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出版者:人民出版社

作者:李永明

出品人:

页数:233

译者:

出版时间:2007-8

价格:30.00元

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isbn号码:9787010064512

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现代交响乐的结构与和声演变：一部跨越世纪的音乐分析 本书聚焦于自浪漫主义晚期至二十世纪中叶，西方交响音乐在结构创新、管弦乐法发展以及和声语言突破的关键历程。 这部著作并非对特定作曲家或流派的全面回顾，而是深入剖析了支撑这一时期交响乐繁茂发展的技术核心与哲学思辨。它旨在为音乐专业人士、资深乐迷以及所有对古典音乐发展脉络有深度探究兴趣的读者，提供一套严谨而富有洞察力的分析框架。 第一部分：结构重塑与叙事张力（约450字） 传统的奏鸣曲式在面对宏大叙事和日益复杂的内心体验时，其固有的平衡性开始受到挑战。本书的第一部分，《宏大框架下的张力与释放》，详细探讨了作曲家们如何巧妙地解构并重建奏鸣曲结构。我们避开了对贝多芬或勃拉姆斯等早期大师的重复性论述，而是将焦点集中在马勒、理查·施特劳斯乃至早期斯特拉文斯基的作品中，结构处理的激进转变。 马勒的“无穷发展”：书中深入分析了马勒后期交响曲中，主题的分解、元素的并置以及乐章间叙事逻辑的重构。重点剖析了其如何通过扩大发展部的篇幅，甚至在再现部中引入新的对位或变奏，模糊了古典结构中清晰的功能性划分。我们运用拓扑学模型来描绘这些结构的非线性发展，揭示出这种“无穷发展”实际上是一种有意识的、服务于心理刻画的结构策略，而非单纯的结构松弛。 瓦格纳主义的回响与反叛：接着，我们考察了后瓦格纳时代对“主导动机”的运用如何渗透到器乐交响曲中。与歌剧中的明确指代不同，交响乐中的动机发展要求更高的抽象性。本书细致比对了德彪西的《牧神午后前奏曲》在形式上对传统结构的消解，以及西贝柳斯如何利用“主题晶体”（Thematic Crystals）——即高度凝练、可塑性极强的音乐片段——来构建其作品的内在骨架，而非依赖传统的主题对置。这种对“主题单元”的最小化处理，预示着音乐向序列主义演进的早期趋势。 第二部分：管弦乐法的技术革命与音色美学（约550字） 交响乐的“声音世界”在二十世纪经历了前所未有的扩张。本书的第二部分，《跨越边界的音色探寻》，着重于管弦乐队编配技术的革新及其背后的美学驱动力。此部分完全避免了对传统乐器组（如小提琴或长笛）的常规技法介绍，而是专注于对非常规配器法和“噪音边界”的探索。 铜管乐器的扩张与“密度”控制：我们着重分析了20世纪上半叶铜管组（尤其是低音铜管和萨克斯风）在交响配器中的地位提升。书中详细研究了肖斯塔科维奇在特定段落中，如何通过将低音弦乐与低音铜管进行极端密集的八度堆叠，营造出一种压迫性的“音墙”效果。此外，还分析了拉威尔对长号组进行半音阶琶音的写作技巧，以模拟出一种类似键盘乐器分解和弦的流动性，而非传统的号角式音响。 打击乐的地位跃升与节奏的解耦：本书详细考察了从勋伯格《古诺的颂歌》到米约作品中，打击乐器不再仅仅是时间标记或强弱强调的工具。研究深入到对音高性打击乐器（如马林巴、颤音琴）在主音区和次音区如何被用来替代弦乐声部，以获取更清晰、更干燥的音色质感。我们对比了对非传统打击乐器（如金属板、车轮、乃至日常物件）的使用，探讨这些“非音乐”声音是如何被纳入交响语汇，以服务于一种新的、去浪漫化的客观美学。 木管组的“非歌唱性”：针对木管乐器，本书探讨了如何通过特定的演奏技巧（如气音、超吹、快速的断奏）来抑制其传统的“歌唱性”，转而强调其“机械性”或“色彩性”。例如，对普罗科菲耶夫使用单簧管进行急速的、高度不和谐的二度交错的分析，揭示了作曲家如何通过对乐器固有音色的改造来实现强烈的戏剧张力。 第三部分：和声语言的逻辑与系统化（约500字） 第三部分，《从功能到体系：和声语言的去中心化》，是全书最具理论深度的部分，它探讨了调性体系瓦解后，作曲家如何建立新的、内部自洽的和声逻辑，以替代传统的协和与不协和关系。 十二音技法的结构性应用：我们没有停留在对勋伯格“十二音列”表面的介绍，而是着重分析了序列的横向（旋律）和纵向（和声）组合原则。书中提供了大量案例，展示了韦伯恩如何通过限制音列中三度、四度音程的使用，从而人为地制造出一种极度稀薄、非指向性的和声质感。对比分析了伯格如何将音列应用于复调的各个声部，构建出一种“平面化”的和声场域，即和声不再是向特定主音回归的动势，而是一种均匀分布的音响纹理。 多调性与音高复层结构的理论化：本书深入剖析了利盖蒂早期的音高密度理论，探讨了如何通过多个独立调性层级的叠加，在宏观上产生一种“微观复调”或“音云”的效果，这与传统的多调性（如早期斯特拉文斯基）中清晰可辨的对位关系截然不同。我们运用频谱分析工具来量化这些音响织体的“摩擦系数”，揭示了这种复杂多调性在听觉上的具体物理表现。 和弦的“物体化”：最后，本书考察了亨德密特新古典主义和声观——即和声不再是旋律发展的副产品，而是具有自身内在逻辑和可操作性的“声音物体”。通过对亨德密特中后期交响作品中对泛音列的直接引用，我们阐释了如何通过一种基于物理声学原理的“自然和声”构建体系，来对抗瓦解中的浪漫主义情感导向，从而为战后的新客观主义音乐发展奠定了坚实的和声基础。 本书旨在提供一种超越风格流派、聚焦于音乐“如何构造”的分析视角，是理解二十世纪宏大器乐体裁演进的必备参考。

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总而言之，《芭蕾舞及教学论研究》这本书为我打开了一个全新的视角去理解和欣赏芭蕾。它不仅仅是一本关于舞蹈技术或教学方法的书，更是一本关于艺术教育、关于人体潜力、关于情感表达的深刻探索。我从中获得的知识和启发，远远超出了我最初的预期。无论是对于专业的芭蕾教师、学生，还是像我一样热爱芭蕾的普通读者，这本书都无疑是一部值得反复阅读和珍藏的佳作。

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这本书真的让我眼前一亮，作为一个对芭蕾有着深厚情感但又想深入了解其教学体系的读者，我一直在寻找一本能够同时满足理论深度和实践指导的书籍。《芭蕾舞及教学论研究》这本书的出现，简直就像是为我量身定做的。它不仅仅是对芭蕾这一艺术形式的纯粹赞美，更是对其教学方法论的系统性梳理和深入剖析。我特别喜欢作者在开篇部分对芭蕾发展历史的追溯，那种梳理脉络、分析演变的过程，让我对这项古老艺术的生命力有了更深刻的认识。从古典芭蕾的严谨与规范，到现代芭蕾的自由与创新，每一个阶段的特点都被作者娓娓道来，并且不仅仅是罗列事实，更是挖掘了其背后的时代背景和社会思潮的影响。

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让我印象深刻的还有书中关于芭蕾动作的语汇分析。作者不仅仅是列出了一些常见的芭蕾术语，更是深入分析了这些术语背后的动作原理、肌肉发力以及它们之间的逻辑关系。这种细致入微的分析，让我对每一个动作的理解都上升到了一个新的高度。我开始明白，为什么一个简单的“plié”会有如此多的变化和讲究，也理解了为什么每一个身体部位的细微调整都会影响到整个动作的美感和技术性。

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更让我惊喜的是，本书在教学论的部分，并没有落入空泛的理论说教，而是将抽象的教学理念与具体的训练技巧紧密结合。我特别关注书中关于儿童芭蕾启蒙的章节，作者详细阐述了在不同年龄段，如何通过游戏化的方式、趣味性的引导，来培养孩子的乐感、协调性和对芭蕾的初步兴趣。这对于我这样想要了解如何指导初学者，甚至是为自己孩子寻找合适入门指导的读者来说，无疑是一份宝贵的财富。书中的图文并茂，许多插图不仅展示了动作的标准姿态，还配以详细的动作分解和发力要点，让我在阅读时仿佛置身于一个生动的课堂，能够直观地理解每一个技术环节。

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在阅读过程中，我发现作者在阐述复杂的教学概念时，总能用非常清晰的比喻和生动的例子来帮助读者理解。例如，在讲解如何培养舞者的“在地感”时，作者将身体的重心和与地面的连接比作树根，形象地说明了稳固地基对于一切技术动作的重要性。这种将抽象理论具体化的能力，使得原本可能枯燥的教学原理变得易于消化和掌握，大大提高了阅读的效率和乐趣。

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读这本书的过程，让我仿佛在与一位经验丰富的芭蕾教育家进行对话。作者的语言严谨而不失生动，既有学术研究的深度，又不乏对艺术的热爱与激情。我特别喜欢书中对于不同芭蕾学派教学风格的比较分析。比如，关于俄罗斯学派的强调力量与爆发力，法国学派的注重轻盈与优雅，以及意大利学派的强调脚尖技术等，这些细致入微的对比，让我对芭蕾教学的多样性有了更全面的认识。这种跨学派的比较，不仅拓宽了我的视野，也让我思考在实际教学中如何取长补短，形成自己的教学特色。

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书中关于芭蕾舞者身心健康与职业发展的内容，也是我非常看重的一环。作者并没有回避芭蕾训练的艰辛与挑战，而是以一种非常现实而又充满人文关怀的态度，探讨了如何帮助舞者应对训练中的伤病，如何进行有效的心理调适，以及如何在职业生涯中保持对艺术的热情。这种关注舞者个体成长的视角，让这本书显得格外有温度。它不仅仅是一本技术指南，更像是一位良师益友，陪伴着舞者在追逐艺术梦想的道路上成长。

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本书的参考文献和学术引用部分也做得相当扎实，这表明作者在撰写此书时，进行了广泛而深入的资料搜集和研究。对于我这样希望进一步探索芭蕾教学理论的读者来说，这些参考文献就像是一张地图，指引着我通往更广阔的学术海洋。我非常感激作者在这种严谨治学的态度，这使得这本书的学术价值和参考意义得到了极大的保障。

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此外，书中对于芭蕾教学的创新与发展也进行了前瞻性的探讨。作者不仅仅回顾了历史，也展望了未来，分析了科技、跨界合作等因素对芭蕾教学可能带来的影响。这种具有前瞻性的思考，让我觉得这本书不仅仅是关于“如何教”和“教什么”，更是关于“如何让芭蕾教学更好地发展”。它鼓励我在自己的学习和思考中，也能保持开放的心态，拥抱变化，探索新的可能性。

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这本书的结构设计也非常合理，它不是将所有内容杂乱无章地堆砌，而是有条理地将理论、历史、教学与实践一一展开。在讨论了芭蕾的身体技术基础之后，作者并没有止步于此，而是进一步探讨了音乐与情感在芭蕾表演中的作用。我非常欣赏作者对音乐理解和情感表达之间关系的深刻洞察。他不仅仅强调了音乐节拍的重要性，更深入地分析了如何通过音乐的旋律、节奏、情绪变化来引导舞者进行情感的传递，从而让舞蹈不仅仅是肢体动作的组合，而是富有灵魂的艺术表达。这种对艺术内在精神的挖掘，让这本书的层次感得到了极大的提升。

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可惜对于理论没有自己的一些看法

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