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出版者:金盾音像

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2006-9-6

价格:15

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isbn号码:9787887481337

丛书系列:

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艺术的微光：当代摄影的思辨与实践 ——一部深入当代视觉文化脉络，探讨摄影本体论与创作前沿的重量级论著 作者简介： （此处应为本书作者的专业背景介绍，例如：张 毅，著名艺术史学家、策展人，伦敦大学艺术哲学博士，现任[某知名大学]艺术学院教授，长期致力于后现代主义摄影理论、中国当代影像实践与视觉人类学的跨学科研究。出版有《解构的光影：数字时代摄影的衰变与重生》、《凝视的权力：当代艺术中的身体与景观》等多部学术专著，其理论体系以严谨的哲学思辨和对前沿艺术现象的敏锐洞察著称。） --- 内容提要： 《艺术的微光：当代摄影的思辨与实践》并非一本教授“如何按快门”的技术手册，亦非仅仅罗列经典摄影大师作品的图录。它是一次对21世纪视觉文化深处结构性变革的深度剖析，一次对“摄影是什么”这一古老命题在信息爆炸时代的全新拷问。本书以一种近乎档案整理者的审慎和哲学家般的穿透力，系统梳理了自20世纪末至今，摄影作为一种媒介、一种艺术形式、一种社会权力工具所经历的本体论危机、媒介转型与伦理重构。 本书的核心，在于探讨在后真相时代（Post-Truth Era），当图像的真实性被算法和数字编辑技术彻底瓦解后，当代摄影艺术如何寻找其新的立足点——即那束穿透信息迷雾的“微光”。 全书分为四个主要部分，层层递进，构筑了一个宏大而精密的理论框架。 --- 第一部分：本体论的幽灵——摄影的边界消融与媒介的重塑（约400字） 本部分将重点考察摄影这一媒介在进入数字纪元后所面临的根本性挑战。传统的“瞬间记录”与“光影印记”的定义已然失效。 1. 从“再现”到“生成”： 深入分析了模拟摄影向数字摄影的转变，不仅仅是记录技术的迭代，更是本体论层面的断裂。重点讨论了“蒙太奇”的终结与“合成”的常态化，探讨了人工智能（AI）生成图像（Generative Imagery）对传统摄影师主体性的冲击。我们不再仅仅是捕捉现实，而是越来越多地建构或模拟现实。 2. 档案的焦虑与“非在场”的在场： 考察了大数据时代“海量图像”对个体作品的稀释效应。当所有图像都可以在瞬间被复制、修改并散播时，作品的“光环效应”（Aura，借鉴本雅明的概念）如何重构？探讨了基于云端的、无实物存储的摄影作品，其物质性的丧失是否意味着其艺术性的削弱。 3. 混合媒介的拓扑结构： 关注摄影如何渗透、吸纳其他艺术形式，如装置艺术、行为艺术、影像装置的边界。分析了当代摄影师如何利用VR/AR技术，将二维平面图像嵌入三维体验空间，模糊了“观看”与“在场”的界限。 --- 第二部分：观看的政治学——权力、身体与景观的审视（约450字） 本部分将目光投向摄影作为一种强大的社会工具，如何参与到权力的分配、身份的构建以及公共空间的塑造之中。 1. 监视资本主义下的视觉伦理： 剖析了面部识别技术、城市监控系统以及社交媒体平台如何将个体的“观看”行为转化为可量化的数据流。探讨了摄影师在揭示这种隐形权力结构时所面临的法律和道德困境。讨论了诸如“主动曝光”与“被动捕捉”在当代语境下的新含义。 2. 身份的碎片化与“自拍文化”的批判性解读： 并非简单批判自拍的肤浅，而是将其置于后现代身份政治的框架下。分析当代艺术家如何利用自我肖像（Self-Portraiture）——无论是通过精心设计的数字肖像还是“不加修饰”的日常记录——来解构刻板的性别、种族和阶级标签。尤其关注那些挑战主流叙事的边缘化群体视觉表达。 3. 景观的解构与“非地景”的发现： 针对传统风光摄影的经典范式，本书深入探讨了当代摄影师如何处理被人类活动深度改造过的环境，即“人造地貌”（Technoscape）。分析了工业废墟、网络基础设施、污染带等“非地景”如何成为当代社会最真实的视觉文本，以及艺术家如何通过冷静的、近乎科学的记录手法，揭示其背后的系统性问题。 --- 第三部分：创作的方法论——从概念到实现的前沿策略（约400字） 本部分聚焦于当代摄影师在创作实践中采用的创新方法和工具箱，强调“想法”如何驱动“图像”。 1. 策展式摄影（Curatorial Photography）： 探讨当代艺术家如何不再满足于拍摄单一的、决定性的瞬间，而是构建一个由文本、多媒体、历史图像和新近拍摄素材构成的“图像群落”。作品不再是单一的图像，而是一个需要观众主动“阅读”和“组装”的知识系统。 2. 历史图像的“考古”与“重编程”： 细致分析了艺术家如何深入档案馆、私人收藏或互联网深处，挖掘被遗忘或被误读的历史图像，并通过当代的手法（如故意损坏、色彩重映射、与新材料结合）对其进行“重编程”，使其发出新的批判性声音。 3. 慢镜头与非线性叙事： 批判了社交媒体所推崇的快速、即时消费的视觉模式，转而研究那些要求长时间观看、依赖于观众耐心和智力投入的叙事策略。例如，通过极度细微的细节放大、长时间曝光或多重曝光构建的非线性时间感。 --- 第四部分：未来的视界——摄影的边界延伸与介入性（约250字） 最后一部分展望了摄影在艺术生态和认知图景中的未来走向。 1. 图像与物质性的回归： 讨论了在数字泛滥的背景下，一些艺术家如何反向操作，重新强调手工制作、暗房工艺的价值，将摄影作品转化为具有独特触感和物质重量的艺术品，以对抗虚拟的虚无感。 2. 介入与行动的视觉记录： 探讨摄影作为一种即时行动的工具，在社会运动、环境干预中扮演的角色。它不再仅仅是记录事件的结果，而是成为引发事件本身（Action/Intervention）的一部分。 3. 摄影作为哲学探针： 总结本书的核心观点——当代摄影的价值不再依赖于其对世界的“忠实描摹”，而在于它提出问题的能力、挑战既有认知框架的勇气，以及在浩瀚的信息海洋中，为我们重新校准“何为可见”和“何为重要”的哲学探针作用。 --- 读者对象： 艺术史专业学生、当代艺术研究者、视觉文化批评家、专业摄影师及对技术哲学、媒介理论抱有浓厚兴趣的跨学科读者。本书要求读者具备一定的艺术理论基础，旨在提供一个高屋建瓴的、能够指导未来创作和研究的理论地图。 --- 总结： 《艺术的微光》提供了一套观察当代世界视觉语言的全新透镜。它拒绝提供简单的答案，而是引导读者深入探寻图像背后的权力运作、媒介的形而上学困境，以及艺术家在“后真实”世界中如何坚守创作的纯粹与批判力量。阅读本书，就是参与一场关于我们如何“看见”的深刻对话。

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对于这本《儿童绘画入门》，我的评价可以说是有点复杂，带着点成年人的审视和对孩子成长的期盼。我注意到这本书在引导孩子进行绘画时，非常注重培养观察力。它没有直接给出一个“画这只猫”的模板，而是可能通过引导孩子去观察猫咪的身体比例，耳朵的形状，尾巴的摇摆姿势等等，然后用简单的线条和色块去表现。这种“观察-再创作”的过程，我认为比单纯的临摹更有意义。它能让孩子真正地去“看”这个世界，而不是仅仅停留在表面的模仿。我特别欣赏的是，这本书似乎强调了“过程”的重要性，而不是最终画得有多么逼真。在绘画的初期，能够鼓励孩子大胆地用色，尝试不同的笔触，即便画出来的东西和现实有很大的偏差，也是被鼓励和接纳的。这一点对于建立孩子的自信心至关重要。我曾经见过一些孩子，因为被要求画得“像”而变得拘谨，失去了绘画的乐趣。我希望这本《儿童绘画入门》能够避免这一点，让绘画成为一种表达自我的方式，一种发现生活之美的途径。它给我的感觉是，它不仅仅是在教孩子画画，更是在教他们如何去感受和理解周围的世界。

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《儿童绘画入门》这本书，我当初买来完全是抱着试试看的心态。我女儿今年刚上小学，平时对画画也表现出点兴趣，但总是涂涂抹抹，缺乏方向。市面上的儿童绘画书籍琳琅满目，看得我眼花缭乱，最终选择这本，主要还是看中了它的名字——“入门”。我希望它能提供一个非常基础、易懂的起点，不至于让她在刚开始就产生挫败感。拿到书后，我先翻看了目录和内页，画面色彩鲜艳，布局清晰，感觉很适合小孩子。而且，它似乎并没有直接教授复杂的技巧，而是从一些最简单的元素开始，比如线条的运用，形状的组合，以及一些基础的色彩搭配。这一点我觉得非常重要，因为对于初学者来说，理解和模仿简单的图形比学习复杂的透视或者光影要容易得多。我期待它能激发孩子的创造力，而不是用一套程式化的方法束缚住他们。虽然我还没让她开始画，但从我这个成年人的角度来看，这本书给我的第一印象是亲切且友好的，不像一些专业绘画教程那样让人望而生畏。我希望它能成为孩子绘画旅程中的一个愉快开端，让她在涂鸦的过程中感受到绘画的乐趣。

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买这本《儿童绘画入门》的时候，我主要是想给我的小侄子找点乐子。他现在这个年龄，正是好奇心爆棚的时候，什么都想摸一摸，试一试。我希望这本书能给他提供一个安全的、充满乐趣的探索空间。我注意到，它里面有很多描绘动物、植物、交通工具的例子，这些都是孩子日常生活中常见的元素，所以会很有亲切感。而且，这本书的语言风格应该是非常浅显易懂的，不会有太多专业术语，可能会用一些生动有趣的比喻来引导孩子。我猜想，它还会包含一些互动的环节，比如让孩子去给画好的轮廓填色，或者让孩子自己去添画一些小细节，让画作变得更加生动。这种参与感，对于孩子来说是很有吸引力的。我特别希望它能够培养孩子动手的能力，让他们在拿起画笔的那一刻，感受到一种成就感。我期待这本《儿童绘画入门》能够成为孩子童年时期的一段美好回忆，让他们在玩乐中学习，在学习中成长，并且爱上创造。

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我偶然间看到朋友的孩子在使用这本《儿童绘画入门》，出于好奇也翻看了几页。这本书给我的整体感觉是“轻盈”且“有活力”。它没有那种厚重、严肃的感觉，更像是一本充满趣味的游戏手册。我注意到，它在介绍绘画元素时，并没有像一些教程那样枯燥地讲解理论，而是通过一些可爱的卡通形象，或者生活化的场景来展示。例如，可能在教怎么画一个圆的时候，会把它变成一个气球，或者一个西瓜，让孩子觉得很有趣。而且，这本书在鼓励孩子大胆创作方面做得很好。它可能不会强调“画得像不像”，而是鼓励孩子去“画出自己的想法”。比如，画小鸟的时候，可以画五颜六色的小鸟，可以画长着翅膀的猫咪。这种打破常规的自由度，对于培养孩子的创造性思维非常有益。我感觉它更像是一种“激发”工具，而不是一个“教授”工具，它不负责教会你所有的技巧，而是让你愿意去尝试，去探索，去发现绘画的无穷魅力。

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我是一个美术生，虽然我不是直接用这本《儿童绘画入门》来学习，但偶尔翻阅时，也觉得它有一些值得称道的地方。从构图和色彩的角度来看，这本书的设计显得相当用心。它会用一些很基础的几何图形，比如圆形、方形、三角形，来组合出各种各样的物体，比如一个简易的房子，一辆小汽车，或者一个卡通人物。这种“化繁为简”的处理方式，对于儿童来说是非常友好的。它能够让他们明白，复杂的形象是由简单的元素构成的，降低了绘画的门槛。而且，在色彩的运用上，我发现它并不拘泥于写实，而是鼓励孩子去尝试一些大胆、跳跃的色彩组合。比如，一棵树可以不是绿色的，一朵云可以不是白色的。这种自由的色彩表达，能够极大地激发孩子的想象力和创造力，让他们不再被现实的色彩所束缚。当然，从我一个专业人士的角度来看，这本书肯定不包含深入的技法讲解，比如素描的明暗处理，水彩的渲染技巧等等。但它恰恰定位准确，就是要给零基础的孩子一个最直观、最有趣的入口，让他们先爱上绘画，再去谈论技巧。

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