居廉居巢/中国古今书画拍卖精品集成 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:天津人美

作者:（清）居廉

出品人:

页数:71

译者:

出版时间:2005-6

价格:22.00元

装帧:

isbn号码:9787530529386

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翰墨丹青录：中国历代书画珍品赏析 一部跨越千年，精选中国艺术瑰宝的深度鉴赏之作。 本书旨在为广大艺术爱好者、收藏家及研究者提供一本全面、深入且富于洞察力的中国古代及近现代书画精品导览。我们摒弃了传统的、过于宽泛的艺术史叙述，转而聚焦于那些在历史长河中留下深刻印记、具有极高艺术价值与市场影响力的杰作。本书的选篇标准极其严苛，每一幅入选作品都代表了特定时代、特定流派的最高成就，或对后世产生了颠覆性的影响。 全书结构清晰，分为“魏晋风骨与隋唐气象”、“宋元山水意境”、“明清流派纷呈”以及“近现代艺术的转型与新生”四大板块，力求构建一个立体、多维度的中国书画审美体系。 第一部：魏晋风骨与隋唐气象——线条的生命力 本部分深入探讨了中国书法艺术的奠基时期。从钟繇的古拙内敛到王羲之“尽善尽美”的典范地位，我们细致剖析了“书圣”的笔法革新，尤其是其行草中的遒劲与灵动是如何打破了篆隶的刻板，注入了文人精神的。书中对《兰亭集序》的摹本流变与笔墨精神进行了详尽的考证与图像分析，力求还原其当年的气韵。 在绘画领域，本书重点呈现了顾恺之的“传神写照”理论，并结合对传世或摹本作品的局部放大分析，解析了早期人物画对骨法用笔和“性情”表达的执着。隋代展子虔的《游春图》被置于隋唐过渡期的重要节点上进行探讨，其描绘的开阔空间感预示了盛唐山水的宏大格局。 唐代部分，我们着重分析了阎立本的工整典雅与吴道子“吴带当风”的飘逸雄浑，并特别开辟章节阐述了唐代壁画对山水画体系构建的奠基作用。通过对敦煌和高昌壁画的精选，展示了唐代佛教艺术中对人体动态与衣纹表现的极致追求。 第二部：宋元山水意境——格物致知与抒怀写意 宋代是中国艺术史上的高峰之一，本书将宋代书画的成就归结于“格物致知”的士大夫精神。 在山水画方面，我们深入研究了北宋“三大家”——范宽的“仰视式”雄伟、郭熙的“三远法”空间构建，以及李成的“寒林平远”。通过对比分析不同地理环境对画家心性的塑造，阐释了宋代山水画如何从单纯的描摹自然升华为对宇宙秩序的哲思。 院体画的工整细密在本书中也得到了充分展现，例如张择端的《清明上河图》的局部精微之处，不仅是风俗画的巅峰，更是对北宋城市生活全景式的记录。 进入元代，随着文人阶层的独立性增强，书画的“抒怀”功能被推向极致。本书用大量篇幅解读了“元四家”的艺术道路：黄公望对笔墨皴法的探索、倪瓒的“折枝松”与极简笔墨的禅意、吴镇的雄健与古拙，以及王蒙晚期繁密苍郁的“万点梅花”式笔法。我们强调，元代书画是文人精神的载体，其“雅集”与诗题的重要价值。 第三部：明清流派纷呈——笔墨的演变与市场的兴起 明清两代是中国艺术史上的大发展期，流派众多，风格迥异。 明代早期，“院体”的余风与“文人画”的崛起形成了张力。本书重点分析了吴门画派（以沈周、文徵明为代表）对元代遗韵的继承与发展，以及董其昌对“南北宗论”的提出，这种理论如何影响了后世对书画价值的判断。 中晚期的松江派（董其昌）以其冲淡平和的笔墨意趣，塑造了明末文人的审美趣味。同时，本书也正视了浙派（如戴进）的雄劲与院体的力量，展现了不同地域画派的竞争态势。 清代是书画市场化和碑学兴起的关键时期。本书对“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）在“集古”模式下的集大成进行了深入剖析，同时将其与强调个性的“四僧”（石涛、八大山人等）进行对比，凸显了清初艺术中的内在冲突与创新动力。 八大山人的孤傲与象征性符号，以及石涛“一画论”中对笔墨主观能动性的强调，被视为开启近现代艺术变革的关键节点。 第四部：近现代艺术的转型与新生——从传统到现代的桥梁 近现代部分，本书着重探讨了在西方艺术思潮冲击下，中国传统书画如何寻求自我革新与出路。 “海上四家”（吴昌硕、任伯年、虚谷、蒲华）如何吸收民间艺术的鲜活生命力，并将其融入传统笔墨系统，形成了海派的兼容并蓄。吴昌硕将金石入画的力度与篆刻的趣味相结合，为后来的写意画指明了新的方向。 民国时期，“新金陵画派”、徐悲鸿的中西融合探索，以及张大千对敦煌艺术的考察与“泼墨泼彩”的突破，共同构成了中国传统艺术向现代转型的复杂图景。本书细致梳理了这一时期大师们在恪守笔墨精神内核的同时，如何吸收外来营养，使中国画体系得以延续并焕发新的生命力。 结语：笔墨背后的时代精神 本书不仅仅是一本画册或断代史，它更是一部关于“笔墨如何承载时代精神”的研究。我们通过对历代大师作品的细节解构，力求让读者理解，每一条线条、每一个皴法背后，都隐藏着画家所处的社会环境、哲学思考以及对自然与人生的独特理解。本书旨在提供扎实的学术背景与高度的审美引导，陪伴读者穿越千年，与中国艺术的灵魂进行一次深刻的对话。

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这本书的装帧设计，用现代的语言来说，简直是“反潮流”的典范，却也因此获得了永恒的耐看性。它没有过度使用高饱和度的色彩来夸耀画作本身，而是采用了近乎博物馆陈列档案的低调哑光处理，这使得油墨的质感得以最大程度的保留。我惊喜地发现，那些在微小处体现出的细节，比如早期墨涄晕染边缘的细微层次感，或是石版画的颗粒感，都得到了忠实的再现。这在很多追求“视觉冲击力”的出版物中是难以想象的。更值得称赞的是，对于那些署名模糊或流传争议较大的作品，编者并未采取一概而论的简化处理，而是煞费苦心地附上了多方考证的结论与存疑之处，这种严谨的态度，体现了对艺术史真实性的尊重。它教会我们，面对经典，谦逊比断言更为重要。

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读完这部巨著，最大的收获并非是记住了哪位大师的哪幅画在什么价格上易手，而是对“中国书画的生命力”有了更深层次的理解。这些墨宝之所以能跨越朝代更迭、社会动荡，最终在现代的拍卖舞台上重新焕发生机，绝非偶然。书中那些关于早期私人收藏家如何“抢救”和“保护”国宝级文献的片段，描绘了一幅幅感人至深的图景。它们不仅仅是流通的商品，更是特定历史时期知识分子精神家园的载体。我尤其喜欢其中穿插的几篇关于“藏家手札”的引文，那些私密的交流，那些对笔墨的感叹，仿佛瞬间将我从冰冷的交易市场拉回到文人对美的纯粹追求之中。这套书的意义在于，它成功地将艺术的“审美价值”与市场的“流通价值”进行了一次深入且有温度的对话，让读者在欣赏画作的同时，也理解了它“活下来”的不易。

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从专业收藏者的角度来看，这部作品的价值更多地体现在其“索引性”和“参照性”上。那些按年代、按风格、按作者分类的清晰脉络，使得任何一位研究中国近现代艺术品市场的学者，都能从中迅速定位到关键节点和价值高点。我特别留意了其中关于近二十年内，水墨画领域几次重大价格突破的案例分析，它并没有停留在简单的数字罗列上，而是深入剖析了催化剂——是某位权威评论家的重新定调，还是某场国际大展的推动，或是某位重量级收藏家角色的引入。这种对“价值形成机制”的揭示，远比单纯的图录更有启发意义。它提供了一个观察艺术品如何从“传统遗存”蜕变为“硬通货”的微观实验场。阅读过程中，我数次停下来，对照着自己收藏的一些早期图录，尝试去重建那些已经散佚或价格不明的拍品，这种探索的乐趣是无穷无尽的。

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翻开这本画册，我最大的感触是其选材的“广博”与“精炼”之间所达成的微妙平衡。它没有像某些大部头那样，为了凑数而将平庸之作强行塞入，反而是在海量的拍卖记录中，精准地提炼出了那些在技法上、意境上，乃至题跋考证上具有里程碑意义的作品。比如其中关于清代扬州画派中几位“怪才”的作品分析，视角极为独到，避开了传统窠臼，着重探讨了他们如何将市井生活与文人雅趣熔于一炉，形成了那种既入世又出世的独特风格。更有甚者，书中对于一些清末民初，在战乱中被迫流传到海外，后又经由国际拍卖市场回流的私人珍藏，其背景资料的挖掘深度令人叹服。这不仅仅是看画，更是在阅读一段段充满沧桑感的“物传”，那种对艺术品命运的关怀，超越了纯粹的审美评判，更像是对历史的温情回望。

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这部鸿篇巨制，初翻便觉扑面而来的是一股沉郁而厚重的历史气息，让人不禁要放慢翻阅的节奏，如同行走在一条漫长而幽深的古道上，每一步都踏在时光的碎石之上。装帧的考究，纸张的质感，无一不透露出编纂者对于“集大成”这三个字的敬畏与执着。我尤其欣赏其中对于早期卷轴画的摹印工艺，那墨色的浓淡干湿，那皴法的力度与疏密，即便是隔着现代的印刷技术，也依稀能感受到宋元大家落笔时的精神气韵。书中对于那些鲜为人知、仅在特定时期或地域流传的“江湖派”作品的收录，更是惊喜之余，让人深思艺术史书写往往存在的盲区与偏见。它并非简单地罗列精品，更像是一部以拍卖记录为引线的艺术考古学报告，每一件拍品的流传轨迹，都映射出近现代文人士大夫阶层对于审美趣味的变迁，以及资本如何介入艺术品市场的微妙过程。细读之下，仿佛能听到那些流散海外的珍宝在不同藏家手中辗转时，那些无声的叹息与欢愉。

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