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出版者:国际文化出版公司

作者:周伟

出品人:

页数:335

译者:

出版时间:1996-07

价格:68.00

装帧:平装

isbn号码:9787801054715

丛书系列:

图书标签:

• 古典吉他
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《指尖上的巴洛克：吉他演奏技巧与音乐风格解析》 内容提要： 本书旨在为具备一定古典吉他基础的学习者提供一个深入探索演奏技巧、拓宽音乐理解的进阶指南。不同于侧重基础指法的入门教材，《指尖上的巴洛克》聚焦于十九世纪中叶至二十世纪初，乃至更早期的演奏实践与审美取向。本书将巴洛克时期（Baroque）的音乐语言——特别是其对复调处理、节奏律动（Affekt）的理解，与十九世纪浪漫主义的表达深度相结合，探讨如何在古典吉他这一乐器上实现对不同历史时期音乐的准确诠释。 第一章：拨弦的哲学——音色控制与发声原理的深度剖析 本章将深入研究指甲与指肉在拨弦过程中产生的物理交互，并探讨如何通过微调拨弦角度、力度分布，实现从“透明的”、“空气感的”音色到“集中的”、“穿透力的”音色的瞬间转换。我们将详细解析“自由拨弦”（Tirando）与“靠弦拨弦”（Apoyando）在不同音乐语境下的适用性，不再停留在基础区分，而是探讨它们如何影响乐句的连贯性与对比性。 1.1 音色的谱面化： 如何将抽象的音色描述（如“温暖”、“尖锐”）转化为可执行的指法标记。我们引入一套量化的指标，用于评估指尖触弦的“接触时间”与“释放速度”，并提供针对性的练习来训练乐手对这些参数的精准控制。 1.2 颤音的结构与应用： 颤音（Tremolo）是吉他表现力的重要组成部分，本章将重点解析不同作曲家（如塔雷加、普格罗尔）颤音手法的细微差异，并提供针对性练习，以确保颤音不仅是速度的堆砌，更是情绪的承载。特别是对巴洛克对位作品中，如何用颤音来模仿大提琴或小提琴的持续音效果。 第二章：对位法的视觉化——巴洛克作品在吉他上的结构重构 巴洛克音乐，特别是J.S.巴赫的作品，以其严谨的对位结构著称。吉他作为单旋律乐器，如何有效地表现多声部之间的独立性与相互对话，是本章的核心挑战。 2.1 声部分离的视觉与听觉训练： 我们将通过分析路特琴（Lute）和维厄埃拉琴（Vihuela）的改编谱例，学习如何“想象”出不存在的声部。这要求演奏者在指法上做到明确的“声部标记”——例如，用更靠里的指尖拨奏低音声部以增加其重量感，同时保持高音声部线条的清晰。 2.2 节奏的“呼吸”： 巴洛克音乐强调持续的运动感（Motor Rhythm）。本章提供了一系列关于如何处理装饰音（如颤音、回音指法）与主要旋律线的关系的方法。装饰音不应被视为中断，而应被视为节奏脉搏的自然延伸，以确保整体的律动感不被削弱。 第三章：浪漫主义的沉思——力度层次与情感的微妙铺陈 十九世纪的浪漫主义作品，如索尔、阿尔贝尼兹或塔雷加的作品，要求演奏者具备更加细腻的情感表达能力。这不仅仅关乎强弱的对比，更在于“渐强”与“渐弱”过程中音色的内在变化。 3.1 动态标记的再解读： 对于“p”或“ff”等力度记号，我们不再视为绝对值，而是相对值。本章引入“情感强度曲线”的概念，指导学习者如何根据乐曲的整体结构，动态调整每个力度标记的实际音量，以服务于乐句的最高潮。 3.2 延迟与推进： 浪漫主义的“自由速度”（Rubato）是衡量演奏成熟度的重要标准。本章详细区分了“装饰性Rubato”（服务于旋律线条的微小加速与减速）与“结构性Rubato”（服务于和声解决或乐句划分的较大停顿）。我们通过分析多位著名吉他大师对同一段落的处理录音，归纳出不同Rubato风格的内在逻辑。 第四章：织体与和声的对话——吉他的音域拓展与色彩运用 吉他虽然和弦饱满，但其和声的“色彩”变化，更多依赖于对音域的精心布局。 4.1 跨弦与指位跳跃中的连贯性： 探讨如何在大幅度的指位移动中，保持旋律线条的平滑过渡。本章提供了针对大跨度和弦转换的“预判性指尖准备”练习，确保换把时的音色衔接自然，避免出现断裂或“刺耳”的过渡音。 4.2 踏板效果的模拟： 探讨如何通过对泛音、琶音（Arpeggio）的精妙安排，模拟钢琴踏板的延音与和声的融合效果。例如，在西班牙风格作品中，如何通过对低音的轻微延迟拨奏，来增强和弦的“共振感”，而非仅仅是机械地分解和弦。 结语： 本书旨在引导学习者超越“学会弹奏”的阶段，进入到“理解音乐的语言”的境界。掌握这些精细的演奏技巧与历史风格的理解，将使演奏者能够在古典吉他这一乐器上，实现对复杂音乐思想的自由表达。 --- 适用读者： 已掌握基本读谱能力和基础指法，希望在演奏技巧和音乐诠释深度上寻求突破的中高级吉他学习者、音乐专业学生。

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我向来对那些厚厚一本、内容空洞的教材持保留态度，但《古典吉他演奏教程》的每一页都让我觉得物超所值。它的配套资源也做得非常棒，扫码就能获取音频示范，这一点对于判断自己弹奏的节奏和音准是否准确至关重要。我发现，很多时候光看谱子是体会不到演奏者对速度和重音的微妙处理的，有了配套音频，学习效率瞬间翻倍。我尤其欣赏书中对不同历史时期古典吉他曲目的选择，它不仅仅是挑选名曲，而是精心挑选了那些最能体现某一特定技巧或风格的作品，让学习过程本身就充满了音乐的魅力。通过这本书，我对巴赫、索尔、塔雷加等大师的作品有了更深层次的理解。它引导我从模仿走向了思考，让我明白学习古典吉他不仅仅是掌握技巧，更是一场与西方音乐文化历史的深度对话。

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这本《古典吉他演奏教程》简直是为我这种刚入门的吉他爱好者量身定做的！我之前只接触过一些零散的网络视频，感觉杂乱无章，学起来毫无头绪。直到我拿到了这本教材，那种踏实感立刻涌上心头。首先，它的编排逻辑性极强，从最基础的持琴姿势、手指独立性练习开始，循序渐进地引入了不同的技巧。我尤其欣赏它对右手拨弦技巧的细致讲解，什么轮指、琶音，书里用清晰的图示和文字描述，甚至连拨弦的角度和力度都有所提及，这比我之前盲目模仿视频要有效率得多。我发现，按照书里的步骤练习下来，我的音色清晰度和连贯性都有了显著提升。而且，它收录的练习曲目难度递增设计得非常合理，不会让人产生畏难情绪。比如，初级的练习曲目旋律优美，弹奏起来很有成就感，这极大地激发了我继续学习的热情。我感觉这不仅仅是一本教程，更像是一位经验丰富的老师在我身边手把手地指导，让人感觉每一步都走得很稳健。

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这本书给我的最大感受就是“全面”和“实用”。很多教程只关注技巧，却忽略了学习者在实际演奏中可能遇到的各种突发情况。这本书在这方面做得非常到位。它不仅有大量的练习曲，还非常细致地讲解了如何阅读和理解乐谱上的表情记号——那些小小的意大利文单词，以前我常常忽略它们，现在才知道它们对音乐情感表达有多关键。此外，它还特别辟出了一章来讨论舞台表现和演奏心理建设。这太贴心了！我上次在小型音乐会上就因为紧张导致失误连连，书中提供的那些关于呼吸控制和心理放松的小窍门，我试了试，感觉对缓解紧张有立竿见影的效果。这本教程的视野跳出了单纯的技巧训练范畴，真正站在一个演奏者的角度来构建学习体系，让人感到非常贴心和受用。

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作为一名已经有几年琴龄的“老手”，我购买这本书的初衷是想系统地纠正我的一些老毛病，特别是关于左手按弦的稳定性和换把的顺畅度。这本书的“进阶技巧突破”章节简直是为我这种瓶颈期的人准备的“特效药”。它没有泛泛而谈，而是针对性地列出了一系列高难度的练习模块，比如复杂的连音技巧和对位法的练习。我尝试了书中推荐的几个关于“横按的力度控制”的练习，确实发现自己以前在按弦时存在不均匀的发力问题。更让我惊喜的是，它还涉及了一些关于吉他构造和维护的小知识，这对于延长乐器寿命、保持最佳音色状态非常有帮助。这本书的深度和广度都出乎我的意料，它成功地架起了一座从“会弹”到“精通”的桥梁。对于那些想挑战更高难度曲目或者准备考级的学习者来说，这本书的价值是无可替代的。

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说实话，我本来以为这么专业的“古典吉他”教程会充斥着晦涩难懂的术语，读起来会非常枯燥，但我完全错了。这本书的作者显然深谙教学之道，他用非常生动和人性化的语言来解释那些复杂的乐理知识和演奏概念。比如，在讲解“音准与和弦色彩”那一部分时，作者引用了一些古典音乐史上的小故事来阐述不同时期对音色偏好的演变，这使得枯燥的理论知识瞬间鲜活了起来。我喜欢它对音乐表达的强调，它不只是教你“怎么弹”，更重要的是教你“为什么要这样弹”。书中穿插着对一些著名演奏家风格的简要分析，这对我理解如何赋予乐曲灵魂很有启发。我感觉自己不再是机械地移动手指，而是开始真正地与乐器进行对话。书中的排版设计也很考究，大量的五线谱和指法图并置，视觉上一点都不累人，让人愿意沉下心去啃那些“硬骨头”。

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