明清绘画扇面精典（第一辑） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:天津人民美术出版社

作者:刘建平

出品人:

页数:24

译者:

出版时间:2005-5

价格:18.00元

装帧:

isbn号码:9787530528891

丛书系列:

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好的，这是一份关于《宋代山水画研究》的图书简介，该书内容与您提到的《明清绘画扇面精典（第一辑）》完全无关。 --- 《宋代山水画研究》 导言：时代的风貌与笔墨的沉思 宋代，一个在中国艺术史上光芒万丈的时代，不仅在政治、经济、文化上达到了高度的成熟，更在绘画领域，尤其是山水画上，铸就了不朽的辉煌。如果说唐代绘画气象万千，富丽堂皇，那么宋代山水画则更侧重于对自然秩序的哲学思考、对个体精神世界的精微体察，以及对笔墨语言的精细锤炼。本书《宋代山水画研究》，旨在深入剖析这一时期山水画的起源、发展脉络、核心技法、美学特征及其对后世的深远影响，为读者提供一个全面而深入的学术视角。 本书的研究并非仅仅停留在对经典作品的罗列与鉴赏，而是试图构建一个完整的知识体系，探讨宋徽宗朝廷的院体审美如何与文人画的勃兴相互激荡，最终形成兼容并蓄、气象万千的艺术格局。 第一章：时代背景与山水画的兴起 本章首先考察了宋代特殊的社会文化环境。从北宋的内敛含蓄到南宋的偏安一隅，社会心态的转变如何潜移默化地影响了山水画的主题与风格。我们详细梳理了自晚唐五代至北宋初年，李成、范宽、郭熙等巨匠如何确立了山水画的基本范式。特别是范宽的“高耸入云”与郭熙的“可游、可居、可观”的理论，标志着山水画从单纯的描摹自然向构建精神家园的转变。本章通过对史料的细致辨析，阐明了宋代山水画如何从“界画”的精确测绘中解放出来，转向对“气韵生动”的追求。 第二章：院体与院外：审美标准的双重构建 宋代绘画管理机构——翰林图画院，是研究的重点之一。本章详细分析了宋徽宗时期“宣和画学”的理论基础及其对绘画考核的具体标准。我们重点讨论了“意在笔先”与“以神写物”的院体美学追求，以及李唐、刘松年等南渡画家如何将院体严谨的笔墨功夫带入新的时代。 同时，本书也关注了“院外”——即文人画的崛起。以苏轼、米芾为代表的文人士大夫，他们将书法融入绘画，强调“不求形似，但求神似”，开创了墨戏的新风尚。这种院体与文人画之间的张力与互补，正是宋代山水画艺术活力的源泉。 第三章：笔墨的哲学：皴法、点苔与空间处理 宋代山水画的成就，很大程度上归功于其成熟的笔墨语言。本章是技法分析的核心部分。 皴法的系统化： 详细解析了“披麻皴”、“斧劈皴”、“卷云皴”等主要皴法的生成逻辑和应用场景。每一笔皴擦之间，如何体现山石的材质感、体积感和年代感，均有图例和细致的线条分析。 点苔的生命力： 点苔在宋代山水画中不再是简单的装饰，而是赋予画面生命力的关键手法。本章探讨了不同时代、不同地域画家点苔手法的差异，以及点苔如何暗示气候、湿度与生机。 空间营造的革命： 宋人对空间处理的精妙，体现在他们对“远近有无”的把握上。我们分析了“高远”、“深远”、“平远”三种经典构图方式的理论依据，以及如何通过墨色的浓淡干湿，实现空间景深的层次感，营造出可深入其中、令人心驰神往的“无尽之境”。 第四章：主题的深化：人与自然的和解 宋代山水画不再满足于描绘宏大的自然奇观，它开始关注人与自然的亲密关系。本章探讨了宋代山水画中“人”的意象。这些出现于画面中的渔樵、行旅、茅屋，并非是画面主体，而是作为一种尺度，来衬托自然的博大，以及人在天地间的渺小与安宁。我们深入分析了“雨景”、“雪景”等特殊题材的流行，它们反映了文人对自然中阴晴变化、情绪流动的敏感捕捉。 第五章：南渡后的风格转向与典范的延续 靖康之变后，山水画进入南宋时期，风格出现了显著的变化。宫廷画院的焦点转向了精微写生与高雅的装饰性，如马远、夏圭的“边角式”构图，以极简的笔墨展现无穷的意境。与此同时，文人画在南宋得到了更纯粹的发展，注重个性表达和笔墨趣味。本章通过对比两者的发展轨迹，论证了南宋山水画在继承北宋典范的基础上，如何以更具情感张力的笔触，回应时代的动荡与文人的忧患意识。 结语：宋画的精神遗产 宋代山水画不仅是一种视觉艺术，更是一种观看世界的方式，一种关乎“理”与“气”的哲学表达。本书最后总结了宋代山水画对元、明、清乃至近现代绘画的决定性影响，强调了其笔墨规范和审美高度至今仍是所有中国画学习者必须攀登的高峰。 本书配有大量高清的细节图版和原拓本摹写，结合理论分析与图像解读，力求为艺术史研究者、专业画家及广大古典艺术爱好者，提供一本深入、严谨、且富有启发性的宋代山水画研究专著。

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说实话，我对古代文人的那种清高和意境有时候是敬而远之的，总觉得隔着一层历史的纱，难以真正触及他们的内心世界。但这本书里收录的那些花鸟草虫，却有一种奇特的生命力，让我放下了那种距离感。有一组描绘竹子的扇面，寥寥数笔，疏朗有致，墨色的浓淡干湿变化，简直就是一堂生动的写墨课。我试着拿起毛笔，想模仿一下那种洒脱劲儿，结果笔触一落就显得拘谨僵硬。这让我深刻认识到，扇面艺术的难点不在于描绘的复杂程度，而在于如何用最凝练的笔墨，传达出画家的胸襟和气韵。看得出来，编者在选材上是下了大功夫的，每一页的相邻画面之间，似乎都有某种微妙的对话和呼应，不是简单的堆砌，而是一场精心策划的视觉对话，让人在翻页间不断地进行比较和思考。

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这本书的装帧设计，特别是封面，透着一股低调的奢华，那种内敛的古典美，与扇面画本身的精神气质是高度契合的。我个人对“辑”这个概念很敏感，它意味着一种系统性和阶段性。如果这是第一辑，那么我非常期待后续能看到更多不同主题、不同地域的扇面精品。我在欣赏的过程中，注意到一个现象：很多扇面画的布局都不是传统的“平视”视角，而是略微倾斜或俯瞰，这或许是受扇形空间限制而形成的一种独特的构图习惯。这种对形式美感的探索，在今天看来依然是极具启发性的。翻阅此书，与其说是在看画，不如说是在进行一场与古人跨越时空的交流，他们用看似随意的笔触，记录下了当时最真实的审美趣味和生活情境。

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这部厚厚的画册拿到手里，沉甸甸的，光是油墨的香气就让人心头一动。我原本对扇面画这种形式不太感冒，总觉得它小家子气，承载不了太多的笔墨精神。可翻开这册子，立刻被那些精致入微的细节给“吸”住了。尤其是一幅描绘江南春色的作品，那柳枝的嫩黄，水面的微澜，简直像是能透过纸张感受到春风拂面。画家的功力实在了得，这么小的空间里，景深和层次感居然能处理得如此到位，真叫人叹为观止。我花了整整一个下午，就对着其中几幅山水小品反复摩挲，试图去揣摩笔触的轻重缓急，体会那种“方寸之间，气象万千”的境界。这书的装帧也透着一股雅致，纸张的质感很好，使得那些晕染的效果尤其动人。对于想要深入领会中国传统绘画精髓的爱好者来说，这本书无疑是极好的入门和进阶的参考资料，它让我对“小中见大”有了更直观的理解。

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从纯粹的技法角度来看，这本书简直是一座宝库。我最近迷上了用淡墨画山石，总觉得笔下缺乏那种“干裂秋风，润含春雨”的质感。仔细对比书里收录的几幅董其昌风格的扇面，我终于明白了，关键在于用笔时腕力的控制和墨色的层次叠加。这本书没有过多冗长的理论介绍，而是用大量的实例说话，这一点深得我心。它更像是一本“看图说话”的专业工具书，让你直接从大师的作品中汲取养分，而非被复杂的术语绕晕。我特别喜欢那些题款和印章的细节，有时候，一处题款的书法功力，甚至能与画作本身相媲美，这体现了明清文人对“诗书画印”一体化的极致追求。对于想提升自己写生或创作水平的画友来说，光是临摹其中的几幅扇面，就足够消化很长一段时间了。

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我更偏爱那些人物画扇面，里面的仕女形象总带着一种古典的忧郁美。这本书里有一张画，一个女子倚窗而望，眼神里说不上是思念还是惆怅，但那种情绪是极具感染力的。我盯着看了很久，忍不住去想象她身处的那个时代，她的故事。这本书的印刷质量简直是教科书级别的，尤其是对色彩的还原度，那些矿物颜料特有的那种温润和厚重感，即便是通过现代印刷技术，也大致能被捕捉到。很多时候，我们看古代的画作，常常因为光线或者保存不善而失真，这本书的好处就在于，它提供了一个近乎完美的“数字摹本”，让我们得以近距离感受原作的魅力。对于研究明清时期绘画风格演变的人来说，这套书里的案例对比价值是无法估量的，它就像是一条清晰的时间轴，串联起了不同地域、不同流派的艺术风格变化。

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