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出版者:上海音乐

作者:陈雅先

出品人:

页数:485

译者:

出版时间:2006-5

价格:55.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787806678565

丛书系列:

图书标签:

• 音乐教育理论
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听觉的觉醒与音乐的构建：一场由内而外的探寻 这不仅仅是一本关于音乐学习的书，它是一次关于“听”的深度探索，一次关于“感知”的全面梳理，一次关于“创造”的系统引导。在浩瀚的音乐海洋中，许多人都渴望扬帆远航，但若没有一副敏锐的耳朵，没有能够解码声音密码的钥匙，航程便显得漫长而艰难。本书正是为那些渴望掌握这把钥匙、解锁音乐奥秘的学习者而生。 我们每个人都生活在声音的世界里。潮水的涌动，鸟儿的啁啾，城市的喧嚣，家人的低语，这些自然的、生活的声音构成了我们感知世界的第一层滤镜。而当音乐进入我们的生命，它则将这层滤镜升华为一种艺术的语言，一种情感的表达，一种精神的寄托。然而，这份聆听的乐趣，这份音乐的魅力，并非人人都能轻易获得。许多人或许能被动地接受音乐的美，却难以主动地去理解、去分析、去再现。这份隔阂，正是“视唱练耳”这门艺术试图弥合的鸿沟。 本书的主旨，在于揭示“视唱练耳”——一个听起来略显枯燥的技术性学科——其背后蕴含的深刻教育理念与科学训练方法。它并非单纯的技巧堆砌，而是致力于培养学习者一套完整的、由内而外的音乐感知与表达能力。这种能力的养成，关乎着听觉的敏锐度，关乎着音准与节奏的精确性，更关乎着音乐思维的深度与广度。 关于“视”：视觉与听觉的联动，打开音乐的图景 “视”在视唱练耳中，并非仅仅指看到乐谱。它是一种将视觉符号转化为听觉感受，再将听觉感受固化为符号的能力。我们通常接触到的音乐，是以五线谱或简谱的形式呈现。乐谱上的每一个音符，每一个休止符，每一个节奏标记，每一个表情记号，都是作曲家思想的凝练。但对于初学者而言，它们可能只是一堆黑色的豆子和横竖的线。 本书将带领读者，深入理解五线谱背后的逻辑：音高是如何通过位置来表示的？节奏又是如何通过形状与附加符号来呈现的？调性与和声的奥秘又隐藏在哪些标记之中？我们将系统地剖析乐谱的每一个构成元素，并探讨如何将这些视觉信息有效地转化为大脑中的声音形象。这不仅仅是“看”乐谱，更是“读”懂乐谱，让乐谱不再是冰冷的文字，而是鲜活的音乐生命。 从单音的辨识，到音程的分析；从旋律的模唱，到和弦的听辨；从节奏的精确模仿，到复调的立体感知……本书将循序渐进地引导读者，将视觉的“看”与听觉的“听”紧密结合。通过大量的练习和案例分析，读者将学会如何快速、准确地从乐谱中提取音乐信息，并将其转化为流动的旋律或严谨的节奏。这种视与听的联动，是音乐学习的基石，也是自由创作的起点。 关于“唱”：声音的媒介，情感的载体 “唱”是视唱练耳中最直观、也最富挑战性的环节。它要求学习者能够用自己的声音，精准地再现听到的旋律，或将看到的乐谱转化为声音。这不仅仅是发声的问题，更是对音准、音色、乐句处理等一系列音乐表现力的要求。 本书将深入探讨“唱”的科学性与艺术性。我们不仅会讨论如何通过正确的发声方法来保证音准和音色，还会强调“唱”作为一种情感表达方式的重要性。优秀的演唱，是将乐谱中的音符赋予生命，是将作曲家想要传达的情感传递给听众。因此，本书将引导读者在练习视唱时，不仅仅追求声音的机械模仿，更要理解旋律背后的情感走向，尝试用声音去“讲故事”。 从简单的单音视唱，到复杂的乐句模唱，再到不同调性和风格的旋律演绎，本书将提供一系列的训练思路和方法。我们会探讨如何克服音准上的困难，如何理解和掌握节奏的细微变化，以及如何通过听辨来调整自己的演唱。同时，本书还将强调“唱”在培养乐感、增强音乐记忆、以及提升音乐表现力方面的独特作用。当学习者能够用自己的声音自由地歌唱乐谱，他们便真正开始掌握了音乐的语言。 关于“练”：反复的锤炼，技艺的精进 “练”是视唱练耳训练的核心。音乐是一门技艺，而任何技艺的精进都离不开持之以恒的练习。视唱练耳更是如此，它要求大脑、耳朵、声带、乃至全身心都形成一种高度协调的反馈机制。 本书将详细阐述“练”的科学原则与有效策略。我们不会鼓励死记硬背或机械重复，而是提倡一种有目的、有计划、有反思的训练模式。我们将探讨如何根据个人的学习进度和能力特点，制定个性化的训练方案。如何通过循序渐进的练习，逐步攻克难点？如何利用有效的练习方法，提高训练效率？如何通过自我评估和反馈，不断调整训练方向？ 本书将涉及多种形式的练习，包括但不限于： 听辨练习： 辨别音高、音程、和弦、调性、节奏型、音乐速度、力度变化等。 模唱练习： 听到旋律后准确模唱，看到乐谱后准确演唱。 节奏练习： 准确打拍、模仿节奏型、视奏节奏。 听写练习： 将听到的旋律、节奏、和弦等记录下来。 综合练习： 将视、唱、练结合，进行完整的乐曲片段的视唱练耳。 我们将深入分析每一种练习的目的、方法以及可能遇到的问题，并提供相应的解决方案。本书强调“练”的目的是为了更好地“听”和“唱”，是为了构建一个更加深刻、更加立体的音乐世界。每一次的练习，都是一次与音乐的对话，一次对自身音乐能力的提升。 关于“耳”：聆听的艺术，理解的钥匙 “耳”是视唱练耳最核心的感知器官，但这里的“耳”并非仅仅指生理上的听觉能力，更是指一种经过训练、高度敏感、并且能够进行深度分析的“音乐的耳朵”。 本书将深入挖掘“耳”的潜能。我们不仅仅要求学习者能够听到声音，更要学会“听懂”声音。听懂旋律的起伏与走向，听懂和声的色彩与张力，听懂节奏的律动与变化，听懂音乐的风格与情感。这种深度聆听的能力，是理解音乐、分析音乐、甚至创作音乐的关键。 我们将探讨如何培养学习者敏锐的听觉分辨能力，如何训练他们能够准确地分辨出细微的音高差异、节奏误差，以及和声的不协和度。本书将引导读者认识到，练耳不仅仅是为了技术上的精确，更是为了提升对音乐的整体感知能力。一个好的“听者”，才能成为一个好的“演奏者”和“创作者”。 贯穿始终的理念：音乐性与创造力的培养 本书并非一本纯粹的技术手册，它更强调在技术训练中融入对“音乐性”和“创造力”的培养。我们相信，真正的视唱练耳训练，最终是为了服务于更广泛的音乐实践。 音乐性： 我们将引导学习者在视唱练耳的过程中，始终关注音乐的情感表达、乐句的呼吸、以及不同音乐元素之间的相互关系。技术是为了更好地服务于音乐的表现，而音乐的表现则需要扎实的技术作为支撑。 创造力： 通过对音乐结构的深刻理解，对音响色彩的敏锐感知，以及对音乐语言的熟练掌握，视唱练耳的学习者将更有可能在未来的音乐创作中，激发出独特的灵感，构建出属于自己的音乐世界。 本书将通过丰富的案例，从不同时期、不同风格的音乐作品中提取素材，进行深入的分析与讲解。读者将有机会接触到巴洛克时期的严谨对位，古典时期的清晰逻辑，浪漫时期的澎湃情感，以及现代音乐的多元探索。在这些具体的音乐实践中，读者将更直观地感受到视唱练耳训练的价值和意义。 给谁而作？ 本书适用于所有对音乐学习抱有热情的人。无论您是初学者，希望打下坚实的音乐基础；还是已有一定基础，但希望系统提升视唱练耳能力；抑或是音乐教育者，寻求更科学、更系统的教学理念与方法；甚至是希望更深入地理解音乐、更自由地享受音乐的爱好者，都能从中获得宝贵的启发与指引。 这是一段通往音乐内在世界的旅程，一次关于声音的深度对话。让我们一同踏上这段旅程，用心去聆听，用声去歌唱，用智慧去理解，用创造去构建，最终，在音乐的海洋中，找到属于自己的那片最美的风景。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种沉稳又不失典雅的色调，配上恰到好处的字体选择，让它在书架上立刻就拥有了一种“内涵深厚”的气质。初翻开扉页，一股淡淡的油墨香气混合着纸张特有的质感扑面而来，这在如今这个充斥着电子阅读的时代，无疑是一种对知识的尊重。我尤其欣赏作者在排版上的用心，无论是章节的划分还是图表的布局，都显得极为考究，留白恰到好处，使得阅读过程非常舒适，眼睛不容易疲劳。那些穿插其中的插图或示意图，不仅仅是简单的装饰，更像是精准的视觉引导，帮助读者在复杂概念中迅速找到焦点。例如，某个关于乐理基础的章节，作者用了一种非常直观的对比图示来阐述和声的进行规律，比单纯的文字描述要高效得多。这本书的物理形态本身，就传递出一种严谨治学的态度，让人在拿起它时，就不自觉地降低了浮躁的心态，准备好沉浸其中，这对于需要长时间专注研读的工具书来说，是极为重要的一环。这种对细节的把控，体现了出版方和作者对阅读体验的重视，而非仅仅满足于内容的堆砌。

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我一直觉得，一本好的教材，其价值不仅在于它收录了多少知识点，更在于它如何引导初学者建立起完整的知识体系。这本书在这方面做得非常出色，它的逻辑递进是浑然天成的，就像是循着一条精心铺设的阶梯向上攀登。从最基础的乐理概念开始，作者并没有急于抛出复杂的技巧，而是耐心地为读者打下坚实的地基，每一个新概念的引入都建立在前一个知识点之上，过渡自然到几乎感觉不到断层的存在。我特别欣赏它对于“为什么”的解释，很多教材只告诉你“是什么”和“怎么做”，而这本书却深入剖析了背后的音乐原理和逻辑，比如对某个音程关系的描述，它不仅给出了听觉上的特征，还追溯了其在不同历史时期被赋予的审美意义。这种追本溯源的叙述方式，极大地增强了读者对所学内容的理解深度和记忆持久性，避免了死记硬背的枯燥。对于我这种喜欢探究事物本质的学习者来说，这种详实且充满洞察力的讲解，简直是福音，让人感觉自己不只是在学习一种技能，更是在领悟一门艺术的内在规律。

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这本书的语言风格，用一个词来形容就是“克制而富有启发性”。它避免了那种故作高深、充满艰涩术语的行文方式，也同样摒弃了过于口语化、缺乏专业性的描述。作者似乎深谙如何与不同学习阶段的读者进行有效沟通，在解释专业概念时，用词精准，但又会适时地穿插一些生动的比喻或历史轶事来调和气氛，让阅读过程保持一种持续的吸引力。举例来说，在讲解某个复杂的节奏型时，作者并未直接给出枯燥的节拍标记，而是将其与日常生活中的某些韵律进行类比，比如城市脉搏或自然呼吸，瞬间就将抽象的音乐概念具象化了。这种行文上的张弛有度，使得即便是初次接触这些领域的读者，也能感受到一种被尊重的友好感，而不是被知识的洪流所淹没。它不强迫你接受，而是巧妙地在你面前铺陈好所有的材料，等你自然而然地产生探索的欲望，这种潜移默化的引导力量，是很多教材所欠缺的。

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这本书的体量感是相当可观的，拿在手里沉甸甸的，让人感到物有所值。但这厚重并非来源于重复啰嗦，而是因为它内容之全面和细节之深入。我特别欣赏作者在某些关键主题上所展现出的“百科全书式”的广度。比如，在涉及特定音乐分析方法的部分，它不仅详细介绍了该方法的基本步骤，还追溯了该方法的起源和主要倡导者，甚至引用了不同学派对该方法的不同解读和批判。这种多维度的呈现方式，让读者在掌握核心技能的同时，也能对该知识点的学术背景和争议之处有所了解，培养出批判性思维。这种对知识边界的不断拓展，使得这本书的价值随着读者的阅历增长而不断提升，它不是一本读完一遍就可以束之高阁的书，而是更像一个可以随时查阅、随时能提供新见解的参考宝典。每一次重读，我都能发现一些上次因为知识储备不足而忽略掉的精妙之处，这无疑是一本值得反复研读的专业著作。

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我关注到这本书在案例选择和应用拓展上所下的功夫，这使得理论不再是空中楼阁，而是与实际操作紧密相连的工具。不同于那些只停留在纯理论层面的书籍，这本书似乎处处都在提醒读者：“学到这里，你可以用它来做什么？” 它收录了大量的音乐片段作为例证，这些片段并非随机选取，而是经过精心挑选，完美契合当前讨论的知识点，并且涵盖了古典、近现代乃至一些跨界风格的元素，拓宽了读者的音乐视野。更令人称道的是，它在理论讲解之后，往往会附加一些“实践思考题”或“创作方向建议”，这些引导性的文字，极大地激发了读者的主动探索欲。我个人就尝试按照书中的某个建议，将一个学到的和声解决方式应用到我正在创作的片段中，结果发现效果出奇地好。这种理论指导实践、实践反哺理论的良性循环，是任何学习者梦寐以求的辅助材料，它成功地架设了“知道”与“做到”之间的桥梁。

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视唱练耳权威且全面的一部著作

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