广告动画制作实例(附光盘) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:彭礼孝

出品人:

页数:308

译者:

出版时间:2000-11-1

价格:38.00

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787900043559

丛书系列:

图书标签:

• 广告动画
• 动画制作
• 实例教程
• 光盘
• 视频制作
• 后期制作
• 设计
• CG动画
• 动画设计
• 行业软件

视觉叙事与动态图形设计：从概念到成品的全流程解析 本书是一本深度聚焦于现代视觉传达领域——尤其是动态图形（Motion Graphics）与短片广告制作核心技术的实用指南。它旨在为影视制作人员、平面设计师、市场营销专业人士以及对动画艺术充满热情的学习者，提供一套系统化、实战化的知识框架和操作流程。本书的编写立足于行业前沿趋势，强调理论与实践的紧密结合，力求让读者不仅理解“如何做”，更能洞察“为何要这样做”。 第一部分：动态图形设计基础与理念构建 本部分将深入探讨动态图形设计（Motion Graphics）作为一种新兴视觉语言的本质。我们首先界定动态图形与传统动画的区别与联系，明确其在数字媒体、品牌推广和信息可视化中的核心价值。 1. 视觉叙事的核心原理： 详细阐述如何利用时间轴、节奏、运动轨迹和形式语言来构建一个引人入胜的叙事结构。我们将分析经典的广告片结构模型，如“痛点-解决方案-效果展示”，并探讨如何将这些结构融入到抽象的动态图形序列中，确保信息传递的效率与美感。 2. 设计美学的重塑： 探讨在数字时代背景下，平面设计原则（如版式、色彩理论、字体排印）如何迁移并演化至三维或二维动态环境中。重点分析材质的感知、光影在运动中的变化对观众情绪的影响。我们将引入“动态排版”的概念，讲解如何使文字本身成为运动的主体，实现更强烈的视觉冲击力。 3. 运动规律的科学与艺术： 运动的本质是物理规律与主观节奏的结合。本章将细致拆解“缓入缓出”（Easing）的原理，区分不同曲线类型（如贝塞尔曲线、步进函数）在不同情境下的应用，确保运动既符合物理直觉又具备艺术张力。还会涵盖关键帧的精细调整技巧，以避免僵硬或失真的运动感。 第二部分：从概念到脚本的转化 优秀的动画始于扎实的规划。本部分着重于创意发想、项目管理和前期准备工作，这些环节是决定项目成败的关键。 1. 创意发掘与受众洞察： 如何从品牌调性、产品特性和目标受众的心理需求中提炼出核心创意点（The Big Idea）。我们将介绍几种行之有效的头脑风暴方法，以及如何将抽象的品牌价值转化为具体的视觉元素（Iconography）。 2. 视觉风格的确定与参考： 在技术实现之前，风格必须先行。本章详细对比分析当前主流的动态图形风格流派，例如扁平化设计（Flat Design）的演进、拟物化（Skeuomorphism）的回潮、赛博朋克与复古未来主义（Retrofuturism）的运用。读者将学会如何构建精确的“视觉参考板”（Mood Board），并清晰地向技术团队传达预期效果。 3. 分镜脚本的专业化构建： 分镜脚本是沟通的桥梁。我们不仅仅关注画面的构图，更关注时间的分配。本章教授如何精确标注每一幕的时长、运动方向、音效提示和画外音（Voiceover）接入点，确保最终剪辑能够严格按照预设的节奏推进。 第三部分：三维与二维动画的整合技术 本部分是技术核心，侧重于主流软件环境下的高效工作流程和特定效果的实现。 1. 强大的二维动画流程： 探讨基于向量的二维动画制作流程。重点解析层级结构（Hierarchy）的搭建，尤其是在处理复杂角色或信息图表时的父子级关联设置。高级技巧包括使用表达式（Expressions）驱动复杂循环动画，以及如何利用遮罩（Masks）和跟踪（Tracking）技术实现无缝的元素过渡。 2. 进阶三维模型的应用与渲染优化： 深入讲解三维软件中拓扑结构（Topology）对形变的影响，以及如何优化几何体的细节表现。本章会细致拆解PBR（基于物理的渲染）材质的设置，特别是如何模拟不同表面（如磨砂金属、高光塑料、半透明玻璃）在动态光照下的真实反应。同时，提供渲染农场（Render Farm）的应用策略和输出格式的选择建议，以平衡质量与渲染时间。 3. 粒子系统与动态模拟的控制： 粒子系统是创造宏大场景和复杂视觉效果的利器。我们将研究流体动力学（Fluid Dynamics）的设置参数，如粘度和涡度对水流、烟雾的控制。对于刚体和软体动力学，会讲解碰撞检测的精度调整，确保模拟结果既有视觉冲击力又不失物理合理性。 第四部分：后期合成、调色与声音设计 动画制作的最后一步是将所有元素融合成一个统一的、具有情感深度的成品。 1. 专业的合成技术与层级管理： 合成不仅仅是简单的图层叠加。本章强调抠像（Keying）的精细处理，尤其是在处理半透明边缘（如毛发、火焰）时的方法。详细介绍运动模糊（Motion Blur）的补偿和色彩空间管理，确保不同软件输出的素材在最终合成时保持色彩一致性。 2. 电影级调色原理： 调色是定义影片“情绪”的关键。我们将解析色彩分级（Color Grading）与色彩校正（Color Correction）的区别，并指导读者如何通过调整白平衡、对比度曲线（如Log/S曲线）来营造特定的时代感或品牌氛围（如冷峻的科技感、温暖的怀旧风）。 3. 声音设计对视觉效果的放大： 声音是运动的骨架。本章强调同步性设计——如何让每一次元素出现、每一次运动轨迹的转折都伴随着精准匹配的声音效果（SFX）。我们将探讨环境音（Ambience）、特殊音效的定制与混响（Reverb）的应用，论证高质量的声音设计如何能将一个“不错”的动画提升至“震撼”的级别。 本书最终导向：建立高效的跨学科协作能力。通过对上述环节的深入剖析和实例演示，读者将能够更好地理解动画制作链条上每一个角色的职责与技术难点，从而在实际项目中成为一个能够驱动高质量视觉内容产出的全方位人才。

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从排版和阅读体验的角度来看，一本好的技术书籍应该极大地辅助读者的学习进程。我注意到很多技术书的图文比例失调，要么是文字堆砌导致缺乏视觉引导，要么是图片太小或分辨率不足，根本看不清软件界面上的细节操作。对于动画制作这种高度依赖视觉反馈的学科来说，这一点尤为关键。我希望这本书的插图不仅数量多，而且质量高、注释清晰。理想的状态是，每一步关键操作都有明确的截图和简短的文字说明，最好能用不同颜色的高亮来突出点击的按钮或调整的参数范围。更进一步，如果它能巧妙地结合图文，比如用流程图来梳理复杂的动画流程（例如，从概念到渲染的决策树），而不是简单地把文字和图片并排放置，那么它就能极大地提升我的阅读效率和理解深度。简洁、直观、且富有层次感的版式设计，是评估一本制作类书籍优劣的隐形标准。

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我对技术书籍的评判标准之一，就是看它在面对“瓶颈”问题时能给出多深入的解答。广告动画制作中，最令人头疼的往往不是入门级别的操作，而是那些提升作品质感的关键点——比如如何让角色的形变（Morphing）看起来自然不僵硬，如何处理复杂的粒子系统以模拟烟雾或液体流动，以及如何保证不同软件导出的素材在色彩空间上的一致性。如果这本书只是停留在“如何用钢笔工具勾勒路径”的层面，那它的价值就会大打折扣，因为这些内容网上随处可见。我真正渴望的是那些“只有在实际项目中摸爬滚打多年才能总结出来的经验教训”——比如某个特定版本的软件在处理3D层与2D层嵌套时的兼容性问题，或者在高帧率输出时需要注意的特定设置。如果它能侧重于这些高阶的、解决实际痛点的“避坑指南”，那这本书对我来说就是物超所值的。

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这本书的价值，最终还是取决于它能否帮助读者建立一套系统化的“制作思维框架”，而不仅仅是零散的技能点。很多初学者学完软件后，作品依然显得“野路子”，缺乏专业动画应有的节奏感和叙事连贯性。我希望这本书能够系统地讲解“动态叙事”的核心原则，比如如何运用运动的速度和加速度来暗示情绪，如何利用画面的缩放和推拉来控制观众的注意力焦点。如果它能提供一些关于如何在有限时间内（比如15秒或30秒）完成一个完整故事弧线的结构模板，那将非常有启发性。我期待它不仅仅是关于“如何操作软件”的指南，更是关于“如何用动画语言讲故事”的艺术指导手册。这需要作者具备深厚的广告思维和动画制作经验的双重背景，才能将技术与艺术进行有效的融合与传达。

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这本书的封面设计得相当吸引人，色彩搭配很专业，一看就知道是和视觉传达相关的专业书籍。我是在准备一个商业项目时偶然翻到它的，当时我对如何将平面广告创意转化为动态影像感到很迷茫，尤其是预算有限，需要自己摸索动画制作的流程。这本书的标题《广告动画制作实例》立刻抓住了我的注意力，它承诺了“实例”，这对于实操者来说比空洞的理论重要太多了。我特别期待它能详细拆解几个不同行业、不同风格的广告动画案例，比如一个快速消费品的TVC和一个企业宣传片的Motion Graphic。我希望看到的不只是最终的成片效果，而是从最初的故事板构思、到选择合适的软件工具（比如After Effects和Premiere的配合使用），再到关键帧的设置、镜头语言的运用，甚至是如何处理配乐和音效的匹配。如果它能提供一些关于如何优化渲染时间和文件格式选择的“行业秘籍”，那就更完美了。总之，我期待它是一本能让我迅速上手、少走弯路的“工具书”，而不是一本停留在历史回顾或理论探讨的学术著作。

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说实话，刚拿到手的时候，我有点犹豫，因为市面上介绍创意软件操作的书籍汗牛充栋，很多都是简单罗列菜单功能，或者用生硬的截图堆砌内容，根本无法体现“制作”的精髓。我更看重的是创意思维如何在技术层面落地。我的背景偏向策划和创意指导，对技术细节的容忍度较低，如果内容过于偏重软件的枯燥操作，我会很快失去兴趣。我真正想了解的是，那些顶尖的广告动画师是如何将抽象的品牌信息（比如“可靠”、“创新”、“亲民”）转化为具体可见的视觉符号和运动轨迹的。比如，当你要表现“速度”时，是应该用拉丝效果还是应该用光轨汇聚？这个决策背后的逻辑是什么？如果这本书能通过案例分析，深度剖析这些创意决策背后的技术实现路径，并解释为什么选择了某种过渡效果而非另一种，那它就超越了一般的教程范畴，达到了案例研究的水平。我希望它能像一个资深动画师在旁边手把手指导我，而不是一本冰冷的说明书。

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