具体描述
《艺术断想》是三岛由纪夫关于艺术的随笔记录，约分三部分：海外艺谭、艺术断想、美学浮思（第一、三部分标题为译者所加）。三岛自由畅谈了对艺术国度、古典文化的感悟、戏剧中的期待与体验，及在古今艺术之美中徜徉萦绕的情结，抒发了对美的探索的甘苦，对艺术进行了理性的思考。
作者简介
三岛由纪夫（1925-1970），本名平冈公威，生于东京一官僚家庭。日本小说家，剧作家，被誉为“日本传统文学的骄子”。他受日本古典文学影响，在其作品中追求艺术至上的古典美，后期的作品有浓厚的唯美主义和民族主义色彩。在文学创作的风格上将日本与希腊古典主义融为一体，将浪漫、唯美与古典主义发挥到尽美之境，以生活为题材向艺术挑战，以肉体为本向精神挑战，从隐微的颓唐中探求人性的真实。代表作有《虚假的告白》（1949）、《潮骚》（1954）、《志贺寺上人之恋》（1954）、《金阁寺》（1956）等。
目录信息
海外艺谭
纽约
巴黎
罗马
雅典
德尔斐
安提诺乌斯
壮丽与幸福
艺术断想
舞台二三事
猿翁诸事
诗情的《蜜味儿》
群众戏剧的宿命
期待与失望
三流的知性
不朽的演技
英雄的病理学
愤怒的诗心
剧场里的“自然”
眼睛——艺术断想后记
美学浮思
古今的季节
违背美的东西
文学上的硬派——日本文学的男性原理
室町的美学——金阁寺
艺术需要性爱吗？
相闻歌的源流
青春的倦怠
日本的古典与我
残酷之美
男性的美学
反时代的艺术家
戏剧的诱惑
我迷恋的东西
听小泽征尔的音乐会
歌舞伎与我
电影的肉体论——其部分及整体
我喜欢的作品和人物——从希腊到现代
天才拉迪盖的文学与电影
裸体与衣裳——日记(选译)
· · · · · · (收起)
读后感
好的翻译作品要做到信、达、雅，这是众所周知的。其实只要做到前两者，就已经算是不辜负原著了，翻译到“雅”的级别，是可遇不可求的事情。这几日重读三岛由纪夫的散文集，越来越感到唐月梅老师的翻译实在是不那么“三岛”。 林少华说三岛由纪夫那种矫揉造...
好的翻译作品要做到信、达、雅，这是众所周知的。其实只要做到前两者，就已经算是不辜负原著了，翻译到“雅”的级别，是可遇不可求的事情。这几日重读三岛由纪夫的散文集，越来越感到唐月梅老师的翻译实在是不那么“三岛”。 林少华说三岛由纪夫那种矫揉造...
好的翻译作品要做到信、达、雅，这是众所周知的。其实只要做到前两者，就已经算是不辜负原著了，翻译到“雅”的级别，是可遇不可求的事情。这几日重读三岛由纪夫的散文集，越来越感到唐月梅老师的翻译实在是不那么“三岛”。 林少华说三岛由纪夫那种矫揉造...
好的翻译作品要做到信、达、雅，这是众所周知的。其实只要做到前两者，就已经算是不辜负原著了，翻译到“雅”的级别，是可遇不可求的事情。这几日重读三岛由纪夫的散文集，越来越感到唐月梅老师的翻译实在是不那么“三岛”。 林少华说三岛由纪夫那种矫揉造...
好的翻译作品要做到信、达、雅，这是众所周知的。其实只要做到前两者，就已经算是不辜负原著了，翻译到“雅”的级别，是可遇不可求的事情。这几日重读三岛由纪夫的散文集，越来越感到唐月梅老师的翻译实在是不那么“三岛”。 林少华说三岛由纪夫那种矫揉造...
用户评价
翻开这本《光影的呢喃》，仿佛被一股无形的引力瞬间拽入了一个由色彩和光线构筑的奇妙迷宫。作者对于视觉语言的掌控力简直令人叹为观止，他不仅仅是在描述画面，更像是在用文字的刻刀雕琢那些瞬间的永恒。我特别欣赏他对不同媒介之间边界的模糊处理，油画的厚重肌理似乎能透过纸张传递过来，而水彩的轻盈流淌感又在脑海中形成了动态的影像。尤其有几处对早期摄影技术的探讨，那种对化学反应和光线捕捉的近乎痴迷的描述，让我这个非专业人士都能感受到那个时代艺术家们面对“时间的凝固”所产生的复杂情愫——既有技术突破的兴奋，也夹杂着对稍纵即逝的生命流逝的深深敬畏。阅读过程中，我经常需要停下来，闭上眼睛，试图在自己的记忆库里搜寻那些被遗忘的、关于美的、关于被观看的体验，这本书成功地唤醒了我的视觉记忆，就像是给一潭沉寂已久的心湖投下了一块小石子，激起了层层涟漪。它不提供标准答案，而是抛出无数个邀请，邀请你用自己的眼睛重新审视这个世界。
从装帧设计到纸张的选择，《光影的呢喃》本身就是一件精心打磨的作品。它的排版有一种古典的庄重感，但内容却充满了现代的锐气。阅读体验是极其愉悦的，那种墨香与纸张特有的触感，为那些关于视觉的讨论增添了不可替代的实体感。我特别喜欢其中穿插的那些罕见的访谈片段，那些艺术家们看似随意的只言片语，往往蕴含着比长篇大论更精炼的洞察力。比如有一位当代装置艺术家描述自己搭建作品时的状态，他说自己像是一个“与空间争论的建筑师”，这个比喻极其生动，立刻勾勒出一种充满张力和协作性的创作场景。这本书没有故作高深地去迎合大众，它忠实地记录了艺术生命体自身的呼吸和脉动，对于任何一个渴望深入了解创作核心秘密的人来说，这本书无疑是一张极其珍贵的内部地图。
我必须承认，这本书的某些论述初读起来有些挑战性，它拒绝使用那些老生常谈的艺术史术语来粉饰太平，而是用一种近乎解构的方式，将那些被奉为圭臬的“经典”重新置于显微镜下审视。这本书的价值，恰恰在于它的“不妥协”。作者似乎在质问：我们今天所理解的“美”和“价值”，有多少是历史的惯性使然，又有多少是真正意义上的跨越时代的共鸣？特别是当他探讨到艺术品在不同文化背景下的功能转换时，那种跨越时空的对话感极为强烈。我仿佛看到一位来自遥远时代的匠人，正困惑地看着现代画廊里那些抽象的色块，而作者则充当了他们之间冷静而渊博的翻译官。这种深度的思辨，让这本书远超出了简单的艺术鉴赏范畴，它更像是一部关于“观看方式”的哲学辩论集，迫使读者不断更新自己对“何为艺术”的认知框架。
这本书的叙事节奏像极了一场精心编排的交响乐，时而激昂澎湃，时而低回婉转，让人读来酣畅淋漓又意犹未尽。它的文字密度很高，但绝非晦涩难懂，而是在每一个转折处都埋藏着一个需要细细品味的哲思小钩子。最让我震撼的是作者对“创作中的偶然性”这一主题的深入剖析。他没有歌颂那些一蹴而就的灵感，反而花了大量的篇幅去探讨那些失败的尝试、那些被遗弃的草稿，以及艺术家在面对“错误”时所产生的内心挣扎与最终的和解。这种近乎坦诚的“去神化”处理，使得高高在上的艺术创作似乎变得触手可及，让人意识到，伟大作品的背后，往往是无数次冷静的自我批判和不屈不挠的修正。读完关于某位雕塑家如何从一块看似平庸的石头中“解放”出内在形态的章节，我感到一种强烈的、想要去动手做点什么的冲动，那不仅仅是对艺术的热爱，更是一种对“可能性”的探索欲望被点燃了。
这本书的叙事视角非常独特，它时常在宏大的历史背景和极其微观的个人体验之间自由切换，营造出一种流动的时空感。作者的笔触细腻到可以捕捉到颜料在画布上干燥时产生的微小裂纹，却又能瞬间拔高到对整个艺术流派兴衰的洞察。我读到一半时，开始意识到这本书的核心并非是艺术史的梳理，而是一次对“创造力本身”的深度探索。它通过无数个案例，向我们展示了人类心智在面对无限可能性时，如何构建出有限而又震撼人心的表达。其中关于“非对称平衡”的论述，对我个人在处理日常事务上的决策方式都产生了微妙的影响——它教导我们，完美并非总是意味着平均分配，有时，将重心大胆地偏向一侧，反而能产生更强大的视觉和精神冲击力。这本书，与其说是在谈论艺术，不如说是在传授一种看待世界更具洞察力的方法论。
冰冷 自恋 故弄玄虚 可是没法不喜欢 其实大多给贴上了他自己那套不怎么通畅的逻辑 却还是美得让人不忍侧目 翻译真的不怎么好 本来就晦涩 如此一翻意思完全断裂了
尽管三岛是个变态，但不能阻止他在某些关于美学的文中发光
中间有的段落讲戏剧讲歌舞伎的就没看。。哎我离公威差太远他说的作家我都没听过，王尔德也没看过，卡拉马佐夫兄弟也没看过，大江健三郎倒是可以读读。。。翻译不好不坏吧，日记那几篇还可以。
原来《青春的倦怠》是收录于这本里的，记得这几年间读了十几次这篇文章的txt吧，但时至今日再读发现也还是无法达到三岛所说的精神与肉体保持平衡的成人性；其中《室町的美学》一文，他说到自己与《金阁寺》的男主并没有共鸣，他自己并不觉得整座烧毁的金阁寺是美丽的。这大概就是所谓的“语言不断地背叛着作家”吧；对三岛的解读大多是暴烈、细腻、极端，但实则这样的表象下他却花了精力去求得一种均衡，从而去支撑自己的理论。一种只顾面向破坏而被统治、被组织的均衡；前半部分提及的日本古典戏剧大多都难以考究了，如果能有点了解，估计会更能理解三岛想传达的东西吧。（不得不说唐月梅的翻译看得真累人…）
读的三岛的第一本书。
