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出版者:第1版 (2006年12月1日)

作者:陈伟

出品人:

页数:383

译者:

出版时间:2006-12

价格:69.0

装帧:平装

isbn号码:9787508346717

丛书系列:

图书标签:

• 软件
• 影视制作
• Premiere Pro
• 视频编辑
• 影视制作
• 后期制作
• 剪辑
• Adobe
• 教程
• 实战
• 技巧
• 入门

跨越时空的数字叙事：探寻电影艺术的经典与未来 一、 经典光影的密码：从默片时代的叙事结构到好莱坞黄金时代的色彩语言 本书旨在为电影爱好者和初学者提供一份详尽的、跨越百年的电影艺术发展史纲要，专注于解析那些塑造了现代视觉体验的经典作品和技术转折点。我们不会深入探讨任何具体的现代非线性编辑软件的操作细节，而是将焦点放在“电影语言”这一更宏大的主题上。 我们将从早期卢米埃尔兄弟的“真实记录”转向梅里爱的魔术幻想，分析无声电影时期如何仅凭画面调度、节奏掌控和面部表演来构建复杂的情感叙事。重点剖析格里菲斯在蒙太奇理论上的奠基性工作，特别是他如何通过交叉剪辑和景别变化来操纵观众的时间感和空间感。 进入有声时代，我们将分析声音如何从单纯的对白补充，演变为叙事的核心工具。例如，希区柯克如何利用音效和配乐来制造悬念，以及奥逊·威尔斯在《公民凯恩》中如何运用深焦摄影和复杂的场面调度来打破传统的好莱坞叙事范式。我们将详细拆解这些经典影片的镜头脚本和剪辑节奏，理解它们在技术限制下所达成的艺术高度。 二、 欧洲先锋的实验场：新浪潮、作者论与影像的哲学反思 本书的第二部分将把目光投向二战后欧洲大陆的电影思潮。我们着重研究法国新浪潮（Nouvelle Vague）的革新精神，探讨特吕弗和戈达尔如何通过手持摄影、即兴对白和跳切（Jump Cut）等手法，挑战制片厂体系的“胶片语法”。这里的探讨集中于作者论（Auteur Theory）的形成，即电影导演如何成为作品的唯一且不可替代的“作者”，其个人风格如何超越剧本的束缚。 此外，意大利新现实主义的朴素与震撼，波兰学派对历史创伤的深刻反思，以及日本电影大师如黑泽明、小津安二郎在东方哲学框架下对家庭、权力与疏离感的主题探索，都将被作为独立的章节进行深入剖析。我们关注的不是如何使用工具去复制这些效果，而是这些大师是如何思考影像的，他们的叙事选择背后蕴含着何种哲学思考。 三、 跨媒介的融合与未来的方向：从视听体验到沉浸式叙事 在第三部分，我们将讨论电影艺术在面对新技术浪潮时的演变轨迹。这部分内容将着眼于媒介的本质变化，而非特定软件的功能。我们将回顾动画、纪录片形式的独立发展，以及它们如何反哺真人叙事。例如，动画如何突破物理限制，使抽象概念具象化；纪录片如何挑战“真实”的界限，探索客观性的哲学困境。 核心议题将转向互动叙事与虚拟现实（VR）的初步探索。我们讨论的不是如何“渲染”三维场景，而是当观众不再是旁观者，而是参与者时，叙事结构和因果链条应如何重构。这包括对观众注意力的分散、多线性叙事的结构性难题，以及如何设计一个能同时满足沉浸感和叙事清晰度的环境。 最后，本书将以对未来影像的展望收尾。我们将讨论人工智能在概念生成和风格模仿方面可能带来的伦理和艺术挑战，探讨传统胶片美学与数字新生代的张力，并思考在信息爆炸的时代，什么样的“故事”才能真正触动人心。本书旨在为读者提供一个坚实的、基于艺术史和理论基础的视野，帮助他们理解影像的“为什么”，而非仅仅是“怎么做”。

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这本书简直就是一本时间胶囊！我拿到手的时候，那种怀旧感一下子就涌上心头。封面设计、字体选择，都充满了那个年代的印记，让人忍不住想回到Premiere Pro 2.0那个版本刚刚面世的时光。我记得那时候，我们还在为非线性编辑的革命感到兴奋，而这本书的每一个章节，都像是带着我们亲手操作过那些老旧的界面和工具。书里的讲解，即便放在今天看来，对于理解软件的工作流程和底层逻辑，依然有着不可替代的价值。它没有过多涉及现在版本中那些花哨的新功能，而是扎扎实实地教你如何用那个时代的工具完成一个完整的剪辑项目。对于那些想深入了解视频编辑发展史，或者对老软件有情怀的同行来说，这本书绝对是值得收藏的纪念品。

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坦白说，这本书的深度和广度，远超出了我的预期，但同时也有一些地方让我感到力不从心。作者在讲解某些复杂效果的实现路径时，那种详尽的步骤分解，简直是教科书级别的细致。我尤其欣赏它对时间线管理和素材组织那一块的论述，那是基础中的基础，但恰恰是新手最容易忽略的。不过，对于一个习惯了现在一键式操作的编辑来说，书中描述的某些手动调整参数的过程，显得异常繁琐和耗时。它要求你对每一个关键帧的运动轨迹都有着近乎偏执的控制欲，这让我深刻体会到，在那个没有强大硬件支持的年代，每一帧的打磨都是多么来之不易。这本书更像是给那些愿意沉下心来，把每一个细节都掰开了揉碎了去理解的“手艺人”准备的。

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真正让我惊喜的是，这本书对软件的“底层逻辑”剖析得非常透彻。它没有将Premiere Pro 2.0视为一个黑箱，而是深入探讨了它如何处理媒体文件、缓存和渲染的机制。记得有一章专门讲了音频轨道的同步与延迟问题，作者通过深入浅出的方式，解释了为什么在不同的项目设置下会出现素材不同步的情况，以及如何通过修改特定的设置来规避这些技术陷阱。这对我过去工作中遇到的许多“玄学”问题找到了合理的解释。这种对技术原理的挖掘，远超出了普通用户手册的范畴，它更像是一本给系统工程师准备的编辑软件白皮书。如果你只想快速上手剪几个Vlog，这本书可能会显得过于“硬核”，但如果你想成为一个真正懂得软件限制和潜能的资深用户，那么这些关于底层架构的论述，绝对是无价之宝。

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我之前一直在找一本能系统梳理剪辑理论，而不仅仅是堆砌功能列表的书籍，这本书意外地满足了我的需求。它没有一上来就介绍菜单栏在哪，而是从最核心的叙事节奏和画面构图的“感觉”入手。作者似乎深谙“形”与“神”的关系，在讲解工具的同时，总是不经意间透露出关于电影语言的理解。例如，它对转场处理的分析，不仅仅告诉你“怎么做”一个叠化，而是告诉你“为什么”在这个场景下用叠化比硬切更合适。这种理论与实践紧密结合的写作方式，让阅读过程非常充实，感觉自己不只是在学习一个软件的操作手册，更是在上一堂关于视听语言的入门课。对于那些想从“操作员”蜕变为“导演”的初学者来说，这本书的理论指导价值非常高。

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这本书的排版和插图质量，放在现在来看，确实是那个时代产物了。虽然彩色印刷很努力地想展示出软件的界面，但由于技术限制，很多细节的色彩区分和按钮的形状辨识度都不太高。这在实际操作中造成了一些小麻烦，我经常需要对照着自己电脑上打开的软件界面，才能准确无误地找到作者提到的特定选项位置。不过，瑕不掩瑜，书中的流程图和逻辑结构图画得非常清晰，那些用箭头和方框构建起来的复杂工作流，被梳理得一目了然，这比单纯的文字描述有效得多。它迫使我们的大脑进行更多的想象和关联，而不是被图片完全牵着走，从某种意义上说，这或许也锻炼了读者的空间想象能力。

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2009-12-10 看来那时已经开始学习剪辑了

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