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出版者:Scribner

作者:Peter Cowie

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1982-11

价格:USD 19.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780684177717

丛书系列:

图书标签:

• 电影
• 导演
• 瑞典电影
• 戏剧
• 心理学
• 存在主义
• 艺术
• 文化
• 电影史
• Bergman

《伯格曼：不止是电影》 这本书并非一本详尽的伯格曼电影分析手册，也不是对这位瑞典电影大师一生功绩的学术梳理。相反，它是一次更深入、更个人化的探索，旨在揭示英格玛·伯格曼（Ingmar Bergman）那些在银幕之外，同样触动人心的层面。本书将目光从其广为人知的电影杰作中移开，转而聚焦于那些塑造了他思想、影响了他创作，并最终构成他复杂人格的深层动机与广阔视野。 我们将深入探究伯格曼的童年经历，那些充满宗教色彩、权力纠葛以及压抑情感的家庭环境，如何在他心中埋下了对人性弱点、信仰危机和生命意义的深刻审视。你将读到他如何从一位充满激情的年轻戏剧导演，逐步走向电影这一媒介，以及早期在戏剧舞台上的磨砺，如何为他日后在银幕上营造极致的心理张力打下坚实的基础。本书将详细勾勒他创作生涯中的关键转折点，那些让他对艺术、对生活、对死亡产生全新感悟的时刻，以及这些感悟如何体现在他作品中逐渐显现的哲学深度。 本书的独特之处在于，它将伯格曼置于更广阔的文化与时代背景之下。我们不会仅仅停留在电影本身，而是会考察他对文学、哲学、音乐以及其他艺术形式的深刻理解和吸收。从易卜生式的戏剧张力，到克尔凯郭尔式的存在主义困境，再到巴赫式音乐的结构与情感共鸣，本书将一一呈现这些智识与艺术的滋养如何融入伯格曼的创作肌理。你将看到，他并非凭空创造，而是站在巨人的肩膀上，并将这些灵感转化为独属于他的电影语言。 我们还将审视伯格曼作为一位公众人物，他如何与时代同频，又如何挑战时代。从战后欧洲社会的精神困境，到斯堪的纳维亚半岛独特的社会文化土壤，本书将分析外部环境如何影响了他的艺术表达，以及他的作品又如何在某种程度上反映并塑造了那个时代的精神面貌。他与瑞典电影产业的关系，他与演员、合作者之间的复杂互动，以及他晚年退隐后的生活，都将以一种更为人性化、更具叙事性的方式呈现。 本书不会回避伯格曼作品中那些令人不安、充满质疑的议题——死亡的恐惧、信仰的挣扎、婚姻的困境、人际关系的疏离。但我们并非仅仅罗列这些母题，而是试图理解它们为何如此深刻地困扰着伯格曼，以及他如何通过艺术创作来面对和探索这些永恒的生命命题。本书旨在引导读者超越对伯格曼作品的表面解读，去感受他作为一个人，在面对自身与世界时的勇气、痛苦与追求。 最后，本书还将聚焦于伯格曼的艺术遗产。在他离世多年后，他的电影依然以其强大的生命力和前瞻性，持续影响着一代又一代的电影创作者和观众。我们将探讨他的哪些创作理念、叙事技巧、美学追求至今依然具有指导意义，以及他的作品所揭示的关于人类境况的深刻洞察，如何依然能够触动我们内心最柔软的部分。 《伯格曼：不止是电影》是一次邀请，邀请你跟随作者一起，在伯格曼的艺术与生命轨迹中，发现那些超越光影的、更为普遍而深刻的人性回响。这本书献给所有对英格玛·伯格曼充满好奇，并渴望理解这位伟大的艺术家及其作品背后更为广阔的精神世界的人们。它是一次诚恳的邀请，去重新认识一位伟大的灵魂，以及他所留下的，关于爱、关于死亡、关于存在的永恒追问。

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我得说，这部作品的配乐简直是教科书级别的示范，它不是简单地烘托气氛，而是参与到了叙事之中。那些低沉的大提琴声和偶尔突兀的钢琴独奏，精准地捕捉到了人物关系中那种微妙的裂痕和未曾言明的张力。很多时刻，音乐的介入比任何对白都更具穿透力，它像一把手术刀，精准地切开了人物伪装的外壳，直抵他们灵魂深处最脆弱的部分。而且，这种音乐的运用非常具有地域特色，它似乎借鉴了北欧民间音乐的某些元素，虽然我无法具体指认，但那种冰冷而深沉的调性，与影片中弥漫的宿命感完美地融合在了一起。看完电影，我特意去查找了原声带，发现即便是脱离了画面，那些旋律依然能够勾起我观看时体验到的那种复杂情绪，这足以证明其音乐设计的高超之处，它极大地提升了整部电影的艺术感染力。

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这部片的布景设计简直令人叹为观止，它不仅仅是故事发生的背景，它本身就是角色情绪的延伸和投射。那些空旷的室内空间，被精心布置得既有古典的庄严感，又透露出一种令人不安的萧瑟。尤其是一些封闭的场景，比如那间总是拉着厚重窗帘的卧室，它成功地营造出一种时间仿佛停滞不前的错觉，将人物困在了永恒的审视之中。美术指导对细节的把控达到了偏执的程度，从家具的摆放角度到光线穿透窗棂形成的灰尘轨迹，每一个元素都似乎经过了深思熟虑，服务于影片整体的疏离美学。这使得影片的视觉体验达到了极高的水准，即便是多年之后重温，其美术风格依然显得前卫且充满力量，丝毫没有过时的感觉，充分展现了那个时代电影制作对视觉艺术的极致追求。

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这部电影的叙事结构如同一个迷宫，导演巧妙地在现实与梦境之间游走，每一次转折都让人对角色的内心世界产生更深层次的探究。摄影语言极其克制而富有张力，黑白光影的对比仿佛是角色内心挣扎的具象化，尤其是那些长镜头，它们不是为了炫技，而是为了让观众彻底沉浸在那种无法言喻的压抑和疏离感之中。演员们的表演无疑是整部作品的灵魂所在，他们的眼神交流、微小的肢体语言，都蕴含着千言万语。我尤其欣赏那些留白的艺术，导演从不急于给出明确的答案，而是将解读的空间完全交给了屏幕前的我们，这种挑战性的观影体验，让人在散场之后依然久久不能平复，甚至需要回家后反复咀嚼那些看似不经意的片段，试图拼凑出那个隐藏在表象之下的真实意图。它更像是一部关于存在与虚无的哲学探讨，而非简单的情节驱动，观影过程更像是一场精神上的洗礼，让人不得不直面那些最深层的恐惧和欲望。

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观看过程中，我最大的感受是它对于“孤独”这一主题的解剖达到了前所未有的深度。影片中描绘的疏离感，并非仅仅是地理位置上的隔离，而是一种存在主义层面的隔膜——角色与他人、角色与自我之间，都存在着一道无法逾越的鸿沟。导演通过一系列充满象征意味的场景，比如反复出现的镜子、沉默的晚餐，将这种无法沟通的绝望感层层递进。它没有提供任何廉价的安慰或简单的解决方案，而是将观众直接置于这种孤独的中心，强迫我们去感受那种渗透骨髓的寒冷。这种对人类情感困境的坦诚书写，赋予了影片一种历久弥新的力量，它让你意识到，那些看似极端、非主流的情感体验，实际上是人类共同命运的一部分。看完之后，世界似乎变得更安静了，但内心对这种深层情感的共鸣却愈发强烈。

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老实说，刚开始看的时候，我有些跟不上节奏，感觉角色的动机非常晦涩难懂，对话也充满了象征意义，完全不是好莱坞式那种直白的表达方式。但正是这种“难懂”，构建起了影片独特的审美高地。导演似乎对传统叙事逻辑持有某种程度上的蔑视，他更热衷于描绘情绪的波动和精神状态的转移，而非线性的事件发展。这种非传统的处理方式，要求观众必须放下既有的观影习惯，以一种更开放、更具包容性的心态去接纳创作者抛出的碎片。当我适应了这种慢热的、内向的节奏后，我开始领略到其中蕴含的巨大能量——那种如同冰川融化般缓慢却不可逆转的心理变化过程，被捕捉得极其细腻和真实。这部电影需要耐心，它回报给耐心观众的，是对人性复杂性更深刻的理解。

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