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出版者:人民音乐出版社

作者:保罗·朗多尔米 (Paul Landormy)

出品人:

页数:446

译者:朱少坤

出版时间:2002-3

价格:26.00元

装帧:

isbn号码:9787103001653

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
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好的，这里是一份关于《西方音乐史》的图书简介，内容侧重于详细描述该书所涵盖的丰富历史脉络、关键人物与流派，同时避免任何关于“不包含”或“AI生成”的表述。 --- 图书简介：《西方音乐史》 史诗般的旋律之旅：跨越千年的音乐文明画卷 《西方音乐史》不仅仅是一部音乐学的著作，它是一幅宏大、精妙且充满生命力的历史画卷，带领读者进行一场穿越时空的深度探险。本书以严谨的学术态度和生动的叙事笔触，系统梳理了自古希腊文明肇始，直至二十世纪末乃至新世纪之初，西方音乐在理论、风格、技术、社会功能以及审美观念上所经历的完整演变历程。它深入剖析了音乐如何作为人类精神、宗教、政治与社会变迁的忠实镜子，映照出不同时代的精神风貌。 第一部分：源头与奠基——中世纪的宗教回响与早期世俗之声（约450年 – 1450年） 本书的开端追溯至古希腊罗马的音乐哲学基础，但重点迅速转向西方音乐体系的真正摇篮——中世纪。 一、早期教会音乐的规范化： 我们将详细探讨格里高利圣咏（Gregorian Chant）的形成与发展，解析其单音音乐（Monophony）的结构特点、调式系统（Modes）的建立，以及礼拜仪式在塑造音乐形式中的核心地位。重点分析了“记谱法”（Notation）的诞生和演进，特别是纽姆谱（Neumes）如何逐步发展为我们今日所见的五线谱基础，这被视为西方音乐史上最伟大的技术革命之一。 二、复调的曙光与结构探索： 随着“奥尔加农”（Organum）的出现，复调音乐（Polyphony）的种子开始萌芽。本书将详述巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）——特别是列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）——如何在节奏划分和声部组合上进行开创性的试验，奠定了西方多声部音乐的理论基石。 三、世俗之声的崛起与“新艺术”： 中世纪晚期，游吟诗人（Troubadours/Trouvères）和宫廷乐师（Minnesingers）将音乐从修道院的围墙中解放出来，引入了对爱情、骑士精神和日常生活的描绘。同时，意大利的“新艺术”（Ars Nova）运动，以马肖（Guillaume de Machaut）为代表，展现了对复杂节奏和结构更精密的控制，预示着文艺复兴的到来。 第二部分：人性的觉醒与和声的完善——文艺复兴的黄金时代（约1450年 – 1600年） 文艺复兴是人文主义精神渗透音乐领域的时代。音乐不再仅仅是侍奉上帝的工具，它开始颂扬人类的创造力和情感深度。 一、清晰与平衡的追求： 本部分着重分析了“主调音乐”（Parody Mass）和“模仿复调”（Imitative Polyphony）的成熟技艺。以帕莱斯特里那（Palestrina）和奥兰多·迪·拉索（Orlando di Lasso）为核心，展示了如何通过对位法达到声音的极致平衡与清晰。 二、世俗音乐的繁荣： 牧歌（Madrigal）成为这一时期世俗音乐的典范。读者将了解到，牧歌如何通过“文字表情”（Word Painting）的手法，将歌词的意义与音乐的进行紧密结合，极大地丰富了音乐的情感表达力。 三、乐器学的进步与早期器乐： 随着鲁特琴、维奥尔琴等乐器的成熟，器乐开始独立发展。五段体舞曲的组合（如帕凡舞曲与加亚尔德舞曲）标志着器乐曲式的初步构建。 第三部分：情感的戏剧化与结构的辉煌——巴洛克时期（约1600年 – 1750年） 巴洛克时期是西方音乐史上最具创造力和戏剧张力的时代。对情感的强烈表达、对技巧的极致追求以及“通奏低音”（Basso Continuo）的革命性引入，彻底改变了音乐的运作方式。 一、歌剧的诞生与发展： 意大利佛罗伦萨的“新艺术同好会”（Florentine Camerata）对希腊悲剧的复兴尝试，催生了歌剧（Opera）这一全新的综合艺术形式。蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）如何将戏剧冲突与音乐张力融为一体，以及亨德尔（Handel）在清唱剧（Oratorio）中的巅峰成就，都将得到详尽的论述。 二、协奏曲与奏鸣曲的成熟： 科雷利（Corelli）、维瓦尔第（Vivaldi）等人确立了协奏曲（Concerto）的“快-慢-快”三乐章结构，特别是对大协奏曲（Concerto Grosso）与独奏协奏曲的区分和发展。 三、巴赫与亨德尔的集大成： 本部分的高潮无疑是对约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的深度剖析。通过分析《平均律键盘曲集》、《赋格的艺术》以及他的大型宗教作品，读者将理解巴赫如何将对位法推向人类想象力的极限，并为后世确立了调性体系的逻辑范式。 第四部分：理性、优雅与情感的平衡——古典主义时期（约1750年 – 1820年） 启蒙运动强调理性、清晰和自然，这直接反映在音乐风格上，催生了对形式结构和清晰旋律的偏爱。 一、奏鸣曲式的确立： 古典主义的核心在于“奏鸣曲式”（Sonata Form）的完善，它提供了一种清晰的逻辑结构来组织音乐思想。本书详细解析了呈示部、发展部和再现部如何通过主题间的对立与统一来创造戏剧张力。 二、交响乐的黄金时代： 海顿（Joseph Haydn）被称为“交响乐之父”，他将交响曲（Symphony）发展为结构严谨的四乐章范式。莫扎特（W.A. Mozart）则以其无与伦比的旋律天赋和对歌剧角色的深刻洞察力，将古典美学推向极致。 三、贝多芬的桥梁作用： 路德维希·范·贝多芬（L. v. Beethoven）是古典主义与浪漫主义之间的巨人。他的后期作品，特别是宏大的交响曲和弦乐四重奏，展现了对个人意志、英雄主义和宇宙哲思的深刻表达，极大地扩展了音乐的篇幅和情感的深度，为浪漫主义开辟了道路。 第五部分：主观的火焰与个性的张扬——浪漫主义时期（约1820年 – 1900年） 浪漫主义是对古典时期理性秩序的反叛，音乐成为表达个人情感、幻想、民族精神乃至超自然力量的终极载体。 一、个人情感的极致抒发： 舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lied）将诗歌与音乐完美融合，肖邦（Chopin）专注于钢琴独奏曲，展现了细腻入微的情感层次。李斯特（Liszt）的“交响诗”（Symphonic Poem）则彻底打破了传统器乐的固定形式，使音乐完全服务于叙事。 二、民族主义的兴起： 欧洲各国作曲家开始从本国民歌、民间传说和历史事件中汲取灵感，形成了独特的“民族乐派”，如俄罗斯的“五人强力集团”、捷克的德沃夏克（Dvořák）等。 三、宏大与融合： 瓦格纳（Richard Wagner）通过其“主导动机”（Leitmotif）系统和对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，将歌剧推向了前所未有的规模和戏剧复杂性。勃拉姆斯（Brahms）则在继承古典传统的同时，注入了深沉的浪漫主义情怀。 第六部分：探索边界与风格的爆炸——二十世纪至今 进入二十世纪，随着工业化、世界大战以及心理学思潮的冲击，音乐的“本体”和“功能”受到了前所未有的质疑。 一、印象主义与表现主义的对立： 德彪西（Debussy）以其对音色和氛围的捕捉，开启了印象主义的朦胧之美，试图描绘瞬间的感官体验。相对地，勋伯格（Schoenberg）和第二维也纳乐派（Second Viennese School）则走向了“表现主义”，通过无调性（Atonality）和后来的十二音体系（Twelve-Tone Technique），表达人类精神深处的焦虑与痛苦。 二、新古典主义与原始主义： 斯特拉文斯基（Stravinsky）在不同时期探索了多种风格，其《春之祭》所蕴含的原始节奏和不和谐音对后世产生了深远影响。新古典主义的回归，则标志着对巴赫和莫扎特清晰结构的重新审视。 三、电子音乐与先锋实验： 战后，音乐家们开始利用磁带、合成器等新技术，探索纯粹的声音结构、随机性（Chance Music，如约翰·凯奇的作品）以及极简主义（Minimalism）中重复与微小变化的美学。 四、当代格局的梳理： 本书的收尾部分，将讨论当代音乐光谱的多元化，包括后浪漫主义的回响、新世纪音乐的发展，以及不同文化音乐元素对西方音乐的持续影响，展现了西方音乐史作为一个开放、持续演进的动态过程。 通过对这些时代的深入挖掘，《西方音乐史》旨在提供一个连贯且富有洞察力的视角，理解每一次和弦的更迭、每一次节奏的革命，如何共同塑造了人类最深刻的艺术表达形式之一。它不仅是一部工具书，更是一部引导听觉感官进入历史深处的导览手册。

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这本书简直是我听音乐的启蒙！一直以来，我听音乐都是随波逐流，有什么流行就听什么，从来没有想过音乐背后居然有如此悠久而丰富的历史。读完《西方音乐史》，我才惊觉，原来我们现在听到的那些旋律，那些乐器，都是经过几百年、甚至上千年的演变才形成的。我特别喜欢书中对中世纪格里高利圣咏的描述，那种空灵、虔诚的感觉，虽然听起来和现在的流行音乐截然不同，但却能感受到一种纯粹的力量。还有文艺复兴时期复调音乐的发展，从简单的模仿到复杂的交织，简直就像是精巧的建筑，每一层都有自己的声音，却又和谐统一。我记得书中还讲到了当时的音乐家是如何在教会和贵族的资助下创作的，这让我对音乐家的生存状态有了更深的理解。以前总觉得音乐家是自由的，但原来他们的创作也受到时代的制约和影响。这本书让我对“音乐”这个概念有了全新的认知，它不再仅仅是声音的组合，而是历史、文化、甚至社会变迁的载体。我真的迫不及待想去听听那些古老的音乐，去感受书中所描绘的那个时代的音乐魅力。

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我是一名对乐器发展史比较感兴趣的业余爱好者，《西方音乐史》在这方面的内容简直是太棒了！我一直很好奇，为什么我们现在有这么多不同种类的乐器，它们又是怎么一步步演变成现在的样子的。这本书对乐器的演变做了非常详尽的介绍，从最初的朴素乐器，到中世纪管风琴的出现，再到管弦乐队的逐渐成型。我印象特别深刻的是书中对钢琴的描述，它如何从拨弦古钢琴和击弦古钢琴发展而来，如何在古典时期和浪漫时期成为最重要的乐器之一。我之前听肖邦的钢琴曲，总觉得钢琴的声音有种特别的质感，读了这本书才知道，原来这种质感和钢琴的机械结构、音板的设计都有很大关系。书中还提到了许多已经消失的乐器，比如维奥尔琴家族，这让我对音乐史的长河有了更深的敬畏。这本书不仅让我了解了音乐作品，更让我看到了音乐的物质基础是如何随着时代进步而变化的，这对我理解音乐的“声音”本身非常有帮助。

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我一直对音乐理论和作曲技法有着浓厚的兴趣，而《西方音乐史》在这方面的内容，虽然不像专门的音乐理论书籍那样深入，但却为我提供了一个绝佳的宏观视角。它让我看到，各种音乐技法的出现并非偶然，而是历史发展和创新精神的必然结果。我特别喜欢书中对赋格、奏鸣曲式、变奏曲式等重要曲式的起源和发展的介绍。它不是简单地解释这些技法的规则，而是将其置于具体的历史背景下，让你理解作曲家是如何在当时的框架下进行探索和突破的。例如，书中对巴赫赋格的分析，让我看到了他如何在复杂的对位技巧中展现出逻辑的严谨和情感的深度。而对海顿、莫扎特奏鸣曲式的梳理，则清晰地展示了古典时期音乐结构的清晰与平衡。我甚至能从中窥见一些现代音乐理论的萌芽，比如对位法在印象派音乐中的运用，以及十二音技法的前身。这本书为我理解更复杂的音乐理论奠定了坚实的基础，也让我对那些伟大的作曲家为何能成为“伟大”有了更深刻的认识，他们不仅仅是旋律的创造者，更是音乐形式和技法的开拓者。

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这本书对我最大的影响，是让我开始重新审视音乐与社会的关系。我一直以为音乐是纯粹的艺术，是脱离现实的。但《西方音乐史》让我看到，音乐从来都不是孤立存在的，它深深地植根于历史、政治、宗教和哲学之中。我记得书中详细分析了宗教改革对音乐的影响，新教的兴起如何导致了圣歌形式的改变，以及卡尔文等宗教改革家对音乐的看法。还有法国大革命时期，音乐如何成为民众表达情感、宣泄情绪的工具。我读到那个时期涌现出的很多爱国歌曲和革命歌曲，感觉历史的洪流就在眼前。书中对不同时期音乐美学观念的探讨也让我耳目一新，比如古希腊音乐的“和谐”理论，中世纪的“神圣”理念，以及启蒙运动时期对“理性”的追求。这些观念无不影响着音乐的创作和接受。读完之后，我再听那些熟悉的古典名曲，感觉它们不再是冰冷的音符，而是承载着那个时代人们的喜怒哀乐，甚至是思想的火花。

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对于我这种古典乐小白来说，《西方音乐史》简直是一本救命稻草。之前接触古典乐，总是觉得那些乐曲很长，而且名字也记不住，听起来有点云里雾里。但是这本书用一种非常易懂的方式，把西方音乐的发展脉络梳理得清清楚楚。它不仅仅是罗列那些作曲家和作品，而是把音乐风格的演变、当时的社会背景、重要的音乐事件都串联起来，让我能理解为什么巴洛克时期的音乐会那么华丽，为什么古典时期会追求平衡与清晰，为什么浪漫时期又会充满情感的爆发。尤其是读到贝多芬的部分，书中详细描述了他如何克服耳疾，如何将革命的思想融入音乐，我真的被深深地震撼了。这本书让我明白了，音乐不仅仅是旋律和和声，更是作曲家内心世界的表达，是时代精神的写照。现在再去听肖邦的夜曲，我能感受到其中淡淡的忧伤；去听莫扎特的歌剧，我能体会到那种生活的戏剧性。这本书让我从“听”音乐变成了“懂”音乐，这是一种前所未有的体验。

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不知是不是这版

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P.5：长音节(一)是短音节(U)的两倍，它等于两个短音。把这些长短音节组合起来，就得到不同的基本节奏或音步，它相当于我们现在“小节”里的“拍子”：抑扬格(U一)，扬抑格(一U)，三抑格(UUU)，扬抑抑格(一UU)，抑抑扬格(UU一)，扬扬格(一一)等等。把几个音步结合在一起就形成了格律，就如我们的“小节”是由“节拍”所组成的一样。 【傻按：三星给译文质量。

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入门好书，有法国人特有的傲慢与偏见。将俄国伟大作曲家们（包括老柴）一带而过，大概就是作者对俄国最好的鄙视方式了吧。

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入门好书，有法国人特有的傲慢与偏见。将俄国伟大作曲家们（包括老柴）一带而过，大概就是作者对俄国最好的鄙视方式了吧。

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