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出版者:文化艺术出版社

作者:徐琛

出品人:

页数:160

译者:

出版时间:1998-1

价格:11.80元

装帧:平装

isbn号码:9787503916182

丛书系列:中国艺术简史丛书

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史海探幽：西方艺术思想流变与现代性重塑 一部深入剖析西方艺术思潮演进、哲学根基与社会语境交织的宏大叙事。 本书旨在为读者构建一幅清晰而深刻的西方艺术思想发展图景，重点关注从古典主义的理性回归到后现代主义的解构颠覆这一漫长而复杂的历程。我们摒弃了传统艺术史中侧重风格更迭和名家名作的叙事模式，转而聚焦于“观念”如何驱动艺术的形态、媒介与社会功能发生根本性转变。 全书共分为五个相互关联的部分，层层递进，力求展现西方艺术思想在不同历史节点所面对的哲学困境、美学争论以及其对人类主体性的不断拷问。 --- 第一部分：逻各斯的回响——古典的理性与启蒙的曙光（约公元前5世纪—18世纪末） 本部分追溯了西方艺术思想的源头，探讨古希腊“模仿论”（Mimesis）如何奠定早期美学的基础，以及柏拉图的“理念论”如何影响了艺术的形而上学地位。 我们将深入分析亚里士多德的“净化说”（Catharsis）对戏剧和叙事艺术的持久影响。中世纪的神学框架如何将艺术工具化，服务于宗教教义的阐释，是本部分探讨的重点之一。 随后的文艺复兴时期，不仅仅是技术（如透视法）的复兴，更是人文主义精神对个体价值的重新确认。我们详细考察了阿尔伯蒂、达芬奇等人对“比例与和谐”的追求，这不仅仅是视觉上的平衡，更是对宇宙秩序的理性把握。 启蒙运动时期，康德的《判断力批判》构成了对美学理论的颠覆性重构。我们着重分析康德如何引入“无功利性的合目的性”这一概念，将审美体验从具体的道德或实用目的中解放出来，为现代艺术的自主性埋下了伏笔。这一时期的艺术思想，是建立在对清晰、普遍规律的信仰之上。 --- 第二部分：浪漫的激情与现代性的开端（19世纪） 19世纪是西方社会剧烈动荡的时期，工业革命的冲击、社会阶层的固化与民族主义的兴起，都深刻地反映在艺术思想的转变中。 浪漫主义的兴起，是对启蒙运动过度理性的反叛。我们探讨了卢梭关于“自然人”的理想，以及歌德、席勒等人对“情感体验”和“天才论”的推崇。艺术不再是模仿客观世界，而是成为个体内心无限情感和精神世界的投射。 本部分对现实主义和自然主义的考察，将超越对日常场景的简单记录，重点分析它们如何通过细致的社会观察，尝试揭示隐藏在表象之下的社会结构性矛盾。 最重要的转折点在于印象派的出现。我们不将印象派视为简单的光影捕捉，而是将其解读为对“瞬间性”和“主观感知”的哲学确认——客观世界是流动的、不可固定的，艺术家的任务是记录下这种转瞬即逝的主观体验。这标志着艺术史正式迈向现代主义的门槛，艺术的中心开始从描绘对象转向描绘感知过程本身。 --- 第三部分：形式的革命与自主性的确立（20世纪初—二战前） 20世纪初是艺术思想最活跃、最激进的时期。本部分集中探讨现代主义核心的“形式主义”倾向，以及艺术家如何系统性地挑战既有的视觉规范和审美标准。 野兽派的色彩解放、立体主义对时空维度的切割，以及抽象艺术的诞生，被视为一场彻底的“还原论”实验——艺术正在剥离一切外在的叙事、象征和模仿功能，回归到其最纯粹的元素：线条、色彩和平面。康定斯基和蒙德里安的思想实践，是这一阶段对“精神性”和“普遍性秩序”的最后一次宏大尝试。 达达主义和超现实主义则构成了对现代性理性承诺的颠覆与反抗。我们重点分析了弗洛伊德的精神分析理论如何被引入艺术创作，探讨“潜意识”、“梦境”和“偶然性”如何成为抵抗资产阶级理性秩序的武器。达达的“反艺术”姿态，挑战了艺术品的“神圣光环”，预示了媒介与作品界限的模糊。 --- 第四部分：大众文化与意义的漂移（二战后至1970年代） 二战后的西方艺术思想在经历了对欧洲中心主义的反思后，焦点转向了对媒介、消费社会和符号系统的批判。 波普艺术的出现，是对现代主义精英主义的直接回应。我们探讨安迪·沃霍尔如何通过对日常商品和名人肖像的复制和放大，模糊了“高雅艺术”与“低俗文化”的界限，揭示了在消费社会中，艺术品如何被彻底转化为一种商品符号。 行动艺术（Action Painting）和观念艺术（Conceptual Art）的兴起，则将重心彻底从“作品”（Object）转移到了“思想”（Idea）或“行为”（Act）上。观念艺术的核心主张——“艺术的本质在于观念本身，而非其物质载体”——是现代艺术史上的里程碑。这要求我们重新定义“艺术品”的物理存在与知识产权属性。 --- 第五部分：解构、多元与后现代的碎片化（1970年代至今） 最后一部分聚焦于后现代主义思想对现代主义宏大叙事的瓦解。 德里达的解构主义哲学对西方艺术中既有的二元对立（如原创/复制、主体/客体）进行了无情的拆解。我们分析了这些哲学思潮如何渗透到艺术实践中，导致了对“原创性”和“作者权威”的质疑。 艺术史的中心开始向边缘地带转移，身份政治、后殖民理论与女性主义艺术的兴起，挑战了长期由白人男性主导的艺术“标准”。本书探讨了这些思潮如何迫使艺术界正视其内在的权力结构和被压抑的声音。 最终，我们总结了当代艺术领域中媒介的无限可能性与意义的相对性。从装置艺术对空间经验的重塑，到数字艺术对虚拟现实的探索，艺术思想正处在一个高度碎片化、不断自我指涉的复杂状态中，寻求在意义缺失的时代中重新建立联系的可能性。 --- 本书的贡献在于，它不讲述“什么艺术是重要的”，而是追问“为什么在特定历史时刻，人们会认为某种艺术思想是合理的”。它是一部关于“思考如何成为艺术”的历史。

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这本《中国绘画史》如同一扇窗，让我得以窥探中华文明数千年的艺术脉络。从史前岩画的粗犷神秘，到魏晋南北朝时期的神思玄远，再到隋唐的辉煌盛世，以及宋元的文人风雅，直至明清的世俗万象，每一章节都像一位技艺精湛的导游，娓娓道来。我尤其惊喜于作者对于早期绘画材料和技法的细致考证，比如对于毛笔材质、墨色运用、以及不同时期绘画纸张和绢帛的演变，都进行了深入浅出的阐释，让我对古人的创作过程有了更为直观的理解。书中对绘画风格的流变也分析得鞭辟入里，比如从顾恺之“以形写神”的哲学思辨，到阎立本“写真”的严谨写实，再到张萱、周昉仕女画的细腻柔美，吴道子“吴带当风”的飘逸洒脱，无不展现了中国绘画艺术的独特魅力和阶段性发展。更让我赞叹的是，作者并没有将艺术史简单地视为绘画技法的堆砌，而是将其置于宏大的历史文化背景中，深入探讨了绘画与哲学、宗教、政治、社会生活的紧密联系。比如，佛教传入对魏晋南北朝绘画的影响，文人阶层的兴起如何催生了水墨写意的发展，科举制度对画院艺术的规训等等，都让我在欣赏艺术的同时，也对中国古代社会有了更深的认识。随书附赠的大量高清彩图，更是为我的阅读体验增添了无限色彩，那些穿越时空的杰作，如今能够如此近距离地呈现在我眼前，仿佛还能感受到古人的呼吸和心跳，这种体验是任何文字描述都无法替代的。

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《中国绘画史》这本书为我打开了一扇通往古老中国艺术宝库的大门，它的内容之丰富、考证之严谨，令人印象深刻。作者并没有回避那些被学界广泛讨论的争议性问题，而是以一种客观、理性的态度，将不同的学术观点呈现出来，并加以分析，让读者能够更全面地认识历史。例如，在探讨中国绘画的起源时，书中对比了考古发现的岩画、陶器纹饰与甲骨文中的图像符号，并分析了它们在中国早期绘画形成过程中的作用，这种对源头的追溯，让我对中国绘画艺术的生命力有了更深的敬畏。书中对中国古代绘画“师法自然”的理念也做了深刻的阐释，并且通过对不同时期山水画、花鸟画作品的分析，展示了画家如何从自然中汲取灵感，并将其转化为艺术语言。我特别欣赏作者在分析作品时，不仅仅局限于视觉形式，还会结合当时的文学、哲学、宗教思想，来解读绘画所要传达的深层含义。比如，对宋代宫廷画院中“院体画”的分析，不仅介绍了其精谨的技法，还探讨了这种绘画风格与皇帝的审美趣味、政治需求之间的关联。这本书的结构安排也非常合理，从史前到近现代，时间跨度大，但每个时段的论述都紧凑而有条理，使得我对中国绘画的整体发展脉络有了清晰的认知。

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我之所以会购买这本《中国绘画史》，很大程度上是被它所承诺的“系统性”和“深度”所吸引。阅读下来，它确实没有辜负我的期望。与其他一些流于表面的绘画史读物不同，这本书在对每个时期绘画特点的梳理上，都力求详尽和严谨。例如，在探讨宋代山水画时，作者不仅详细介绍了范宽、郭熙、李唐等大家的作品风格，还深入分析了他们所处的时代背景，如理学思潮对山水画“天人合一”思想的影响，以及城市经济发展如何催生了市民阶层的审美趣味，进而影响了绘画的题材和表现方式。对于不同流派的区分，作者也进行了清晰的界定，例如将北宋的全景式山水与南宋的“截然”之景做了鲜明的对比，并解释了这种风格转变背后的社会动因。更让我印象深刻的是，书中对每一位重要画家的人物生平和创作理念都有深入的挖掘，比如对唐代画家孙位的考证，以及对元代书画家赵孟頫的艺术思想和实践的分析，都展现了作者扎实的学术功底。此外，该书在材料运用上也非常考究，不仅涵盖了绘画作品的介绍，还穿插了对当时画谱、画论、绘画工具的论述，这为理解中国绘画的物质基础和理论指导提供了宝贵的参考。尽管有些章节涉及的绘画理论和哲学思想较为深奥，但我发现作者通过引述大量原始文献和深入浅出的解读，使得这些内容也变得易于理解和吸收。它不是一本简单地罗列画家和作品的书，而是一部引导读者深入理解中国绘画精神内核的学术著作。

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我一直觉得，要真正理解一个民族的文化，艺术是最直接、最生动的载体之一，《中国绘画史》这本书无疑是一部绝佳的向导。它让我看到了中国绘画在漫长的历史长河中，是如何承载和反映不同时代的精神风貌和审美追求的。书中所展现的从早期粗犷质朴的符号化描绘，到春秋战国时期人物故事的叙事性表达，再到汉代帛画和墓室壁画的色彩斑斓与想象力，无不诉说着那个时代人们的精神世界。特别是对魏晋南北朝时期“以形写神”理论的探讨，让我明白了中国绘画不仅追求外在的形似，更注重内在的精神气质的表达，这与西方绘画的写实传统有着显著的不同。书中对每一位艺术家的介绍，都不仅仅是列举作品，更侧重于挖掘他们艺术思想的形成过程，以及他们对后世绘画风格的深远影响。例如，作者对顾恺之、陆探微、张僧繇“三绝”的评价，以及对王维、湿润等文人画家的艺术理念和实践的分析，都让我对中国绘画的艺术品格有了更深刻的理解。书中对山水画、人物画、花鸟画等不同题材的梳理，也让我看到了中国画家在各个领域所取得的辉煌成就。而且，作者的语言风格非常平实，没有过多的学术术语，使得我这个非专业人士也能够轻松地阅读和理解。

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《中国绘画史》这本书为我提供了一个全面而深入了解中国绘画发展的视角。作者在梳理各个时期绘画特点的同时，也非常注重对绘画背后文化、哲学、社会背景的探讨，这种宏观与微观相结合的写作方式，使得整本书既有学术的严谨性，又不失阅读的趣味性。我尤其喜欢作者在介绍中国绘画的“写意”精神时，是如何从早期水墨技法的萌芽，到宋元时期文人画的兴盛，再到明清时期各种流派的融合，层层递进地展示了这种独特的艺术理念是如何在中国绘画史上生根发芽、枝繁叶茂的。书中对明清时期绘画的论述也非常细致，不仅涵盖了沈周、文徵明、唐寅、仇英等“明四家”，还详细介绍了董其昌的“南北宗论”对后世的影响，以及扬州八怪的特立独行。作者在分析这些作品时，往往能够结合当时的社会政治状况、文人阶层的生活方式以及个人的人生经历，从而揭示出绘画作品的深层含义。这本书的语言流畅自然，即使是对于一些较为复杂的理论，作者也能用通俗易懂的方式进行阐释，让非专业读者也能轻松理解。随书附赠的大量高清图片，更是为我的阅读体验增色不少，那些穿越千年的艺术杰作，如今得以如此清晰地呈现在我眼前，让我仿佛置身于那个艺术的黄金时代。

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当我翻开这本《中国绘画史》，我仿佛踏上了一段穿越时空的艺术之旅。作者以其深厚的学识和敏锐的洞察力，为我呈现了一幅波澜壮阔的中国绘画发展史画卷。从史前时期那些神秘莫测的岩画，到商周时期青铜器上的纹饰，再到春秋战国时期墓葬中的壁画，我都看到了中华民族早期艺术的萌芽与探索。书中对汉代绘画的论述尤为精彩，作者详细介绍了汉代墓室壁画中丰富的题材，如历史故事、神话传说、日常生活等，并分析了这些壁画所反映的当时社会生活和人们的精神信仰。对于魏晋南北朝时期，书中对玄学思潮如何影响绘画产生了深入的探讨，以及名士风流如何在人物画中得到体现，让我对那个时代的绘画风格有了更深刻的理解。唐朝作为中国绘画的鼎盛时期，书中对阎立本、吴道子、张萱、周昉等大师的介绍，让我领略了唐代绘画的雍容华贵、雄浑奔放和细腻柔美。特别是对吴道子“吴带当风”的描述，更是将他的艺术魅力表现得淋漓尽致。宋代是中国绘画的又一个高峰，书中对山水画的论述，特别是对范宽、郭熙、李唐等人的作品分析，让我感受到了宋代文人对自然精神的追求。总而言之，这本书是一部内容详实、分析透彻的中国绘画史著作，它不仅让我欣赏到了精美的艺术品，更让我对中国传统文化有了更深入的认识。

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我之所以选择购买这本《中国绘画史》，是因为我一直对中国古代的艺术充满好奇，而这本书的介绍似乎涵盖了从古至今的绘画发展脉络，这正是我所需要的。阅读过程中，我惊喜地发现，作者不仅对各个时期的绘画风格进行了详尽的梳理，还对这些风格的形成原因、代表人物以及作品特点进行了深入的分析。例如，在介绍宋代绘画时，书中详细阐述了宋代“理性”美学观对绘画创作的影响，以及士大夫阶层对山水画的推崇，这使得我能够理解宋代山水画为何能够达到如此高的艺术成就。书中对中国绘画“写意”精神的阐释尤为独到，作者通过对水墨技法的发展、文人画的兴起以及哲学思想的融合，深入剖析了中国画家如何在笔墨之间表达内心的情感与意境，这让我对中国绘画的独特魅力有了更深的认识。此外，书中还涉及了许多关于绘画材料、绘画工具以及绘画理论的讨论，这些内容为我理解中国绘画的物质基础和理论指导提供了宝贵的参考。作者的语言风格也十分流畅，即使是对于一些较为专业的艺术理论，也能用通俗易懂的方式进行阐释，让我在享受阅读乐趣的同时，也能够获得丰富的知识。

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《中国绘画史》这本书为我提供了一个系统学习中国绘画艺术的绝佳平台。作者以其渊博的学识和严谨的态度，将中国绘画数千年的发展历程梳理得条理清晰、内容丰富。从史前时期的神秘符号，到汉代的帛画与墓室壁画，再到魏晋南北朝时期的玄学意趣，每一阶段的绘画都得到了细致的解读。我特别欣赏书中对唐代绘画的论述，作者不仅介绍了阎立本、吴道子等大师的代表作，还详细分析了唐代绘画所展现出的自信、开放、多元的时代精神，以及对后世绘画的深远影响。书中对宋代山水画的分析也让我印象深刻，作者不仅介绍了范宽、郭熙、李唐等大家的作品特点，还深入探讨了他们所处的时代背景和哲学思想，让我明白了宋代山水画为何能够达到如此高的艺术境界。此外，书中对明清时期绘画的梳理也非常全面，涵盖了文人画、院体画、民间绘画等多种类型，让我看到了中国绘画在不同社会阶层和文化背景下的多样发展。作者的语言风格平实而又不失深刻，即便是初学者也能轻松阅读和理解，而且书中附带的大量高清图片，也为我的阅读体验增添了无限的色彩，让我能够直观地欣赏到这些艺术瑰宝。

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作为一名对中国古代艺术抱有浓厚兴趣的普通读者，我希望找到一本既有学术深度又不失可读性的入门读物，《中国绘画史》在这方面做得相当出色。它从非常宏观的视角切入，将数千年的中国绘画发展置于中国历史文化的宏大叙事之中，使得我能够清晰地看到艺术是如何随着社会变迁而演变的。书中对不同朝代绘画的划分清晰明了，从先秦的神秘图腾，到汉代的帛画与墓室壁画，再到魏晋的玄学氛围与人物画的独立，每一步都衔接得自然而有逻辑。我特别喜欢作者在介绍各个时期代表性画家时，不仅仅停留在作品的风格描述，还会穿插一些有趣的轶事和传说，这使得枯燥的学术内容变得生动有趣，比如关于顾恺之“画龙点睛”的典故，抑或是唐伯虎的才情与命运，都为这些艺术大师增添了几分人格魅力。书中对工笔画和写意画的演变也做了详细的梳理，从早期青绿山水的色彩浓郁，到宋代水墨写意的意境深远，再到明清时期设色与水墨的融合，展现了中国画家在追求写实与写意之间的不断探索和创新。阅读过程中，我常常会因为书中对某个作品的精准评价而产生共鸣，或者因为对某个画家生平的了解而对他的作品有了新的解读。这本书就像一位循循善诱的老师，引领我一步步走进中国绘画的世界，让我看到了其中蕴含的深厚文化底蕴和不朽的艺术精神。

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作为一名业余艺术爱好者，我一直希望能找到一本既能满足我求知欲，又能让我感受到中国绘画之美的图书，而这本《中国绘画史》恰恰满足了我的期待。它并非一本简单罗列画家生平与作品的“工具书”，而是将中国绘画的发展视为一部流动的史诗，将艺术的演变与社会历史、思想文化的变迁紧密相连。作者在对每个时期绘画风格的梳理上，都展现了其扎实的功底，例如，在论述唐代人物画时，不仅分析了阎立本的工整严谨，也展现了吴道子的奔放洒脱，以及仕女画的细腻柔美，这些不同风格的并存，恰恰体现了唐朝开放包容的时代精神。书中对山水画的演变分析更是让我受益匪浅，从北方山水的雄浑壮阔，到南方山水的秀丽清雅，再到宋代“可行、可望、可游、可居”的理想化山水，以及元代文人山水的抒情写意，作者将这些山水画的风格变化与中国人的自然观、哲学思想紧密结合，让我对中国传统山水画的内涵有了更深的理解。每当读到某个画家或某幅作品时，书中都会附带精美的插图，让我能够直观地欣赏到这些艺术瑰宝，并对照文字描述来深化理解。总而言之，这是一本值得反复阅读、细细品味的中国绘画史读物，它不仅让我领略了中国绘画艺术的博大精深，也让我对中华民族的文化传统有了更深的感悟。

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