。本书尤其关注了管道昇、朱淑真等女性艺术家的创作，填补了传统叙事中对女性艺术家的忽视。 第五部分：明清的演变与流派的纷呈 明代早期，“浙派”的写实雄劲与“吴门画派”的雅致内敛形成了鲜明的对比。本书详细比较了沈周、文徵明等吴门画家的创作差异，以及他们如何将苏杭地区的园林山水融入画中。中晚明时期，随着市民阶层的壮大，董其昌的“南北宗论”对后世的理论影响被置于核心地位进行辨析。 清代绘画呈现出多元并存的复杂面貌。对“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）的摹古与“笔墨”理论进行了批判性梳理，探讨他们如何将传统推向程式化。同时，本书对富有反叛精神的“个个成家”的画家，如石涛的“我自心中生”的理论实践，以及八大山人的笔墨象征主义，进行了深度解读，展现了中国画在古典范式下的挣扎与突破。 第六部分：近代格局的重塑与现代的探索 近代以来，面对西方艺术的冲击，中国画经历了痛苦的转型。本部分探讨了海派（吴昌硕）如何以金石入画，开创一种雄浑的新面貌。着重分析了“岭南画派”在题材和色彩上吸收西法，追求“折衷中外”的实践。最后，本书总结了齐白石如何将民间艺术的纯真与文人画的笔墨融为一体，以及徐悲鸿对素描造型的引入与“写实主义”在传统图式中的实践，为中国画的未来发展指明了方向。 本书特色： 理论与实践并重： 不仅展示名作图像，更深入剖析“笔墨”“气韵”“意境”等核心概念的演变历程。 断代清晰： 结构严谨，脉络清晰，便于读者建立完整的历史认知框架。 视野广阔： 兼顾山水、人物、花鸟三大门类，并对佛教题材、风俗画等特殊领域予以重视。 图版丰富： 配备大量高清原色图版与局部放大图，辅以详尽的图注说明，提升视觉研究的深度与准确性。

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初读这本《历代瓷壶鉴藏》，最大的感受是其行文的严谨和考据的扎实。作者显然是抱着一种近乎档案整理的态度来构建这部作品的，而非进行一场风花雪月的艺术评论。特别是对于那些特定历史背景下，某一特定器形（比如梅瓶、执壶）在不同朝代形制上的演变逻辑，叙述得极为清晰。我特别欣赏它对“时代风格”的提炼，比如明代早期器物那种沉稳、厚重的气度，与清代中期追求的精巧、繁缛之间的分野，作者没有流于表面，而是深入到当时社会审美和制瓷工艺的制约关系中去解释。然而，这种近乎教科书式的线性叙述，也让阅读过程略显沉闷。对于我这种更喜欢通过故事和人物来理解历史的读者来说，书中缺乏一些鲜活的“人情味”。比如，某件著名藏品背后的流转故事，或者某位制瓷大师的独到之处，这些能够串联起冰冷器物的历史脉络的元素，在书中几乎绝迹。它更像是一部宏大的编年史，而非充满个人情感的收藏札记。

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作为一个长期关注海外拍卖市场的收藏者，我对这本书中对“中国本土视角”的坚守感到既欣慰又略有遗憾。欣慰的是，它提供的许多资料和对传统款识的解读，确实更符合国内老一辈行家的习惯，少了一些西方博物馆体系下的概念化解读。遗憾的是，书中对于近现代瓷器，尤其是民国时期和建国初期的精品壶具的探讨，篇幅明显不足。这个时期的作品，尤其是一些名家（如程门、珠山八友相关的一些瓷器）的壶，其市场热度和艺术价值正在快速攀升，很多都是连接古代与现代工艺的桥梁。这本书似乎将重点完全压在了明清鼎盛期，对于更贴近当代收藏语境的“后传统”器物的关注度不够。这就好比一份详尽的地图，却遗漏了城市新开发的区域。此外，对于目前市场上流行的“复古”和“仿古”作品的鉴别策略，全书几乎没有提及，这在今天的市场环境下，无疑是一个重大的知识缺口。

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这本关于古代壶具收藏的著作，从我一个初涉此道的爱好者角度来看，确实是本入门级的敲门砖，但要深入进去，恐怕还得再添砖加瓦。书中对不同时期，比如宋代的汝窑、官窑，明代的永乐、宣德青花，清代的康熙、雍正彩瓷等不同窑口的介绍，着实是下了番功夫的。图版印刷的精美程度毋庸置疑，尤其是那些细节放大图，能让人清晰地看到釉色的变化和款识的笔法。不过，作为一个渴望掌握“看货”本领的人，我总觉得少了点“火候”。比如，对于高仿品和真品的辨识，书中的论述显得有些保守和概括，更多的是在描述“什么是好的”，而不是“如何分辨出不好的”。我期待看到更多关于胎土的物理特性、支钉痕的处理细节，以及不同时期修胎手法的细微差异，这些才是真正决定一件藏品价值的“硬指标”。总而言之，它是一本赏心悦目的画册和历史概述，却未能完全满足我作为一个“淘客”对实战技巧的渴求。或许，这本偏重学术梳理的书籍，更适合陈列于书架之上，供人随时翻阅那些美丽的图片，而非作为案头必备的“鉴宝手册”。

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翻开书本，那厚重的纸张和油墨的气味，就给人一种“正统”的压迫感。这本书的优点在于其对器物“等级”的划分和梳理，可以说是国内同类出版物中的一个标杆。它没有盲目地抬高所有古代器物，而是十分克制地用近乎苛刻的标准去评判每一个时期的代表作。比如，它对某些特定器形在特定时间段内，仅存世的几件孤品进行了细致的图文对比，这种专业性令人信服。但是，这种“高标准”也带来了负面效应——它似乎将收藏的门槛设置得太高，让普通藏家望而却步。书中提及的许多“标准器”，对于一般人来说，恐怕穷尽一生也难得一见。我更希望看到一些关于“次一级精品”或者“地方窑口”的介绍，那些器物虽然不如官窑的完美无瑕，但更具烟火气和研究价值，也更容易被普通爱好者接触到。全书的基调过于严肃和精英化，缺乏对大众化收藏的引导和鼓励。

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阅读这本书，就像是上了一堂高级的、纯理论的陶瓷美学课。它对器物线条、比例、以及装饰母题的“文人化解读”是令人赞叹的。作者擅长将造型的哲学意义与历史的变迁挂钩，比如如何通过壶流的角度来解读权力结构的变化，或者通过把手上的雕饰来侧面反映士大夫阶层的审美取向。语言风格典雅，充满了一种学术的魅力。然而，对于一个需要“实操”的读者来说，最大的痛点在于缺乏对“新技术的应用”的探讨。现今的文物保护和鉴别技术日新月异，例如X射线荧光光谱分析（XRF）在测定釉料元素构成上的应用，或者高倍显微镜下对泥料颗粒的分析，这些现代科学手段的引入，往往能提供比肉眼观察更确凿的证据。这本书的内容似乎完全停留在传统的手眼观察阶段，对新兴的科技鉴证手段一字未提，这使得整部作品在面对未来市场的挑战时，显得有些“老派”和保守了。

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