任伯年（卷下） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:天津人民美术出版社

作者:任伯年 绘

出品人:

页数:138

译者:

出版时间:2005-6

价格:39.60元

装帧:简裝本

isbn号码:9787530529423

丛书系列:

图书标签:

• 任伯年
• 绘画
• 中国美术
• 清代绘画
• 艺术史
• 绘画艺术
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• 文化艺术
• 艺术作品

《中国近现代绘画史纲：从清初到民国》 内容简介 本书旨在勾勒出一部宏大而精微的中国近现代绘画史的脉络，重点梳理自清初“四王”鼎盛至民国时期艺术转型与变革的关键节点。全书以时间为轴，以地域和流派为经，力求展现这一转型期艺术思潮的复杂性、多样性及其深远的时代意义。 第一部分：清初的传统回响与革新序曲（约占全书三分之一篇幅） 本部分聚焦于清朝初期，这一时期中国画坛在风格和理论上呈现出一种既承袭明代文人画传统，又试图在既定范式内寻求突破的复杂面貌。 第一章：正统画派的坚守与僵化 详细论述“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）在康熙、雍正、乾隆三朝所确立的以“摹古”为核心的笔墨范式。重点分析王原祁如何将元四家（黄公望、倪瓒等）的笔墨理论推向极致，形成了影响深远的“石涛一派”之外的主流。讨论其“集古”理论如何成为官方审美趣味的主导，以及这种程式化对后世青年画家的束缚。分析这一流派在技法上对线条的精炼、皴法的规范化，但同时也指出其在精神层面逐渐丧失“胸中逸气”的倾向。 第二章：反叛的先声——石涛与“我为五取法” 独立分析石涛（朱若极）在清初画坛的独特地位。深入探讨他“搜尽奇峰打草稿”的艺术主张，将其置于对传统泥古的强烈批判之中。详细解析其笔墨语言的革新，如运用“大胆落笔、小心收拾”的创作方式，以及对水墨淋漓、造型夸张的探索，为后世的创新者提供了重要的精神资源。 第三章：扬州画派的地域色彩与商业化转型 本章转向地方性的艺术生态——扬州。重点分析以金农、李鱀、汪士慎、黄慎等为代表的扬州画派。探讨扬州作为商业重镇，如何催生了一种更具世俗趣味、更侧重于写意和个性的绘画风格。分析金农的“错位”与趣味性，李鱀的逸笔花卉，以及黄慎以草书入画的粗犷笔法，揭示了传统文人画在商业压力下如何向更具“人情味”和“奇崛”的方向发展。 第二部分：乾嘉、道咸时期的承续与地域性勃发（约占全书四分之一篇幅） 本部分关注清代中期至中晚期，绘画领域在既有框架下发生的细微变化，尤其是对地域性题材和民间艺术的关注。 第四章：浙派的复兴与陈道融的影响 考察以金石学和碑学兴盛为背景下，部分画家对宋代院体绘画和元人古拙笔意的重新挖掘。分析陈洪绶对晚明和清初画风的深远影响，以及如何通过对人物造型和装饰性的强调，为后来的创新者提供了另一种参照系。 第五章：岭南画派的萌芽与岭南文化的渗透 讨论清代中晚期广东地区绘画的特殊性。虽然本格的岭南画派形成于晚清，但本章追溯其前身，分析岭南地区独特的物产（如花卉、禽鸟）和与海外接触带来的审美影响，如何使得这一地区的绘画在用色和笔墨上更显生动和色彩斑斓。 第六章：文人画的世俗化倾向与花鸟画的独立发展 探讨晚清时期，随着士大夫阶层审美趣味的分化，部分画家将主要精力集中于花鸟和山水写意，使得这些题材在独立的展览和市场中获得了更强的生命力。分析部分画家的生活哲学如何融入到他们的笔墨之中，使其区别于早期“四王”的形而上追求。 第三部分：晚清的变革与西学东渐的冲击（约占全书三分之一篇幅） 本部分是全书的关键转折点，详述晚清至民国初年，西方现代思潮、摄影术和教育体系改革对中国绘画产生的剧烈影响。 第七章：海派的崛起与“折衷主义”的典范 重点剖析以上海为中心的“海派”绘画现象。详述以任伯年为代表的画家，如何在继承浙派、扬州画派的基础上，大胆吸收西洋绘画的写实精神和光影处理技巧。分析任伯年如何通过“中西调和”的实践，开创出一种既雅致又生动、兼具写意与写实的新面貌。探讨其在花鸟、人物和肖像画领域的突破，并简要提及当时其他重要的海派画家。 第八章：从“四王”到“四僧”：学术重心的转移 分析晚清民国之际，传统学院派教育体系的瓦解，以及知识分子对前代画史的重新评价。阐述“四僧”（石涛、八大山人等）的艺术价值被重新发掘，成为对抗僵化传统的旗帜，对后来的新派画家产生了巨大的精神鼓舞作用。 第九章：传统教育体系的瓦解与新式学堂的建立 探讨1900年前后，清政府和地方士绅开始创办的艺术学堂（如上海图画学堂、北京、南京的艺术学校），这些学堂引入了素描和透视等西方基础训练，标志着中国画教育从私人师徒相授向系统化学堂教育的过渡，也为民国时期的艺术争鸣奠定了人才基础。 第十章：民国初年的艺术流派纷争与现代化的探索 本章进入民国初期，着重描绘此时画坛的多元化趋势。分析以陈师曾、齐白石为代表的“折衷后期的集大成者”，他们如何在吸收了石涛、八大山人等人的精神后，进一步探索水墨语言的现代性。同时，概述新兴的“国画研究会”等机构，及其对“中国画”概念的界定与规范尝试。探讨在摄影技术普及的背景下，中国画如何重新定位其存在的价值，从记录转向表达内心和精神意境。 结语：承前启后的时代节点 总结清初至民国期间，中国绘画如何经历了一场深刻的结构性变革：从以摹古为中心转向以写生、写意和个人情感表达为核心。这一时期的艺术成就不仅巩固了文人画的笔墨传统，更成功地将其引向了面向现代世界的、更具个体精神的表达路径。本书最终呈现的，是一部充满活力、充满矛盾与创新的艺术发展史。

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这本书的装帧实在是太精美了，光是拿到手里就能感受到那种沉甸甸的质感。封面设计充满了古典韵味，那种淡雅的色调和精致的纹理，让人忍不住想要仔细端详。内页的纸张质量也无可挑剔，印刷的清晰度极高，即便是那些细节繁复的画作，也能看得清清楚楚，触感也十分顺滑。我特别喜欢他们对作品排版的用心，每一幅画作都有足够的留白，既突显了作品本身的美感，又让阅读过程成为一种享受，一点也不会觉得拥挤或疲劳。装帧细节上的考究，体现了出版方对艺术的尊重，也让这本书不仅仅是一本画册，更像是一件可以珍藏的艺术品。每次翻开它，都像是一次心灵的洗礼，那种仪式感是很多普通书籍无法比拟的。

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这本书的配图质量，可以说是达到了一个令人惊叹的高度。很多原作的色彩还原度非常逼真，那些微妙的晕染和墨色的层次感，在高清印刷下得到了完美的呈现。对于我们这些无法经常亲临博物馆进行实地考察的普通爱好者来说，这本书提供了一个极佳的“近距离接触”大师作品的机会。特别是那些细节图的选取，非常到位，能够清晰地看到笔触的起落收束，这对学习绘画技巧的人来说是无价之宝。比起我之前收藏的几本同类画册，这本书在图像的处理上显然投入了更多的精力和技术，达到了教科书级别的标准。

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这本书的内容深度确实令人印象深刻，它不仅仅是简单地罗列了艺术家的作品，更像是一部深入的学术探索。作者在论述中展现了对中国绘画史料的扎实掌握，尤其是在分析任伯年晚期创作风格转变时，引用了大量的旁证和一手资料，逻辑链条清晰而严密。对于那些想深入了解清末民初艺术流派如何相互影响的读者来说，这本书提供了非常宝贵的视角。我尤其欣赏作者在讨论技法演变时，那种抽丝剥茧的分析能力，不再是泛泛而谈“笔墨酣畅”，而是具体到某几种用笔的微妙变化如何服务于画家心境的表达。这种深层次的解读，极大地提升了阅读的价值。

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说实话，我原本以为这种偏向专业的画册阅读起来会有些枯燥，但这本书的叙述方式却出乎意料地引人入胜。作者似乎懂得如何将严肃的艺术评论，用一种更贴近读者的口吻表达出来。读起来完全没有那种高高在上的学术腔调，反而像是一位资深的艺术史家在你耳边娓娓道来，分享他的发现和感悟。特别是涉及到对画家个人生活与创作心路历程的描述时，文字充满了人文关怀，让人仿佛能与这位清末的艺术巨匠进行跨越时空的对话。这种叙事张力，使得即便是复杂晦涩的艺术理论，也变得生动有趣，让人欲罢不能。

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总的来说，这本书的编纂工作展现了一种对传统艺术近乎苛刻的敬意和严谨态度。从目录的编排逻辑就能看出，编者在构建内容体系上花费了大量心血，使得阅读体验具有高度的系统性和流畅性。它不是零散的素材堆砌，而是一个经过精心设计的知识结构，层层递进，引领读者逐步领悟艺术的精髓。无论是作为案头工具书进行随时查阅，还是进行系统性的学习研究，它都能胜任。对于任何一位对中国近现代人物画，特别是对这位艺术大家有兴趣的人而言，这本书绝对是书架上不可或缺的核心藏品，物有所值，甚至物超所值。

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