Rei Kawakubo and Comme des Garcons pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Rizzoli

作者:Deyan Sudjic

出品人:

页数:160

译者:

出版时间:1990-9-15

价格:USD 25.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780847811960

丛书系列:

图书标签:

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探索日本时尚的脉搏：当代设计与文化交叉点 本书深入剖析了二十世纪末至今，日本时尚界如何从边缘走向全球中心舞台的历程。这不是一部关于特定品牌或设计师的传记，而是一幅描绘日本设计哲学、社会变迁与全球审美碰撞的宏大图景。我们将聚焦于那些塑造了当代时装面貌的关键美学思潮、创新技术以及文化语境。 第一章：战后重塑与西方镜像的自我审视 (The Post-War Reimagining and the Self-Reflection Against the Western Mirror) 日本战后时尚的发展，是一个在继承传统与吸收西方现代性之间不断拉扯、最终实现自我超越的过程。本章首先梳理了五十年代至七十年代初期，日本设计师如何通过学习欧洲高级定制（Haute Couture）的精湛技艺，为日后的大胆创新奠定技术基础。然而，这种学习并非简单的模仿。我们探讨了“借用”背后的文化张力：如何利用西方既定的结构来解构和质疑其自身的美学规范。 我们详细考察了日本传统服饰（如和服的平面剪裁、材质的运用）如何潜移默化地影响了新一代设计师对身体、空间和服装关系的理解。重点分析了这一时期，东京作为新兴设计中心崛起的社会经济背景，以及新兴的精英阶层对“日本制造”身份认同的渴望。此外，本章还将引入早期先锋艺术运动，如《具体派》（Gutai Group）对物质本体的探索，如何间接为后来的服装解构主义提供了理论支撑。 第二章：解构、留白与反美学的兴起 (Deconstruction, Ma, and the Rise of Anti-Aesthetics) 八十年代末至九十年代初，以东京为中心的先锋设计群体横空出世，彻底颠覆了巴黎主导的时装界。本章的核心在于解析这种“反时尚”美学的深层逻辑。我们不局限于介绍设计师的个人风格，而是将重点放在他们所共享的哲学基础： “空”与“间”（Ma）的概念渗透： 探讨了日本传统审美中对“空白”和“停顿”的强调，如何转化为服装上的不对称性、不完整性以及对身体轮廓的模糊处理。这种处理拒绝了西方强调的完整、修饰和结构化的美感，转而追求一种流动的、开放的状态。 物质性的回归与“破碎”的美学： 深入分析了设计师如何利用原始的、未经处理的布料、不规则的接缝和故意为之的破损感，来挑战“奢华”和“完美”的传统定义。这不仅是设计手法，更是一种对工业化批量生产和消费主义的反思。 平面剪裁的哲学延伸： 考察了如何将传统和服的平面结构，发展成为一种可以“包裹”而非“塑造”身体的革命性剪裁方式，从而解放了身体的自然形态。 本章将通过对关键展览和理论文献的梳理，阐明这种设计语言如何成为对全球化和单一审美标准的有力回应。 第三章：科技、身份与亚文化景观 (Technology, Identity, and the Subcultural Landscape) 进入新千年，日本时尚的图景变得更加多元和复杂。随着信息技术的飞速发展和全球青年文化的渗透，设计不再仅仅是T台上的宣言，更是日常街头身份的构建工具。 我们详细考察了日本在高性能材料和纺织技术上的领先地位，以及这些技术如何被用于创造出兼具功能性、实验性和视觉冲击力的服装。这包括对城市机能性（Urban Utility）服装的深入研究，以及运动服饰如何被提升到艺术表达的高度。 更重要的是，本章着眼于东京都市内部涌现的丰富亚文化群落。从原宿的洛丽塔（Lolita）风格到涩谷的街头潮流（Street Style），这些高度风格化的身份表达，展示了时尚作为一种社会缓冲和个体宣言的力量。我们分析了这些亚文化如何吸收、重组和再创作全球流行元素，形成具有强烈日本本土色彩的视觉代码，并反过来影响了国际设计师的创作方向。 第四章：可持续性、工艺传承与未来展望 (Sustainability, Craft Heritage, and Future Trajectories) 在当代全球对环境责任和文化真实性日益关注的背景下，日本时尚界正面临新的挑战与机遇。本章探讨了日本设计师如何应对可持续发展的议题。 一方面，我们考察了那些致力于保护和创新传统手工艺（如絣染、刺绣、特定织造技术）的品牌和工匠。这些对“慢时尚”的坚持，不仅是对历史的致敬，也是对过度生产的一种道德抵制。我们分析了将传统手工艺融入现代工业流程中的成功案例，以及这些努力如何重新定义了“奢华”的价值标准——从物质的稀有性转向时间的投入和文化的深度。 另一方面，本章也展望了日本时尚在未来十年可能的发展方向。这包括数字化转型、虚拟时装的兴起，以及如何在保持其核心的实验精神和对身体关系的深刻理解的基础上，与全球设计界进行更深层次的对话，继续作为一股不可或缺的、富有洞察力的设计力量，引领潮流。 本书旨在提供一个多维度的视角，理解日本时尚的复杂性、其深刻的文化根源，以及它在全球设计对话中的持续重要性。它关乎“如何看”与“如何思考”，而非仅仅“穿什么”。

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这本书的语言风格，可以说是极其具有个人色彩，充满了鲜明的节奏感和独特的韵律。作者的笔触时而如诗歌般充满意象和感性，引导读者进入一种近乎冥想的状态；时而又如同锋利的评论家，毫不留情地剖析行业的虚伪和表象。这种在高度抒情与冷峻分析之间的自由切换，使得阅读过程充满了惊喜和张力，避免了学术写作的沉闷。特别是那些描摹创作过程的段落，那种饱含激情又带着一丝疏离的观察角度，读来令人心潮澎湃，仿佛能亲身感受到创造者在面对材料和概念时的挣扎与突破。这种高度个人化的表达，使得这本书读起来完全不像是一本传统的“行业报告”，而更像是一次与一位极富洞察力的思想者进行的深入、私密的对话。

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从学术研究的角度来看，这本书的深度和广度都令人印象深刻，它绝非肤浅的赞美之词堆砌，而是建立在扎实的研究基础之上。作者显然进行了大量的文献梳理和跨学科的参照，将所探讨的主题置于更宏大的文化、社会和艺术史的语境中进行审视。书中对于特定时期设计哲学的演变轨迹分析得尤为透彻，那些看似孤立的创新点，在作者的梳理下，清晰地展现出一种内在的逻辑链条和相互影响。我特别欣赏其论证过程中的严谨性，每一个观点都有理有据，避免了空泛的口号，而是致力于挖掘现象背后的结构性原因。对于任何希望深入理解现代设计思潮演变脉络的人来说，这本书提供的分析框架无疑是极具价值的参考工具。

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这本书的叙事节奏掌控得非常到位，它并非那种直白的、百科全书式的罗列，而更像是一部精心剪辑的电影。作者巧妙地运用了时间线和主题的穿插，时而深入到某个关键的历史节点，时而又跳跃到当代的影响力分析，这种非线性的叙事方式极大地增强了阅读的张力和趣味性。我发现自己常常因为一个引人入胜的片段而停下来，反复思考其中的深意，而不是囫囵吞枣地往前赶。更令人称道的是，文本中引用的各种访谈记录和幕后花絮，为原本严肃的理论探讨注入了鲜活的人性色彩，让人得以窥见那些伟大创造背后真实而复杂的工作状态和心路历程。这种叙事上的动态平衡，使得即便是对相关领域了解不深的读者，也能轻松地被故事的主线所吸引，获得极大的阅读满足感。

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阅读这本书带给我一种强烈的“重塑认知”的体验，它挑战了我过去对某些既定美学标准的固有看法。那些大胆的、反传统的表达方式，在书中被系统地剖析，让我开始重新审视“美”与“不美”之间的界限。作者并没有试图美化或净化这些前卫的艺术实践，而是以一种近乎解剖学的冷静，去展示这些作品是如何通过颠覆传统、挑战既有规范来创造新的语境和意义的。这种批判性的视角，促使我跳出了舒适区，开始以更开放、更具探索性的目光去看待各种形式的艺术创作。读完之后，我感觉自己看待时尚、艺术乃至日常生活中一切设计元素的滤镜都被调整了，变得更加敏感也更加复杂，这是一次非常宝贵的智力上的“校准”。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，光是捧在手里摩挲着封面那独特的纹理，就能感受到设计者对于材质的极致追求。那种低调而富有质感的黑色，仿佛蕴含着一种不言而喻的力量，让人忍不住想要一探究竟。内页的排版布局更是精妙绝伦，留白的处理恰到好处，使得那些摄影作品和文字论述得以自由呼吸，每一页都像是一件精心策划的装置艺术。我尤其欣赏它在细节上所展现出的那种克制的美学，没有丝毫多余的装饰，所有的元素都服务于核心的表达，这本身就是一种高超的设计语言。翻阅的过程中，仿佛跟随作者进行了一次沉浸式的感官之旅，对美学和工艺的理解都被提升到了一个新的层次。这种对物理形态的重视，让我深刻体会到，对于某些创造者而言，作品的载体本身就是作品意义不可分割的一部分。

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到时间要出进化版了。

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Start from the zero

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