具体描述
本书是英国电影理论家林格伦所著的一部系统地论述电影艺术的作品。初版一经问世便引起电影界的广泛注意。
作者扼要地介绍了影片的摄制组织、拍摄过程和技术要素，着重分析了电影艺术各个要素，如故事片的结构、蒙太奇问题、影片的摄影技巧和造型方面的问题、影片中的音响和音乐问题，以及电影演员的技巧等问题。在新版中，作者重又作了部分文字修改工作，并增写了评论问题部分。
作者简介
英国人
目录信息
第一部：结构
一、创作上的分工
二、电影制作者的工具
第二部：技巧
三、故事片论
四、蒙太奇论：若干基本原则
五、蒙太奇论：格利菲斯与爱森斯坦
六、音响论
七、电影摄影论
八、电影音乐论
九、电影表演论
第三部：评论
十、电影评论
十一、为娱乐还是为教育？
十二、电影作为一种艺术
附录：
词汇
插图说明
· · · · · · (收起)
读后感
这个人不太认识。但是这本书可以作为了解电影的入门书籍。第一部分介绍了电影的技术发展与电影工业的情况，让人从物质、技术和职业层面了解电影。接着他从电影的各个要素分析了电影的媒体特征。最后一部分从评论、艺术性的角度分析什么是真正的电影艺术，以及应该怎样评价一部...
评分这个人不太认识。但是这本书可以作为了解电影的入门书籍。第一部分介绍了电影的技术发展与电影工业的情况，让人从物质、技术和职业层面了解电影。接着他从电影的各个要素分析了电影的媒体特征。最后一部分从评论、艺术性的角度分析什么是真正的电影艺术，以及应该怎样评价一部...
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评分这个人不太认识。但是这本书可以作为了解电影的入门书籍。第一部分介绍了电影的技术发展与电影工业的情况，让人从物质、技术和职业层面了解电影。接着他从电影的各个要素分析了电影的媒体特征。最后一部分从评论、艺术性的角度分析什么是真正的电影艺术，以及应该怎样评价一部...
用户评价
这本书中关于“电影的叙事逻辑与观众接受度”的探讨，让我豁然开朗。我常常困惑，为什么有些电影明明情节离奇，却能让人信服，而有些电影明明写实，却总觉得哪里不对劲。作者在这方面给出了极具启发性的解答。他详细分析了电影叙事中“可信度”和“合理性”的微妙关系，指出电影并非一定要遵循现实的逻辑，而是要遵循其自身构建的“内部逻辑”。当影片能够自圆其说，并且在情感上能够引发观众的共鸣时，观众便能够接受那些看似不合理的设定。我尤其欣赏书中关于“观众的参与度”的讨论，原来，一部好的电影，能够巧妙地引导观众去“填补”叙事中的空白，去“参与”到故事的构建中来。这不仅仅是让观众被动接受信息，更是让他们成为故事的一部分。这本书让我明白，电影的叙事，是一门与观众之间默契的博弈，而这种默契，源于导演对观众心理的深刻洞察和对叙事技巧的炉火纯青的运用。
评分《论电影艺术》在关于电影的“情感共鸣”的营造上，有着极其独到的见解。我一直相信，电影之所以能够打动人心，在于它能够触动我们内心深处的情感，而这本书则将这种“触动”分解成了一系列可操作的艺术手段。作者详细分析了音乐、音效、色彩、以及剪辑节奏在烘托情绪方面的关键作用。他指出，一段恰到好处的配乐，可以瞬间将观众带入特定的情感氛围；一个精心设计的音效，可以强化画面的冲击力；而色彩的冷暖、明暗，剪辑的快慢、疏密，更是能潜移默化地影响观众的心情。我开始反思，自己曾经为什么会为某部电影潸然泪下，或者为某个场景热血沸腾，原来这背后是一整套精妙的艺术设计在起作用。书中关于“悲伤的电影如何更悲伤”、“紧张的时刻如何让观众喘不过气”的讨论，让我看到了电影艺术的强大力量。它不仅仅是讲述故事，更是能够主动地去“塑造”观众的情绪体验。这本书让我明白，那些真正伟大的电影，往往能在观众心中留下持久的情感回响，而这种回响，正是建立在导演对电影艺术规律的深刻理解和 masterful 运用之上。
评分《论电影艺术》最让我印象深刻的，莫过于它对于“电影作为一种社会文化载体”的深刻阐释。我之前一直将电影视为一种纯粹的娱乐形式，或者是一种个人化的艺术表达。然而，这本书却让我看到了电影背后所蕴含的巨大社会价值和文化意义。作者详细探讨了电影如何反映时代思潮、折射社会变迁、甚至影响公众认知。他通过对不同时期、不同国家电影作品的分析，让我看到了电影在记录历史、传承文化、以及塑造民族认同方面的独特作用。我开始理解，为什么有些电影能够成为时代的经典，为什么有些电影能够引发广泛的社会讨论，原来它们不仅仅是屏幕上的故事，更是时代精神的缩影，是集体记忆的载体。这本书让我明白了，电影艺术，是一门与社会息息相关的艺术，它既是时代的镜子，也是时代的塑造者。它让我更加敬畏电影的力量，也更加期待通过电影去理解这个世界。
评分在我阅读《论电影艺术》的过程中，关于“声音在电影中的作用”的章节，给了我巨大的惊喜。我一直以来都对电影的画面情有独钟，认为视觉是电影的第一要素。然而，这本书却让我深刻认识到，声音才是真正能够抓住观众情绪，营造氛围，甚至直接影响观众判断的关键。作者详细阐述了对白、音乐、音效、以及寂静在电影叙事中的重要性。他不仅仅是简单地提及，而是通过大量的案例分析，让我看到了声音如何能够增强画面的表现力，如何能够推动剧情的发展，甚至如何能够在潜移默化中影响观众的情绪。我开始回想起那些让我印象深刻的电影场景，发现很多时候，正是那些恰到好处的音效，那些扣人心弦的配乐，才让场景的感染力倍增。书中关于“声音的层次感”、“声音的主观性”的讨论，更是让我明白了，声音并非只是画面的附属品，它本身就是一门独立的艺术，与画面相互辉映，共同构建起完整的电影体验。这本书彻底改变了我对电影声音的认知，让我明白了，一部伟大的电影，必然拥有一套令人难忘的声音设计。
评分《论电影艺术》在谈及“电影的视觉美学”时，简直把我带入了一个全新的境界。我一直以为，电影的画面好看，无非就是摄影技术好，构图讲究。但这本书让我明白，电影的视觉呈现，远不止于此，它是一门关于光影、色彩、空间、以及构图的综合艺术。作者深入浅出地讲解了不同时代、不同流派的电影美学风格，从古典好莱坞的黄金比例，到新浪潮的粗粝质感，再到当代电影的数字美学。我开始重新审视那些我曾经视为“美”的画面，去理解它们背后所蕴含的导演意图和时代背景。书中关于“景深”、“焦距”、“镜头畸变”的分析，更是让我看到了技术与艺术的完美结合。原来，一个景深的处理，可以巧妙地突出主体，制造层次感；一个特定的镜头畸变，可以营造出压抑、紧张的氛围。这本书让我明白，电影的画面，不仅仅是信息的载体，更是情感和思想的表达。它让我学会了用“欣赏”的眼光去解读每一帧画面，去感受导演在这幅“流动的画作”中所倾注的匠心。
评分让我深感共鸣的是，《论电影艺术》在探讨角色塑造方面，展现出了非同寻常的深度。我一直认为，一部电影的灵魂在于其角色，但这本书让我认识到，角色的“活”起来，绝非仅仅依靠演员的演技，而是导演和编剧在剧本打磨、人物关系构建、甚至微小动作设计上，倾注了多少心血。作者对于人物弧光、内心动机、以及角色之间复杂关系的剖析，让我受益匪浅。他通过大量的案例分析，阐述了如何通过对话、行动、乃至沉默，来展现一个角色的复杂性。我开始重新审视那些令人难忘的角色，发现他们的魅力并非来自戏剧化的情节，而是源于他们身上那些真实可触的缺点、矛盾和成长。书中对“符号化人物”和“反类型化人物”的区分，也让我对电影角色的多样性有了更深的认识。我明白了，有时候，一个看似微不足道的细节，比如一个习惯性的手势，一个不经意的表情，都可能成为塑造角色立体感的关键。这本书让我意识到，每一个令人印象深刻的角色，背后都隐藏着导演和编剧无数次的斟酌和打磨，他们是电影作品中最闪耀的艺术结晶。
评分最近有幸读到一本关于电影艺术的著作，名为《论电影艺术》。这本书对我来说，真是一次意料之外的心灵触动。我一直以来都对电影抱着一种近乎虔诚的热爱，但更多的时候，我只是沉浸在银幕的光影世界里，享受那种纯粹的视觉和情感冲击。直到翻开《论电影艺术》，我才意识到，原来我所热爱的，远不止是故事的跌宕起伏、人物的悲欢离合，它还是一门博大精深的艺术，一门需要细致拆解、深度解读的学问。 这本书的独特之处，在于它并没有简单地罗列电影史上的杰作，或者像教科书一样枯燥地讲解电影制作的流程。相反，它更像是一位经验丰富的电影大师，在与我进行一场深入的灵魂对话。作者以一种极其细腻的笔触，剖析了电影语言的构成，从镜头运动的哲学意味，到剪辑节奏的情感驱动，再到色彩构图的情绪暗示，仿佛在我眼前展开了一幅幅关于电影视觉叙事的精妙画卷。我开始重新审视那些我曾无数次观看的经典片段，那些曾经一闪而过、未曾细究的画面，此刻在作者的引导下，都变得鲜活而富有深意。我惊讶地发现，原来一个简单的推拉镜头，可以蕴含如此复杂的情感张力；原来一段快速的蒙太奇，可以承载如此丰富的叙事信息；原来一种看似随意的色彩运用，早已在潜移默化中塑造了观众的情绪。这本书让我明白了，每一次的镜头切换，每一次的光影调度，每一次的画面组合，都绝非偶然，而是导演精心设计的艺术表达。它让我学会了“看”电影，而不仅仅是“看”故事。
评分《论电影艺术》的另一个让我醍醐灌顶之处，便是它对电影叙事结构的深刻洞察。在过去，我总是习惯于从故事的起承转合来评判一部电影的好坏，而这本书则将我引向了更深层次的理解。作者详细阐述了多种叙事模型，比如经典的“三幕剧结构”，以及那些打破常规、极具实验性的非线性叙事。他不仅仅是介绍这些结构，更重要的是，他深入分析了这些结构是如何影响观众的心理预期，是如何调动观众的观影情绪，又是如何最终构建起影片想要传达的主题。我尤其对书中关于“视角”和“知情权”的讨论印象深刻。原来，导演通过不同的镜头视角，可以巧妙地引导观众的同情心，甚至可以操纵观众的认知。当观众对故事的了解程度高于或低于人物时，所产生的观影体验是截然不同的。这本书让我明白，一个好的故事，不仅仅在于它讲了什么，更在于它“如何”去讲，在于它如何巧妙地编织一张叙事之网，将观众牢牢地吸入其中。我开始反思，自己曾经因为某个故事的“不够吸引人”而放弃一部电影，也许问题并不在于故事本身，而在于叙事手法上是否存在可以改进的空间。
评分关于电影的“主题探讨”这一部分，是《论电影艺术》最让我深思熟虑的内容之一。我过去看电影，往往停留在故事的层面，很少去深入挖掘影片背后所要传达的深层含义。这本书则像一位智慧的长者，引导我拨开层层迷雾，去探寻电影作品的哲学内核。作者并没有直接告诉你“这部电影想说什么”，而是通过对影片的结构、角色、以及视觉元素的分析，让你自己去发现和体悟。他强调了电影作为一种艺术形式，其独特之处在于能够通过具象化的叙事，去探讨抽象的哲学命题、社会议题，以及人性的复杂。我特别欣赏书中关于“隐喻”和“象征”的解读。原来，电影中的许多元素，并非仅仅是剧情的需要，它们可能承载着更深层次的象征意义，等待着观众去解读。这本书让我明白，一部真正有深度的电影，能够引发观众长久的思考，能够挑战固有的观念，甚至能够改变我们看待世界的方式。它让我意识到，每一次观看电影，都可能是一次思想的洗礼，一次对自身认知的拓展。
评分《论电影艺术》在探讨“电影的剪辑艺术”时，简直是将我引入了一个全新的视角。我之前总觉得，剪辑就是把拍好的镜头拼接起来，让故事连贯。但这本书让我明白，剪辑绝非如此简单，它是一门真正意义上的“节奏”和“结构”的艺术，是赋予电影生命力的关键。作者深入剖析了不同剪辑手法，如平行剪辑、跳切、交叉剪辑等，并详细阐述了它们在营造悬念、制造情感冲击、以及表达主题方面的独特作用。我开始重新审视那些令我屏息的追逐戏，那些让我心碎的生离死别，发现它们之所以如此震撼，很大程度上都归功于剪辑师精妙的节奏掌控。书中关于“剪辑的心理学效应”的讨论，更是让我明白，每一次的镜头切换，都在悄无声息地影响着观众的心理预期和情绪状态。它让我意识到，一部电影的成功，离不开剪辑师那双能够“听见”电影节奏的耳朵。这本书让我明白了，剪辑是电影的“呼吸”，是电影的“脉搏”，它能够让静止的画面“动”起来，让抽象的情感“具象”化。
评分通俗易懂，非专业人士可以一口气读完的书
评分蒙太奇论者。
评分一本通俗易懂、深入浅出、涵盖全面、至今不过时、本应大众普及，却被小众看待的好书！
评分第三部：评论
评分视觉与声音的结合非常精彩，
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