具体描述
本书是“服装高等职业教育教材”中的一本,内容共分七章,由
服装色彩和服装图案两部分组成。分别从色彩的基础知识、色彩在
服装中的应用、服装的配色美、服装色彩设计、流行色与服装、图案
的基础知识、图案在服装中的应用、平面的服装纹样、立体的服装
图案等方面进行较为详细的论述,既有一定深度的专业理论,又有
大量与现代服装密切相关的实例,并配以较多的插图与文字结合,
形象、生动、易懂、实用,有较强的可操作性。每章结束后还附有较
多的思考题和练习题,供学习和教学之用。
本书知识面广,信息量大,不仅可以作为“高职”的教材,也是
服装设计专业人员更新知识,提高业务水平的理想读物。对服装专
业其他层次的教育,也是一本有用的参考书。
作者简介
目录信息
第一节 色彩的基础知识
一、色彩的分类
二、色彩的基本属性
三、色彩的表示方法
第二节 色彩在服装中的作用
一、色彩在服装中的情感作用
二、色彩在服装中的功能作用
三、色彩在服装中的象征作用
第二章 服装的配色美
第一节 配色美原则
一、色彩调和的配色美原则
二、统调的配色美原则
三、均衡的配色美原则
四、秩序的配色美原则
五、环复的配色美原则
六、新潮的配色美原则
第二节 色彩的对比与协调
一、色彩的对比
二、色彩的协调
第三章 服装色彩设计
第一节 服装色彩的构思
一、灵感和启示
二、服装色彩的构思
第二节 服装色彩的情调与表现
一、服装色彩的情调
二、色彩情调的表现手法
第三节 配色方法的选用
一、常用配色方法
二、更新配色方法
第四节 色彩的布局
一、色彩的面积对比
二、色彩的分布形式
第五节 服装色彩应用的制约条件
一、肤色、发型、体型与服装配色
二、美容化妆风格与服装配色
三、服装面料与服装色彩
第四章 流行色与服装
第一节 流行色
一、流行色的形成
二、流行色的配色方法
第二节 流行色在服装服饰上的运用
一、注意季节变化
二、区分各种具体环境中的服色
三、不同类型的人对服色的需求
四、注意流行色卡上的有关说明
五、流行色和常用色的关系
第五章 图案概述
第一节 图案的概念和特点
一、图案的概念
二、图案的艺术特点
三、图案的分类
第二节 基础图案与服装图案
一、基础图案概述
二、服装图案概述
第六章 基础图案知识
第一节 图案形式美的原理法则
一、关于形式美
二、图案形式美的根本原理
三、图案形式美的组织原则
四、图案形式美的基本法则
第二节 图案的造型与造意
一、图案造型的种类
二、图案造型的方法
三、图案的造意
第三节 图案的构成
一、单独式纹样
二、连续式纹样
三、装饰构图
四、图案的构成与构思
第四节 肌理图案
一、肌理图案的概念
二、肌理图案的特点
三、肌理图案的表现技法
第七章 服装图案
第一节 服装图案的发展与表现内容
一、服装图案的发展历程
二、服装图案的表现内容
第二节 平面的服装图案
一、印花纹样
二、织花纹样
三、绣花纹样
四、其他工艺纹样
第三节 立体的服装图案
一、图案与服装造型
二、服装造型图案
三、服饰造型图案
四、立体装饰图案
五、平面图案的立体效果
附录
附录一 不同国家或地区对色彩(或图样)的爱好、禁忌
附录二 我国部分民族对色彩的喜爱、禁忌
附录三 各类服装对色彩的要求
参考文献
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
这本书的内容深度远远超出了我对一本行业教科书的预期。首先,它在理论框架的构建上极为扎实,绝非简单地罗列流行色板或花纹样式。作者似乎花费了大量的精力去梳理色彩心理学与文化符号学的交叉点,使得每一个色彩选择都背后有坚实的理论支撑,而不是凭空臆断。比如,书中对“靛蓝”在不同历史时期,尤其是在工业革命后期的象征意义的探讨,细致入微,甚至引用了早期纺织品贸易的文献佐证。对于图案部分,它没有局限于平面设计,而是深入到面料组织结构如何影响最终视觉效果,例如提花工艺对光影反射的微妙影响,这一点对于想深入理解服装三维立体感的读者来说,简直是宝藏。我尤其欣赏它对“非物质文化遗产”中图案元素的现代化转译的案例分析,那种既尊重传统又敢于创新的态度,让人在学习技法的同时,也受到了审美层面的深刻熏陶。可以说,这本书为我提供了一个看待服装设计美学的全新、更具批判性的视角,不再仅仅停留在“好看”的层面,而是进入了“为什么好看”的哲学思辨。
这本书最让我印象深刻的是它对“地域性”和“时间性”在服装色彩和图案演变中的作用的深度剖析。它没有将目光局限在西方主流时尚史,而是用大量的篇幅去探讨了丝绸之路沿线,以及热带雨林文化中特有的色彩体系。例如,书中详细对比了西非蜡染(Batik)与印度尼西亚蜡染在图案逻辑和染料选择上的根本差异,不仅仅是展示成品,更重要的是解析了支撑这些图案背后的社会结构和自然环境的约束力。这种宏大的视角让我意识到,服装的美感绝不仅仅是设计师的个人意志,而是历史、地理和人群集体意识的复杂投影。特别是关于“适应性色彩”那一章,作者探讨了在特定气候和光照条件下,人类如何“进化”出对某些色彩组合的偏好,这简直是打开了新世界的大门。它促使我重新审视自己过去的设计习惯,思考我的作品是否过于“脱离土壤”了。
我必须指出,这本书在叙事风格上的跳跃性很大,这既是它的优点,也可能成为一些初学者的门槛。它的前半部分像是一篇严谨的学术论文,引经据典,论证严密,读起来需要高度集中注意力。但是,一旦进入中后段,比如讨论到当代新锐设计师的作品分析时,语言风格突然变得极其自由和富有煽动性,充满了对设计语言的激情解读。这种风格的切换,虽然让内容保持了新鲜感,但偶尔会让人感觉前后的逻辑衔接不够平滑。例如,上一页还在严肃地分析文艺复兴时期服饰的色彩构成,下一页就用非常口语化的方式去评价某位街头潮牌的配色大胆。不过,从另一个角度看,这种不拘一格的表达,反而更贴合服装设计这种既需要科学分析又需要艺术直觉的学科本质。对于有一定基础的进阶读者来说,这种多层次的对话方式反而更有启发性。
这本书的实用性强到让人有些意外,原本以为会是大量晦涩的理论堆砌,结果它更像是一本手把手的实战指南。特别是关于“色彩搭配的冲突与和谐”那一章节的处理方式,简直是教科书级别的案例拆解。它不是简单地给出“冷暖搭配”的通用规则,而是针对特定面料(比如丝绸的光泽度和羊毛的粗粝感)如何影响相邻色彩的饱和度,提供了极为具体的修改建议。我特别留意了其中关于“色彩在动态中的变化”的讨论,书中通过大量真人模特在不同光照环境下的照片对比,直观地展示了荧光灯、自然光和舞台灯光下,同一套服装色彩的实际视觉差异。这对于我们在进行秀场造型设计或摄影搭配时,避免“见光死”的窘境提供了极其宝贵的经验。此外,书中附带的那个关于“图案肌理化处理”的附录,简直是设计师的救命稻草,它详细解释了如何利用数码印花技术去模仿传统织物的复杂纹理,实用性极强,值得反复研读和操作。
读完这本书,我感觉像是完成了一次高级定制时装的“幕后之旅”,它揭示了色彩与图案设计中那些不常被提及的“工程学”和“伦理学”问题。这本书里对于“可持续性”和“色彩的持久性”的讨论,远比市面上其他环保主题书籍要深刻得多。它不是停留在呼吁使用环保染料的口号层面,而是具体分析了不同天然色素在水洗、日晒和摩擦后的色牢度差异,并提供了针对性的处理方案。更具颠覆性的是,书中讨论了色彩的“伦理风险”,比如某些图案的重复使用是否构成了文化挪用,以及在设计中如何平衡商业化需求与知识产权的尊重。这种对行业深层次问题的关注,使得这本书超越了单纯的技术手册范畴,上升到了一种行业责任感的培养。我发现,优秀的设计师不仅需要有敏锐的眼睛,更需要有一份审慎的良知,而这本书,无疑是在塑造后者。