时装画技法研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:东华大学出版社

作者:许恩沅

出品人:

页数:161

译者:

出版时间:2006-10

价格:65.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787811110234

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服饰文化史：从古代服饰到现代时尚的演变 第一章：文明的衣裳——古代服饰的起源与发展 本章将带领读者穿越时空，追溯人类服饰的起源。我们将探讨史前时代人们如何利用天然材料制作遮蔽物，以及随着社会的发展，服饰如何逐渐成为身份、地位和信仰的象征。 1.1 史前时期的原始服饰：重点考察旧石器时代和新石器时代早期，人类如何利用兽皮、树叶和植物纤维进行简单的身体覆盖。分析这些早期服饰在适应环境、抵御自然侵害方面的功能性。 1.2 古代文明的服饰符号：深入研究美索不达米亚、古埃及、古希腊和古罗马等早期文明的服饰特点。讨论缠绕式服装（如埃及的亚麻布、希腊的基同袍）的结构和穿着方式。着重分析服饰上的色彩、图案和配饰如何明确地指示穿着者的社会阶层、宗教角色或军事身份。例如，罗马元老院议员的紫色镶边长袍所代表的政治权力。 1.3 东方服饰的初始形态：对比研究中国、印度和波斯等东方古老文明的服饰风格。探讨丝绸之路开辟前，不同地域服饰的材料差异和文化交流的初步体现。分析中国早期服饰中“上衣下裳”制度的奠基意义。 第二章：中世纪的禁锢与复兴——宗教与等级制度下的服饰表达 中世纪的服饰不再仅仅是遮蔽身体的工具，它被严格地置于封建等级制度和教会教义的约束之下。本章将细致考察这一时期欧洲和亚洲服饰的结构性变化。 2.1 拜占庭的奢华与欧洲的简朴：对比拜占庭帝国晚期对黄金刺绣和复杂纺织品的热衷，与西欧早期中世纪（黑暗时代）服饰的相对粗犷与实用性。分析宗教对服装色彩（如黑色、白色）的偏爱如何影响世俗服饰的设计。 2.2 哥特式服饰的革新：重点分析12世纪后，随着城市兴起和技术进步，服装结构开始发生根本性变化。研究“剪裁”和“合身”概念的萌芽，以及长袍和紧身衣（如女性的束腰和男性的紧身短外套）的出现。探讨“服饰法”（Sumptuary Laws）如何试图控制不同阶层人民的衣着材料和装饰的范围，反映了社会对财富外露的焦虑。 2.3 亚洲的审美高峰：聚焦中国唐宋、日本平安时代的服饰艺术。分析唐代“齐胸襦裙”的开放性与宋代“褙子”的内敛性所反映的时代精神。探讨日本和服体系的初步定型，以及其对外来文化（如中国）的吸收与本土化的过程。 第三章：文艺复兴与巴洛克：个体意识的觉醒与服饰的戏剧化 文艺复兴将焦点重新拉回到“人”的身上，这直接反映在服饰上——服饰开始追求展现人体美学和个人财富的极致张扬。 3.1 文艺复兴时期的结构与比例：分析西班牙和意大利宫廷服饰的特征。研究女性服饰中紧身胸衣（Stays）对身体形态的重塑，以及裙撑（Farthingale）的几何学应用。男性服饰中，如“泡泡袖”（Puffs and Slashing）的设计如何既展示了昂贵的衬布，又强调了力量感。 3.2 巴洛克的炫耀与装饰艺术：进入17世纪，服饰成为绝对权力的视觉宣言。重点解析法王路易十四统治下凡尔赛宫廷的服饰规范。研究蕾丝、刺绣、假发（Wigs）的巨大化如何服务于中央集权国家的形象塑造。探讨这种风格如何通过殖民贸易影响到全球范围内的纺织品和装饰品需求。 3.3 东方服饰的回应与融合：简要概述在西方服饰奢华化的同时，清朝服饰在图案、刺绣工艺上达到的精细程度，以及欧洲贵族对异域风情（如土耳其和中国风格）的短暂模仿。 第四章：启蒙运动至工业革命：效率、革命与实用主义的冲击 18世纪末至19世纪中叶，社会结构剧烈动荡，服饰的美学重心从贵族的享乐转向中产阶级的职业化和道德约束。 4.1 新古典主义的回归与“自然形体”：分析法国大革命前夕，以蓬帕杜夫人和玛丽·安托瓦内特为代表的洛可可风格的终结。探讨受古希腊雕塑启发的“高腰线”（Empire Waist）连衣裙如何象征着对旧制度的否定和对“自然美”的推崇。 4.2 维多利亚时代的道德规范与“笼中鸟”：深入研究19世纪英国维多利亚女王时期服饰的严格性。分析克里诺林裙撑（Crinoline）和巴斯尔（Bustle）的演变，探讨这些结构如何在社会压力下，将女性身体限制在特定的、符合社会期望的形态中。同时，研究男装的“大转型”（The Great Masculine Renunciation），即男装如何趋向于深色、剪裁严谨的西装，强调功能性、严肃性和专业性。 4.3 工业革命对纺织业的影响：考察机械化纺织、染色技术（如苯胺染料的出现）和缝纫机的发明如何降低了服装成本，促进了成衣（Ready-to-Wear）的初步发展，并为大众时尚的诞生奠定了物质基础。 第五章：现代服饰的诞生——20世纪初的解放与功能美学 进入20世纪，汽车、电影、两次世界大战和女性解放运动彻底颠覆了服饰的传统逻辑。 5.1 对紧身胸衣的告别：分析保罗·波烈（Paul Poiret）和科科·香奈儿（Coco Chanel）如何通过简化廓形、引入运动元素（如针织面料）来解放女性身体。探讨第一次世界大战期间女性进入工厂后对实用性服装的需求如何催生了短裙和宽松剪裁。 5.2 时代精神与新风格的碰撞：考察两次世界大战间的装饰艺术（Art Deco）对服装图案和几何线条的影响。分析20年代的“波波头”和“直筒裙”如何代表了新的女性形象——独立、工作且享有自由。 5.3 战后美学的回归与反叛：研究迪奥（Dior）的“新风貌”（New Look）对战后物质匮乏的反动，以及随之而来的对结构和奢华面料的回归。对比研究这股奢靡风潮与青年文化开始形成的休闲服饰（如牛仔裤的普及）之间的张力。 第六章：多元化与全球化——当代服饰的身份建构 20世纪下半叶至今，服饰不再由单一的宫廷或设计大师主导，而是由街头文化、音乐、亚文化和全球市场共同塑造。 6.1 青年文化的崛起与反时尚：探讨嬉皮士运动、朋克摇滚等亚文化如何利用服装进行政治和社会宣言。分析服装的DIY（自己动手制作）和混搭风格如何挑战主流时尚的权威性。 6.2 高级时装（Haute Couture）与成衣（Prêt-à-Porter）的并存：分析设计师如伊夫·圣罗兰（Yves Saint Laurent）如何将高级定制的精致工艺引入量产线，使设计民主化。讨论品牌化和标志性Logo的出现如何使服装成为消费主义身份识别的重要工具。 6.3 当代服饰的伦理与未来趋势：探讨全球供应链对服装生产的影响，包括快时尚（Fast Fashion）的兴起及其环境与社会成本。最后，展望可持续时尚、技术面料（Smart Textiles）以及数字虚拟服饰（如元宇宙时尚）对未来服饰形态的潜在塑造。 结语：服饰，流动的历史档案 本章将总结服饰从单纯的遮蔽物演变为复杂的文化载体的历程，强调服饰作为非语言交流工具的永恒价值。

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这是一本让我茅塞顿开的书。作者的讲解方式非常独特，她善于将抽象的艺术理论与具体的绘画实践相结合。我尤其欣赏书中关于“面料肌理的表现”的深入探讨，作者通过细腻的笔触和丰富的色彩变化，展示了如何将不同材质的触感和光泽，通过绘画的方式淋漓尽致地呈现出来。例如，在描绘丝绒时，书中展示了如何运用柔和的渐变和深邃的色彩，来表现其独特的绒感和吸光性；而在描绘金属质感时，则通过精确的线条和高光的运用，来展现其冷硬和反光。此外，书中还详细介绍了如何在构图中运用“节奏感”，通过线条的疏密、色彩的对比，以及元素的重复和变化，来营造画面的韵律感和动感。我从中学到了，好的构图能够引导观者的视线，使画面更加生动有趣。这本书让我对如何用绘画来捕捉时尚的精髓有了全新的认识。

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我必须说，这是一本让我耳目一新的书。作者在讲解时装画技法时，并没有流于表面，而是深入到了每一个细节的处理。我尤其欣赏书中对“材质的表现”的深入解析，作者不仅仅是如何画出丝绸的光泽、棉麻的粗糙、针织的柔软，更重要的是分析了这些材质在光影下的不同变化，以及如何通过笔触的细腻度来还原这些质感。例如，在描绘皮革时，书中展示了如何通过硬朗的线条和高光的运用，来表现其挺括和光泽；而在描绘雪纺时，则通过轻柔的笔触和渐变的色彩，来展现其轻盈和透明。此外，书中还详细介绍了如何利用“水彩的透明感”来营造飘逸的垂坠感，以及如何运用“马克笔的厚重感”来表现服装的立体结构。作者在讲解过程中，总是能提供非常具体的操作技巧和注意事项，让我感觉自己仿佛置身于一个真实的画室，亲身接受指导。这本书的实用性非常强，让我对如何用绘画来表现各种面料的特性有了更直观的认识。

评分☆☆☆☆☆

我被这本书的艺术性和前瞻性深深吸引。作者不仅仅教授绘画技巧，更重要的是在引导读者思考“设计的灵魂”。我从书中学习到，一件成功的时装画，不仅仅是展示服装本身，更是传达了一种生活态度和审美理念。书中关于“色彩的心理学”的讲解让我印象深刻，作者分析了不同色彩搭配如何影响观者的情绪，以及如何在时装画中运用色彩来突出服装的设计重点和品牌调性。我了解到，有时一句简单的色彩选择，就能够赋予服装完全不同的生命。此外，书中还探讨了“动态构图的奥秘”，作者通过对不同运动状态下人物的描绘，以及衣物随身体运动产生的褶皱和飘动，展示了如何让画面充满活力和生命力。我从中学到了，如何通过捕捉瞬间的动态，来增强画面的视觉冲击力和感染力。这本书不仅仅是一本技法书，更像是一位艺术史学家和时尚评论家，为我打开了理解时装画的全新维度。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来了前所未有的启发，即使我对时装绘画并非行家，也能从中感受到作者深厚的功底和独到的见解。从翻开第一页起，我就被那些精美的插图所吸引，每一笔、每一色都充满了生命力。作者并没有将重点放在单纯的“怎么画”，而是深入探讨了“为什么这么画”的背后逻辑。例如，在讲解面料褶皱的处理时，书中不仅展示了多种不同的画法，更重要的是分析了不同面料的特性，比如丝绸的垂坠感、皮革的硬挺感，以及如何通过线条的疏密、色彩的明暗来准确地还原这些质感。这让我意识到，时装绘画不仅仅是技巧的堆砌，更是对材质、光影、空间的一种理解和再创造。书中对人体比例和动态的阐述也极具参考价值，我了解到，即便是同一件服装，在不同姿态的人体上也会呈现出截然不同的效果，而如何捕捉和表现这些微妙的变化，是提升作品魅力的关键。作者在讲解时，总是能循序渐进，从基础的素描关系到复杂的色彩搭配，层层递进，让我在学习过程中始终保持清晰的思路。尤其令我印象深刻的是，书中还涉及了一些关于时装史和设计理念的内容，这让我认识到，时装绘画并非孤立的存在，而是与整个时装产业、文化背景息息相关。读完这本书，我感觉自己对时装的感知能力有了显著的提升，即使是用简单的线条，也能勾勒出服装的灵魂。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得时装画是一种既美妙又神秘的艺术形式，而这本书则像一把钥匙，为我打开了这扇神秘的大门。作者的讲解方式非常系统化，并且充满了艺术家的个人思考。书中对“光影”的分析尤为精彩，不仅仅是简单的明暗对比，更是深入探讨了光线如何影响面料的质感，如何塑造服装的轮廓，以及如何在画面中营造出空间的纵深感。我从中学到了很多关于如何运用高光和阴影来增强画面的立体感和视觉冲击力。此外，书中还强调了“色彩的情感表达”，作者通过分析不同色彩组合在时装设计中的运用，解释了色彩如何传递情绪，如何影响观者的心理感受。例如，暖色调可以带来热情与活力，而冷色调则可能传达出冷静与优雅。作者甚至还探讨了如何在时装画中运用“留白”，以及如何通过巧妙的构图来引导观者的视线，突出服装的重点。整本书的结构非常严谨，从基础的透视原理到高级的面料肌理表现，无不体现了作者深厚的专业功底。读完这本书，我对如何用绘画语言来诠释一件时装有了更深刻的理解，也更加认识到时装画在时尚产业中的重要作用。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来了非常宝贵的学习体验。我尤其欣赏作者对于“线条的运用”所进行的细致入微的阐述。书中不仅仅罗列了各种线条的画法，更重要的是分析了不同线条所传达出的情感和信息。例如，流畅的曲线能够表现出女性的柔美和飘逸，而硬朗的直线则能展现出力量和结构感。作者还通过大量的实例，展示了如何根据服装的风格和设计师的意图，灵活运用不同粗细、不同走向的线条来强化画面的表现力。我从中学到了如何通过线条的轻重缓急来暗示面料的厚薄，如何用飞白来表现衣物的飘动，以及如何用交叉的线条来构建服装的层次感。此外，书中对“人物姿态的描绘”也让我受益匪浅，作者讲解了如何在保持人体自然比例的同时，通过细微的姿态调整来展现服装的动态美，例如，稍微侧头的角度、微微弯曲的膝盖，都能让画面更加生动。这本书的每一个章节都像是一次深入的探索，让我对时装画的理解不断深化，也激发了我尝试更多创作的欲望。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值在于它不仅仅是一本绘画教程，更是一本关于“时尚视觉语言”的启蒙读物。作者在讲解时装画技法时，始终围绕着“表达”的核心展开。我特别喜欢书中关于“色彩的情感传递”的论述，作者分析了不同色彩的文化含义和心理效应，以及如何在时装画中运用色彩来烘托服装的设计主题和表达设计师的情感。我了解到，有时一种大胆的色彩搭配，就能够瞬间点亮整个画面，赋予服装无限的生命力。此外，书中还探讨了“构图的艺术性”，作者通过对经典时装画作品的分析，展示了如何通过画面的布局、元素的取舍，以及留白的运用，来创造出富有张力和美感的画面。我从中学到了，如何通过巧妙的构图，将观者的注意力聚焦在服装的最精彩之处。这本书让我明白，时装画的创作是一个充满创意和思考的过程，需要对时尚、艺术和人类情感有着深刻的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值在于它提供了一种全新的视角来审视时装绘画。我之前认为时装画只是对服装的简单描摹，但这本书彻底颠覆了我的认知。作者着重强调了“创意与情感的表达”，她认为优秀的时装画不仅要忠实地还原服装，更要融入画者的个人理解和情感。书中提供了许多关于如何从设计草图到最终完成稿的思考过程，展示了如何将抽象的设计理念转化为具象的视觉语言。我特别喜欢书中关于“色彩的情感联想”的部分，作者通过分析不同颜色在不同文化背景下的含义，以及它们与情绪的关联，教会我如何运用色彩来烘托画面的氛围，传递设计者的情感。此外，书中还探讨了“构图的艺术”，如何通过画面元素的排布，以及留白的处理，来吸引观者的注意力，并突出服装的亮点。我从中学到了，好的构图能够引导观者的视线，使画面更加平衡和和谐。这本书让我明白，时装画的创作过程是一个充满探索和创造的旅程，需要技术、灵感和情感的完美结合。

评分☆☆☆☆☆

这本书为我提供了一个宝贵的学习平台。我非常喜欢作者对于“人物比例与解剖”的严谨讲解。书中不仅仅提供了标准的人体比例图，更重要的是分析了在时装画中如何根据服装的风格和设计需求，对人体比例进行适当的调整，以达到最佳的视觉效果。我了解到，有时为了突出服装的修长感，可以将腿部适当拉长；而为了展现服装的厚重感，也可以适当调整肩部和胸部的比例。此外，书中还详细介绍了如何在人物的动态和姿态中融入“情感的表达”，例如，通过微微扬起的下巴来表现自信，通过略带忧郁的眼神来传达一种深沉的情感。作者还强调了“细节的重要性”，例如，手部姿势、面部表情，甚至是发丝的飘动，都能够极大地提升画面的生动性和真实感。读完这本书，我对如何通过描绘人物来更好地诠释服装有了更深刻的理解，也更加认识到时装画在时尚传播中的关键作用。

评分☆☆☆☆☆

这是一本让我惊喜连连的书。作为一名对时尚充满热爱但绘画基础相对薄弱的读者，我曾担心会因为看不懂而感到挫败。然而，这本书的作者用一种非常亲切且富有教学意义的方式，将复杂的时装画技法分解成易于理解的步骤。我特别喜欢书中对“动感”的处理，作者通过对模特不同瞬间的捕捉，例如行走中的步伐、转身的瞬间、甚至是坐姿的自然放松，展示了如何通过线条的流畅性、骨骼的转折以及衣物的飘动来赋予画面生命力。书中还详细介绍了如何运用不同类型的画笔和颜料来达到预期的效果，例如水彩的透明感、马克笔的饱和度、以及铅笔的细腻度，并给出了在不同情境下的使用建议。让我眼前一亮的是，书中还探讨了如何根据服装的设计理念来调整绘画风格，比如对于未来感十足的设计，可以采用更锐利的线条和冷色调；对于复古风格，则可以运用柔和的色彩和怀旧的笔触。作者还鼓励读者去观察生活中的各种细节，从街拍到杂志，从艺术品到自然风光，从中汲取灵感，并将这些元素巧妙地融入到自己的时装画创作中。这本书不仅仅是一本绘画教程，更像是一位经验丰富的时尚导师，引领我走进一个充满创造力和想象力的世界。

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