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出版者:視傳文化

作者:林行健

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1999年06月01日

价格:NT$ 580

装帧:

isbn号码:9789579819305

丛书系列:

图书标签:

• 印刷设计
• 平面设计
• 设计基础
• 视觉传达
• 书籍设计
• 排版
• 色彩理论
• 图像处理
• 设计原理
• 出版物设计

现代视觉传达与创意实践 作者： [此处可虚构作者姓名，例如：林 宇，陈 曦] 出版社： [此处可虚构出版社名称，例如：世纪之光文化] ISBN： [此处可虚构ISBN，例如：978-7-5600-1234-5] --- 丛书引言：重塑感知，驱动未来 在这个信息爆炸的时代，视觉语言的力量已超越了单纯的记录与描述。它成为连接思想、激发情感、塑造品牌乃至定义社会文化的核心媒介。然而，优秀的设计绝非偶然的灵感迸发，而是建立在一套严谨的理论基础、深刻的文化洞察以及精湛的技术实践之上。《现代视觉传达与创意实践》正是为那些渴望驾驭这门强大语言的探索者而准备的深度指南。 本书超越了传统意义上对“图形”或“排版”技巧的简单罗列，而是将视觉传达视为一个系统的、多层次的交流过程。我们聚焦于如何理解信息在特定文化与媒介环境下的解码机制，并探讨如何通过策略性的视觉决策，实现清晰、高效且富有感染力的沟通目标。我们相信，真正的设计能力，在于将复杂的概念转化为直观的体验。 --- 第一部分：视觉逻辑的基石——感知与符号学 本部分旨在为读者构建一个坚实的理论框架，理解人类如何接收、处理和解释视觉信息。我们深入探讨了心理学、符号学以及格式塔原理在当代设计中的应用，强调了设计并非孤立的艺术创作，而是对人类认知规律的精确运用。 第一章：人类视觉系统的运作机制 视觉生理学基础： 从视网膜的感光细胞到大脑皮层的处理路径，解析我们如何“看到”颜色、形状和运动。 感知心理学： 格式塔原理的深度剖析（接近性、相似性、闭合性、共同命运），并结合现代交互设计案例，说明这些原理如何影响用户对界面布局的即时判断。 视觉疲劳与信息过载： 如何通过节奏控制和负空间策略，设计出更具耐受性的视觉作品。 第二章：符号、意义与文化语境 符号学的结构分析： 深入解析索绪尔的能指（Signifier）与所指（Signified），以及皮尔斯的三元符号系统（像、标、约），区分视觉元素是客观再现（图标）还是约定俗成（标志）。 跨文化视觉差异： 探讨颜色、动物、几何图形在不同文明中的象征意义演变，强调全球化设计中的敏感性与本地化策略。 叙事性视觉语言： 如何运用序列、并置和对比来构建视觉叙事，引导观众完成从信息接收到意义建构的过程。 第三章：色彩的科学与情感调控 色彩的物理基础与感知偏差： 探讨光照、媒介特性（印刷 vs. 屏幕）对色彩准确性的影响，以及人眼对不同波长的敏感度差异。 色彩体系的深度应用： 不仅限于RGB与CMYK，重点介绍LAB色域在色彩管理中的作用，以及如何利用色相、明度、饱和度的复杂关系来营造空间感和情绪张力。 情绪色彩理论与品牌心智占位： 分析历史案例中品牌如何通过特定的色彩组合，成功地在目标受众心智中建立持久的联想。 --- 第二部分：形态构建与空间秩序 此部分关注设计元素如何在二维或三维空间中组织，以实现信息层级的清晰化和形式美学的统一。重点在于建立结构化的设计思维，而非仅停留在美观的表象。 第四章：版式结构的战略部署 网格系统的进化与解构： 从古典的比例网格（如黄金分割）到适应复杂信息架构的模块化网格，探讨网格如何提供自由度而非限制。 层级与焦点引导： 运用大小、粗细、位置和对比度，建立明确的信息优先级路径，确保用户能够“扫描”而非“阅读”整个版面。 动态平衡与负空间的哲学： 探讨“白空间”（或负空间）作为一种积极的设计元素，如何影响版面的呼吸感、稳定性和视觉焦点。 第五章：字体排印学的深度剖析 字体的解剖学与基因： 详细分析衬线、无衬线、手写体、装饰体在不同应用场景下的功能性差异，以及字体的历史演变对现代选择的影响。 字体的可读性与易读性工程： 不仅研究字体的设计本身，更关注字符间距（Kerning）、字距（Tracking）和行距（Leading）在长文阅读体验中的精确调整。 多语言排版挑战： 针对拉丁语系、表意文字（如汉字）在排版时的结构性差异，提供优化策略，确保全球化产品的体验一致性。 第六章：图像与信息的视觉化转化 摄影与插画的叙事角色： 区分写实图像、风格化图像在信息传达中的侧重点，以及如何根据项目需求选择最合适的视觉语汇。 数据可视化：数据到洞察的桥梁： 探讨如何避免“花哨图表”，转而设计具有解释力的图形（如桑基图、热力图、网络图），并强调数据来源的透明度。 图像处理与风格统一： 在复杂项目中，如何通过一致的滤镜、色调、影调处理，使来自不同渠道的图像素材形成统一的视觉语言。 --- 第三部分：媒介与体验的设计策略 本部分将理论与实践紧密结合，探讨视觉传达如何在不同的技术载体和用户情境中实现其目标。 第七章：印刷媒体的物质性与精度控制 从屏幕到纸张的色彩校准： 深入讲解色彩配置文件（ICC Profile）的建立、印前预检（Prepress Check）的重要性，以及如何控制油墨覆盖率以确保印刷质量。 材料的触感与设计关联： 纸张的克重、纹理、涂布工艺（哑光/亮光）如何增强信息传递的“厚度”与权威性，特别是对书籍装帧和高端包装设计的影响。 装订工艺与阅读体验： 探讨平装、精装、活页等不同装订方式对书籍结构、翻页体验和信息呈现的影响。 第八章：数字界面与动态视觉的构建 响应式设计中的视觉适应性： 探讨在多尺寸、多设备环境下，如何设计具有灵活性的视觉元素，确保核心信息不丢失。 动效设计的心理学意义： 区分装饰性动效与功能性动效，重点分析转场、加载反馈等动态元素如何管理用户预期和操作流程。 无障碍设计与包容性视觉： 讨论高对比度、可调整的字体大小、清晰的焦点指示器等，如何将视觉设计扩展到服务所有用户的范畴。 第九章：品牌识别系统的系统性思维 从战略到标识的映射： 阐述如何将企业的核心价值、市场定位转化为一套可执行、可延展的视觉规范，而非仅仅是设计一个Logo。 视觉系统的延展性与生命周期管理： 探讨主视觉（Key Visual）、辅助图形、应用模板的构建原则，以及如何建立视觉资产库以应对未来的迭代需求。 体验的连贯性： 强调从名片到大型数字平台的视觉体验必须保持一致的“调性”（Tone of Voice），从而建立深厚的品牌信任感。 --- 结语：设计作为一种解决问题的哲学 《现代视觉传达与创意实践》旨在培养读者一种批判性的、以目标为导向的设计思维。我们所讨论的不仅仅是工具的使用，更是对意图、受众和环境的深刻考量。掌握了这些原理，设计师便能从被动的执行者转变为主动的策略制定者，用视觉的语言，有效地解决复杂世界的沟通难题。本书是通往专业设计实践的阶梯，引导您在不断变化的技术前沿，构建永恒有效的视觉作品。

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阅读这本书的过程，与其说是学习知识，不如说是一次对视觉文化史的深度漫游。书中对设计风格演变的历史脉络梳理得极为扎实，它没有停留在罗列各个流派的表面特征，而是深入挖掘了促成这些风格诞生的社会经济背景和技术变革。比如，它对某种特定时期印刷技术局限性如何反过来催生出某种独特美学的分析，就显得尤为精辟。这使得我对当前所使用的工具和方法论，有了一种更宏大、更具历史纵深感的理解。当我再次审视那些经典的设计作品时，不再只是简单地欣赏其表面的美观，而是能够“读懂”它背后的时代语言和技术妥协。这种将设计置于更广阔的文化场域中进行考察的方法，极大地拓宽了我对“设计”这一职业边界的想象，它让我意识到，我们所做的一切，都是历史长河中无数次技术与艺术交锋的产物。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，那种厚重又不失典雅的气质，让人一上手就感受到其中蕴含的专业深度。封面那低饱和度的莫兰迪色调搭配简洁有力的字体排版，透露出一种克制而高级的美感。我特别喜欢它内页的用纸选择，触感温润，墨迹呈现出的清晰度和层次感，即便是初次接触设计领域的读者，也能从细节中体会到印刷工艺的精妙。从书籍的装订方式来看，可以明显看出制作者对细节的执着，平摊性极佳，无论是在阅读还是在临摹学习时，都能提供极大的便利。这种对“物”的尊重和对“工艺”的敬畏，贯穿了整本书的实体呈现，让人在还未深入内容之前，就已经对这本书的专业水准有了初步的信赖。它不仅仅是一本书，更像是一个精心制作的设计品范本，其自身的物理形态已经完成了对“设计”这一概念的初步阐释，这一点在当代充斥着快速消费品的时代，显得尤为可贵和值得称赞。

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我花了整整一个下午，沉浸在这本书的排版逻辑之中，那种清晰的层次感和节奏感，简直是教科书级别的范例。作者在章节之间的过渡处理得非常自然流畅，每一个新概念的引入都像是水到渠成，没有生硬的转折或突兀的跳跃。尤其是那些复杂的设计原理的图解部分，线条的粗细、留白的处理，无不体现出对信息有效传达的极致追求。很多技术书籍往往会陷入枯燥的术语堆砌，但这本书的叙事方式却像是一位耐心的导师，它不会急着抛出结论，而是引导你一步步构建起对设计系统的整体认知框架。章节标题的字号和字重变化，细微之处却精准地指示了阅读的优先级，这种非文字性的引导，是真正高水平编辑功力的体现。翻阅起来，感觉思路非常开阔，很多以往模糊不清的设计原则，经过这样的系统梳理后，一下子变得清晰明朗，仿佛打开了一扇通往更深层次理解的大门。

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这本书的案例分析部分，着实让我眼前一亮，它完全跳脱了传统设计书中那种陈旧、缺乏生命力的“完美作品展示”。我看到的是一系列贴近真实工作场景的挑战与解决方案，那些失败的尝试、遇到的限制，以及最终如何巧妙地绕开或克服这些障碍的过程，都被如实地记录了下来。这种“去神话化”的处理方式，极大地增强了书籍的实用性和说服力。不同行业的应用案例，从包装到广告，从书籍到数字界面，其跨领域的广度令人惊叹，但更让我欣赏的是，无论应用场景如何变化，作者都能提炼出其背后的通用设计哲学。它不是在教你如何复制某个特定的风格，而是在训练你的“设计思维”——如何在一个既定的限制条件下，通过合理的决策链条，达到最佳的视觉沟通效果。这种注重过程而非结果的教学思路，对于正在职业道路上探索的同行而言，是无价的宝藏。

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这本书的语言风格非常独特，它在保持学术严谨性的同时，又融入了一种近乎哲学的思辨色彩，读起来绝不枯燥，反而像是在进行一场高质量的智力对话。作者在阐述一些抽象概念时，常常会使用非常精妙的比喻，这些比喻不是为了简化内容，而是为了提升理解的维度，让那些原本深奥的理论变得可以被感知和触摸。例如，他对“视觉平衡”的描述，引用了音乐中的对位法概念，一下子就让这个静态的视觉问题活了起来，充满了动态的张力。这种将不同学科知识融会贯通的能力，充分展现了作者深厚的跨学科素养。更值得称赞的是，书中引用的参考资料和注释系统做得极其规范和详尽，这不仅是对前人研究的尊重，也为有兴趣深入钻研某一特定分支的读者，提供了坚实的学术阶梯。总而言之，这是一本能够提升读者思维层次，而非仅仅提供操作手册的卓越著作。

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