具体描述
一部为所有贴近艺术的人所写的关于艺术与艺术欣赏的书。
丹纳，一生过着书斋生活的人。以诗人和逻辑学家的双重气质。为我们描绘出了一幅欧洲艺术历史中最生动的画卷。《艺术哲学》是一部有关艺术、历史及人类文化的巨著。丹纳以渊博精深的见解，贯穿于自然科学和社会科学领域，提出了决定文明的三大要素——种族、环境、时代和衡量艺术作品价值的标准——艺术作品表现事物特征的重要程度、有益程度、效果程度。全书条分缕析，通俗晓畅。丰富的内容，充满生机的论证，使该书增加了形象性。作者驾轻就熟地出入于文学、绘画、建筑、音乐、雕塑和诗歌缪斯殿堂六大分支之间，游刃有余的评述，纵横捭阖，潇洒自如，充分展示了作者深厚的艺术功力。这本以欧洲绘画史为主的著作。将几千年的人类艺术成就溶为一炉，读之使人沉醉。
知识分子阅读，不仅是指其特有的阅读态度和思考方式，更重要的还包括读物的选择。在众多当代出版物中，哪些读物的知识价值最高而且是主流的，许多人都很难确切判定。
“文化伟人代表作图释书系”，所选择的均为对人类知识体系的构建有着重大影响的伟大人物的代表之作，这些著述一直都极大地丰富着我们的大脑，使人类的思想更为生动、睿智，并被每一代学人视为最理想藏书。
这些著述大都篇幅宏大，难以适应当代阅读的特有习惯。为此，在凝练编译、准确压缩的基础上，以图释的方式对书中的知识要点进行了精彩补述，既突出了原作者的精要思想，又回避了让更多读者犯难的学究气。
一切尖端的思想都能轻松地理解，一切深奥的知识都可以变成今天的常识。
《艺术哲学》是丹纳诸多艺术理论著作中最重要的一部，源自作者19世纪在巴黎美术学校美术史的演讲讲义，20世纪60年代初被介绍到我国。今天重读此书，我们仍然会被书中表现出来的深刻的洞察力、精妙的文字所震撼。
作者简介
丹纳（1828—1893），法国史学家兼文学评论家。实证主义的杰出.使用一于律师家庭。自幼博闻强记，二十岁时以第一名考入国立高等师范，专攻哲学。曾任巴黎美术学校美术史和美学教授。著有《拉封丹及其寓言》、《英国文学史》、《十九世纪法国哲学家研究》、《论智力》、《现代法兰西渊源》、《意大利游记》、《艺术哲学》等。
目录信息
读后感
这本书非常实际地让我们知道了很多艺术史背后的一些东西，很值得我们阅读，读完之后会对艺术有一个比较全面的感觉，渐渐丰富我们自己小小的大脑吧，我们这辈子就注定了要做这样的事情。 这里只说一点不能苟同的建议，本书的书名有些偏颇，艺术“哲学”。 哲学这个词汇，得使...
评分个人以为这本书之所以被最早介绍到国内来，是由于其作者是以近似唯物主义的观点来阐述其美学思想的，对时代和经济对美学思想的影响十分强调，不同于黑格尔与谢林德国唯心主义的美学思想体系过于强调抽象的哲学逻辑，因此更容易被中国人所理解。 本书介绍了西方美学思想中的三...
评分在发小的新居里，偶尔谈起创作和痛苦的关系。 是的，每一次创作的过程，其实是穿透一种痛苦。 “这种可怕的努力不能不产生痛苦和骚乱。 现代最善于用色彩的人，不论文学家或画家， 都是耽于幻象的人，不是过于紧张，就是精神骚动。” 这正是在兴之所至的表象之下， 艺术...
评分这位译者的名字太普通，对不上是哪一位。不过翻译出来的文字非常优美，流畅。难得。 这样的将艺术的书真不错。 付雷可能也有一个译本，没有比较过。
评分这是一本很好的书，是一本引人思考的书，一本让人放不下的书， 行文无比流畅，大师气概显露无遗。 也许如前言所说，这本书里的观点有这样那样的不足，但是，这并不妨碍我们去理解他，甚至去同意他，疑义相与析。 本人读过后愉悦至极
用户评价
这本《艺术哲学》读起来真是一场思维的冒险，它并没有直接给你一板一眼的定义，而是像一位老派的哲学家，带着你缓缓步入艺术的迷宫。我尤其欣赏作者处理“美学判断的相对性”那一章节的手法。他没有武断地宣称什么才是永恒的美，而是巧妙地引入了康德的先验范畴与尼采的权力意志之间的张力。读到那里，我感觉自己像是在一个巨大的罗马斗兽场里，一半是冷静的理性分析，另一半是激情澎湃的生命冲动在相互角力。书里对巴洛克艺术的阐释尤其深刻，它不仅仅是在描述雕塑和绘画的技法，而是深入挖掘了十七世纪欧洲在宗教改革后的那种焦虑与宏大叙事的破裂感是如何在光影和形式中凝固下来的。我记得有一段分析贝尼尼的《圣特蕾莎的狂喜》，作者没有止步于其感官上的震撼，而是将其置于神性与肉体交织的本体论困境中去考察。这使得原本可能枯燥的理论分析瞬间鲜活起来，每一个句子都充满了重量感和历史的尘埃。对于那些想跳出“好不好看”这种肤浅评价，真正想探究艺术作品背后逻辑结构的人来说，这本书提供的工具箱是无可替代的。它迫使你重新审视自己对“原创性”和“模仿”的理解，挑战了许多根深蒂固的艺术史观。
评分这本书给我最大的震撼是它对“技术”与“艺术本体”之间关系的处理，这简直是这本书的点睛之笔。它并没有把技术视为艺术的工具，而是将其视为重塑艺术本质的催化剂。作者对早期电影的分析尤为精彩，他将蒙太ஜ்（剪辑）的原理，提升到了与柏拉图的理念世界相对应的哲学高度，认为剪辑本身就是一种对现实进行“非自然重构”的形而上学行为。书中对“媒介决定论”的审慎态度，也让我印象深刻，它避免了将任何单一技术奉为圭臬，而是探讨了不同媒介在各自历史语境下，如何共同构建了我们对“何为艺术”的集体认知。阅读过程中，我的思维不断被拉伸，时而要思考海德格尔式的存在追问，时而又要跟进到阿多诺式的社会批判，感觉大脑的各个区域都在以一种前所未有的强度进行高速运转。这本书更像是一本哲学家的“工具书”，它教授的不是艺术史的知识点，而是审视一切艺术现象背后的底层代码。它绝对不是一本能让你在咖啡馆里轻松翻阅的书，它需要你投入心力，但回报绝对是值得的。
评分说实话，初读这本书的某些部分，我感觉像是被扔进了一片茂密的德语哲学丛林，那些关于“感性直观的现象学还原”和“时间性在形式中的显现”的论述，初看起来确实需要反复咀嚼，甚至需要查阅一些背景资料才能完全跟上作者的步伐。这本书的语汇密度极高，作者似乎对每一个词语的选择都抱有一种近乎偏执的精确性，这使得它在描述抽象概念时显得力量十足，但同时也拉高了普通读者的门槛。然而，一旦你穿过了那几层晦涩的表述，抵达核心论点时，那种豁然开朗的感觉是其他同类书籍难以给予的。特别是书中对现代主义艺术的批判，作者并没有采用简单的“堕落论”调子，而是将其视为一种内在逻辑的必然延伸，一种对传统再现手法的绝望反抗。我印象最深的是他对立体派的分析，他把毕加索的解构看作是对笛卡尔主客二分法在视觉领域的一次彻底清算，每一个破碎的面都对应着一个被瓦解的观看主体。这本书的价值就在于，它不是在“歌颂”艺术，而是在“解剖”艺术存在的哲学基础，这种冷静、近乎冷酷的分析，反而让人更加敬畏艺术的复杂性。
评分这本书的结构安排，从古典的摹仿论一路爬升到现代的断裂与重构，脉络清晰得令人赞叹，就像一位技艺精湛的制钟匠，零件虽然繁多，但每一个齿轮都精准地咬合在一起，驱动着整体的运行。我特别喜欢作者在讨论“艺术的终结”那一章时所采用的对比手法。他没有急于下结论，而是将十九世纪末的象征主义美学与战后波普艺术的消费主义倾向并置讨论，这种跨越时代的对话，揭示了艺术在不同社会形态下所扮演的本质性角色转换。这本书的论证过程非常注重历史的辩证性，它从不将艺术视为孤立存在的美学事件，而是紧密地嵌入到技术、政治和经济的宏大叙事之中。例如，作者在分析摄影术对绘画本体性的冲击时，引用的社会学材料非常扎实，使得他对艺术媒介转变的论述，超越了纯粹的观念之争，具有了坚实的社会学支撑。读完后，你会发现自己对许多耳熟能详的艺术流派，都有了一种全新的、更具批判性的视角，不再满足于教科书式的简单归类，而是开始探究其发生的“为什么”和“如何”。
评分与其他市面上那些热衷于用华丽辞藻赞美艺术的读物相比，这本书简直是一股清流，或者说，是一瓢冷水，一下子浇灭了许多浪漫主义的幻想。它的笔调异常沉稳，充满了一种学术的克制感，很少有那种为了吸引眼球而采取的夸张描述。我读到关于“艺术作品的灵韵消逝”那部分时，深有体会。作者没有沉溺于对过去黄金时代的缅怀，而是冷静地指出，随着复制技术的普及和艺术市场的膨胀，艺术品本身的“在场性”确实遭到了根本性的削弱，这并非是好事或坏事，而是一种存在论层面的结构性变化。这本书的深度体现在它对“审美经验”本身的解构上。它细致地剖析了我们是如何被训练去“欣赏”艺术的，这种欣赏背后隐藏着怎样的权力结构和社会期望。读到这一段时，我忍不住合上书，盯着我墙上挂着的一幅画看了很久，突然意识到，我过去对它的所有感受，可能都只是被符号和惯例所塑造的“预期反应”，而非纯粹的直观体验。
评分希腊的部分真精彩。
评分以后要再读一遍。
评分缩译彩图本，适合像我一样注意力难以集中的人
评分理论书籍...我果然看完就忘，现在啥也想不起来了。
评分翻个大概.感觉不太适合初接触西方艺术史的人.引用较多理解起来有些吃力.很多时候会显得啰嗦.大概因为是讲稿编写成书的缘故吧.学习一段时间再回来看或许会有相应的收获.
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