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出版者:辽宁美术出版社

作者:张德泉

出品人:

页数:44

译者:

出版时间:2002-1

价格:20.00元

装帧:平装

isbn号码:9787531428459

丛书系列:

图书标签:

• 梅花
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《工笔画基础教程》 是一本旨在引导初学者系统掌握中国传统工笔绘画技法的入门读物。本书内容丰富，讲解细致，力求通过清晰的步骤和精美的范例，让读者在最短的时间内理解并实践工笔画的核心要领。 全书以实用为导向，从最基础的笔墨运用入手，逐步深入到造型、设色、勾勒、渲染等各项关键技法。无论您是零基础的书画爱好者，还是希望系统梳理工笔画知识的进阶者，都能从中找到适合自己的学习路径。 本书的特色与内容概述： 第一部分：工笔画基础认知与准备 认识工笔画： 简要介绍工笔画的起源、发展以及其独特的艺术魅力，帮助读者建立初步的感性认识。 绘画工具与材料： 详细介绍工笔画所需的各类工具，如毛笔（狼毫、羊毫、兼毫的特性与选择）、墨（松烟墨、桐油墨的选择与使用）、纸（生宣、熟宣、半熟宣的特性与选择）、颜料（矿物颜料、植物颜料的特点与应用）、调色盘、镇尺、笔洗等，并给出购买和保养建议。 基本执笔与运笔： 示范正确的执笔姿势，讲解平、圆、方、三角等基本笔画的画法，以及如何通过控制力度、速度、角度来表现线条的粗细、虚实、枯湿变化。强调“笔有三锋”等基本概念。 墨的运用： 深入讲解墨的浓淡干湿变化，如何通过墨色来表现物体的体积感和层次感，以及“墨分五色”的奥秘。 第二部分：造型基础与线条练习 物象的观察与简化： 引导读者如何细致观察自然万物，学会抓住物体的基本形态和结构特点，并进行艺术化的简化处理。 勾勒技法的训练： 单勾： 重点训练对轮廓线的精准把握，练习各种粗细、轻重的线条，如铁线描、游丝描、十八描等经典线条技法，并附有大量线条练习范例。 复勾： 讲解如何通过反复勾勒来加深层次、丰富体积，以及如何在勾线过程中调整墨色变化。 结构与比例： 学习分析简单物体的基本结构，掌握合理的比例关系，为后续的绘画创作打下坚实基础。 第三部分：色彩技法与表现 色彩基础知识： 介绍色彩的基本概念，如冷暖、明度、纯度，以及中国画中传统的设色原则，如“三矾九染”等。 渲染技法： 整体渲染： 讲解如何运用淡墨或淡彩对画面进行初步的铺色，为画面奠定色彩基调。 局部渲染： 详细演示如何对物体局部进行色彩的叠加和过渡，表现物体的质感和色彩变化。 “破墨”与“点染”： 介绍在墨色未干时施加色彩，或用色彩晕染墨迹等特殊表现技法。 “烘染”： 讲解如何利用色彩的晕染来表现物体背光面、阴影部分，以及营造空间感。 晕染的技巧： 重点讲解如何利用水分控制、笔触方向、颜色叠加等技巧，实现色彩的自然过渡和层次丰富。 第四部分：经典物象的画法 本书将通过一系列经典题材的范例，将前面学习到的技法融会贯通。每个范例都将配以详细的步骤图和讲解，直观易懂。 花卉篇： 花头（牡丹、梅花、荷花、月季等）： 学习花瓣的层次、卷曲、质感表现，以及花蕊的绘制。 枝干与叶子： 讲解不同植物枝干的形态特征，以及叶片的正反、枯荣变化。 构图与色彩搭配： 示范如何在构图中安排花卉，以及不同花卉的色彩组合原则。 禽鸟篇： 鸟的结构与动态： 讲解鸟类身体各部分的比例关系，如何捕捉鸟的飞行、栖息、觅食等不同姿态。 羽毛的绘制： 重点训练羽毛的层次感、光泽感以及色彩的表现。 眼睛的刻画： 强调眼睛是鸟的灵魂，教授如何通过细节表现鸟的生动神韵。 山水局部篇（以表现为主）： 皴法简介： 简要介绍几种常用的皴法（如披麻皴、斧劈皴）在工笔画中的运用，以表现山石的肌理。 树木与云水的画法： 示范不同形态的树木绘制，以及云、水的表现手法，为读者尝试工笔山水打下基础。 人物局部篇（以神态为主）： 脸部五官的勾勒与渲染： 重点训练人物面部特征的精准勾勒，以及如何通过细腻的渲染来表现人物的肤色和神态。 服饰的纹样与质感： 讲解不同材质服饰的绘画表现，以及如何绘制精美的纹样。 第五部分：创作实践与提升 构图要素： 引导读者学习构图的基本原则，如虚实相生、疏密有致、主次分明等，以创作出富有表现力的画面。 意境的营造： 探讨工笔画如何通过形、神、色、韵的结合，传达作者的情感与意境。 临摹与创作结合： 鼓励读者在临摹经典作品的同时，积极进行独立的创作，形成自己的风格。 常见问题解答与注意事项： 总结学习过程中可能遇到的问题，并提供解决方案。 《工笔画基础教程》不仅是一本技法书，更是一扇通往中国传统绘画艺术殿堂的窗户。本书通过系统而循序渐进的讲解，旨在帮助读者掌握工笔画的精髓，感受传统绘画的魅力，并最终能独立创作出属于自己的艺术作品。无论您对花鸟、人物还是山水感兴趣，本书都能为您提供坚实的基础和丰富的启发。

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老实说，我是一位已经学习了多年传统国画的老一辈爱好者，接触过不少名家前辈的讲稿和书籍，大多都偏向于经验的口耳相传或对特定流派的固守。这本书最让我耳目一新的地方，在于它用一种近乎现代科学解剖学的严谨态度，来重新审视传统的作画流程。它不迷信权威，而是鼓励读者去验证每一个步骤背后的逻辑。比如，在处理山石的皴法时，它不仅展示了“披麻皴”的样子，还剖析了形成这种皴法肌理所需笔锋的入纸角度和力度释放时机，这种对“动作本身”的拆解，是老一辈传授经验时常常忽略的细节。这种深入到物理层面的解析，让很多我过去靠“感觉”去做的部分，变得有据可依，也让我能够更有效地纠正自己多年形成的某些不规范的习惯。这本书为传统技艺注入了一种清晰的、可量化的学习路径，非常难得。

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作为一名有着数年水彩经验的业余爱好者，我本以为转向工笔画会是一场痛苦的适应过程，毕竟习惯了水彩的透明和晕染，工笔画的细腻和分层对我来说是陌生的挑战。然而，这本书的过渡处理做得极其巧妙。它在介绍勾线技巧时，并没有直接要求我们画出完美的轮廓，而是先从“点”和“线”的力度变化入手，这与水彩笔触的控制有着异曲同工之妙。最让我感到惊喜的是，它对“赋彩”部分的讲解，虽然强调了重彩的层次感，但它提供了许多“轻染法”，这些方法在保持工笔画特性的同时，保留了一定的水分感和灵动性，这对于我这样从水彩过渡来的学习者来说，极大地降低了心理上的畏惧感。书中的步骤图清晰到令人发指，每一个步骤的用笔方向、颜料浓度都有标注，这比我过去看过的许多图文并茂的教程要严谨得多。它没有回避工笔画学习中的难点，反而直面它们，并提供切实可行的解决方案，让人觉得每一步的努力都是有回报的。

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这本书的装帧设计实在太用心了，无论是封面那种温润的纸张触感，还是内页的排版布局，都透着一股沉稳的匠人气息。我尤其欣赏它在理论基础部分的阐述方式，它没有急于展示那些眼花缭乱的技巧，而是花了大量的篇幅去讲解“为什么”要这么画。比如，关于笔墨的“润、干、枯、湿”的区分，作者用了非常形象的比喻，像是描述山间的云雾变化，而不是枯燥的化学配比。光是理解了这些基础概念，我就感觉自己对传统绘画的理解提升了一个层次。我之前总觉得工笔画的线条过于拘束，缺乏灵气，但这本书通过对古代名作的局部放大和精细解析，让我看到了线条背后的气韵流动。特别是关于如何调和矿物颜料的部分，写得极其细致，即便是初学者也能依照步骤操作，没有那种高高在上的说教感，完全是手把手带着你进入传统艺术殿堂的感觉。这本书不仅仅是一本教程，更像是一份对传统审美的深度导览，让人在学习技法的同时，也培养了对美的鉴赏力。

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这本书的选材角度非常独特，它似乎并不完全聚焦于某个朝代的风格，而是试图构建一个更具普适性的“工笔思维框架”。我特别喜欢它将“写意”的理念融入工笔的章节。传统观念中，工笔画常被视为“匠气”的代表，但这本书展示了如何通过对细节的极致处理，反衬出整体意境的高远。比如，在花鸟画的翎毛刻画中，作者不仅教你如何画出羽毛的纹理，更重要的是，它引导你去思考这只鸟在画面中想表达的情绪——是傲然挺立，还是低回婉转。这种由表及里的教学方法，使得学习过程不再是机械的复制，而是一个有灵魂的再创作过程。而且，书中对不同材质（如绢、皮纸、宣纸）的适应性调整也有专门的论述，这在其他教程中是很少见的，体现了作者扎实的实践经验和对材料特性的深刻理解。

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我是一位在职的平面设计师，我购买这本书的初衷是想将其中的高精度元素用于现代插画设计中，而非严格遵循传统国画的创作路径。从这个角度来看，这本书的价值是超乎预期的。它对于线条的控制和结构的精准把握，简直就是一本高级的“视觉精确度训练手册”。书中关于结构分解和透视关系的讲解，即便脱离了国画语境，对于任何需要严谨图形表达的设计师都是宝贵的财富。尤其是关于“晕染”和“罩染”的渐变处理，它详细展示了如何通过多次、微小的色彩叠加，实现肉眼几乎无法察觉的平滑过渡，这种技术在数字设计中可以完美复刻，极大地丰富了我的色彩表现力。这本书的排版也适合快速查阅，关键的技法点用粗体和插画高亮显示，即使是忙碌的专业人士，也能迅速定位到需要的知识点进行学习和应用。

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