当代中国画技法.赏析:曾宓水墨山水画创作 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:接力出版社

作者:申少君

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1993-03

价格:39.0

装帧:平装

isbn号码:9787805815268

丛书系列:

图书标签:

• 中国画
• 水墨画
• 山水画
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当代中国画技法：水墨山水画的传承与创新 书籍简介 本书旨在深入探讨当代中国画在水墨山水领域中的发展脉络、核心技法以及创新实践。全书内容涵盖了从传统笔墨基础的扎实训练到当代艺术观念的融合应用，力求为学习者和研究者提供一个全面、系统的参考指南。 第一部分：水墨山水画的根基与传承 一、笔墨精神的再认识：从古法中汲取能量 本部分首先回归中国画艺术的哲学本体——笔墨。我们探讨了笔墨不仅仅是技法工具，更是画家情感和宇宙观的载体。 线条的生命力： 细致分析了“十八描”等传统勾勒技法在当代语境下的应用与变异。重点研究了篆、隶、楷、行、草入画的理论基础，以及如何通过线条的粗细、干湿、轻重变化，表现山石、树木的不同质感与生命状态。我们不拘泥于对古人技法的简单模仿，而是探究其背后的用笔逻辑和精神内核。 墨法的层次构建： 墨分五色，这是水墨画区别于其他绘画形式的关键。本章详述了“积墨”、“破墨”、“泼墨”等核心墨法在处理空间层次、光影变化和氛围营造上的具体操作。我们特别关注了如何利用现代化工墨、宣纸特性的差异，来达到传统技法难以企及的肌理效果。例如，如何控制水分的渗透速度，以产生自然晕化的“洇化”效果，模拟云雾缭绕的东方意境。 皴法的当代转型： 皴法是塑造山石体积感和表现地貌特征的主要手段。书中系统梳理了披麻皴、斧劈皴、荷叶皴等传统皴法，并着重分析了当代画家如何将这些技法“活化”。讨论了将西方素描中的光影结构与传统皴法相结合，以增强山体结构的立体感和现实可信度，同时保持水墨的写意精神。 二、取景与构图的现代视角 当代山水画的题材选择和布局方式已不再局限于传统的“三远法”（高远、深远、平远）。 空间重构与视角转换： 探讨了受现代摄影和电影语言影响下的构图变化。分析了如何运用碎片化构图、多点透视或极端俯仰视角来打破传统中轴对称的布局，以适应现代人对复杂空间信息的接收习惯。 “意境”的当代表达： 意境是中国山水画的灵魂。本节侧重于如何在描绘当代景观（如城市、工业遗迹、高速公路）时，依然能传达出宁静、深邃或批判性的东方哲学意蕴，而非仅仅是客观记录。 第二部分：当代技法探索与材料革新 三、拓展水墨的语言边界 当代艺术思潮推动了水墨材料和技法的实验性发展。 材料的跨界运用： 深入研究了非传统水墨材料的介入，如矿物颜料的加入对墨色稳定性和视觉冲击力的影响；丙烯、油画媒介剂在宣纸上的实验性使用，以及如何保持其与传统水墨的和谐共存。 肌理的雕塑化处理： 探讨了如何通过刮、擦、拓印、拼贴等非绘画性手法，在二维平面上创造出强烈的物质感和三维空间感。例如，通过厚涂墨汁并趁湿快速刮除，模拟风蚀岩石的粗粝质感。 色彩在水墨中的审视： 尽管以水墨为主，但对色彩的运用也进行了审慎的讨论。分析了“浅绛山水”的色彩原理，以及当代画家如何运用极少量、高饱和度的矿物色，在黑白灰体系中点亮画面，赋予作品新的情绪张力。 四、数字化时代下的笔墨对谈 本章探讨了数字技术对传统水墨创作带来的挑战与机遇。 数字化辅助创作流程： 分析了画家如何利用扫描、数位板进行草稿设计、色彩实验，甚至是对传统画作进行局部重构，作为工作室创作的辅助手段。 “数字水墨”的界限与未来： 讨论了将传统笔触特征数字化建模后，在屏幕上进行的创作行为，以及这种新形式在保持“水墨感”的同时，如何拓展其表现力。 第三部分：风格的形成与艺术家的个体化表达 五、从模仿到自我的蜕变过程 艺术风格的形成是一个从学习规律到打破规律的过程。 个案分析的启示： 本节通过对多位具有鲜明个人面貌的当代水墨画家的创作轨迹进行剖析，总结了他们在继承传统与开拓创新之间的平衡策略。这些分析侧重于他们如何将个人经历、哲学思考内化为独特的笔墨语言。 “写意”的当代内涵： “写意”不再仅仅是抒发胸臆，更包含对社会现实的深刻介入和对个体精神世界的精准捕捉。探讨了如何将抽象表现主义、极简主义等西方艺术思潮的某些元素，融入到写意的框架中，形成更具时代性的抒发方式。 总结：在“守正”与“出新”之间 本书的最终目的，是引导读者认识到，当代中国水墨山水画的生命力在于其持续的自我更新能力。它既需要对笔墨精神的深刻理解和坚守（守正），也需要对当下时代语境的敏锐捕捉和技法的不断试验（出新）。本书期望激发学习者在扎实掌握传统技法的基础上，勇敢地探索属于自己的、具有当代价值的水墨山水语言。

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这本《当代中国画技法·赏析：曾宓水墨山水画创作》着实让我眼前一亮。书中的排版和装帧设计非常讲究，纸张的质感也很好，拿在手里有一种沉甸甸的艺术品感觉。光是翻阅这些精美的插图，就已经是一种享受了。我尤其欣赏作者在不同篇章中对于绘画理念的阐述，那种将传统笔墨与时代精神相结合的思考，让人在学习技法之余，也能感受到深刻的艺术哲理。比如，书中对“气韵生动”的现代诠释，不再是空泛的口号，而是通过具体的案例和细腻的图解展示出来，使得我们这些业余爱好者也能窥见大师创作时内心的波澜。无论是对于初学者探索入门路径，还是对于有一定基础的画友精进技艺，这本书都提供了一个清晰而富有启发性的指引。它不是那种枯燥的教科书，更像是一位经验丰富的前辈，耐心地引导你走进水墨世界的深邃与广博。

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这本书在色彩搭配的克制与内敛上，也展现了高超的艺术水准。虽然主要探讨的是水墨画，但其中关于设色点睛的几处讲解，特别是如何运用极少量的赭石或花青来烘托墨色的主体地位，非常精妙。它强调了“墨为上”的原则，但又没有忽视辅助色对整体氛围的烘托作用。阅读过程中，我仿佛能从纸面上感受到那种清雅、幽远的东方韵味。作者在讲解过程中，总是能将看似抽象的“美学追求”转化为可以被模仿和实践的具体步骤，这对于我们这些渴望在继承中求创新的画者来说，是莫大的帮助。总而言之，这是一部融合了深厚学养与时代洞察力的绘画专著，值得反复品读和研习。

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这本书的装帧设计和图文编排的平衡性做得极其出色，让人在学习过程中保持着极高的阅读兴趣。不像有些画册，要么是技法讲解过于冗长，要么是作品欣赏部分太空洞。这里，理论的阐述紧密地与精彩的画作相辅相成。每一幅范画都配有精炼的文字说明，点明了该作品在构图、用线或墨法上的重点突破。我个人非常喜欢其中关于“意境营造”的部分，作者分享了他如何从自然观察中提取“意”，再通过笔墨转化为“象”的心路历程。这对于提升我们这些后学者对中国画“写意”精神的理解至关重要。它告诉我，绘画不仅仅是手艺的展现，更是心性的投射，读完之后，我感觉对中国传统美学的理解也提升到了一个新的层次。

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作为一名专注于水墨山水画的爱好者，我特别关注画家在处理复杂场景时的结构布局能力。这本书在这方面给予了我极大的启发。它不仅展示了宏大的全景图，更细致地拆解了不同尺幅作品中的“气脉”流动。作者对于如何通过留白来控制画面的呼吸感，以及如何利用线条的轻重缓急来引导观者的视线，都有独到的见解和详尽的示范。我发现，很多时候，我们画得“满”了，反而失了神韵。通过书中对空间处理的讲解，我开始有意识地在自己的作品中“做减法”，重点突出主体，虚化背景，使得画面更具层次感和想象空间。这种从宏观到微观，再到笔墨的细微调整，构成了一个非常完整的创作体系。

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我最近沉迷于学习中国画的用墨层次感，这本书在这方面的内容简直是宝藏。它没有停留在传统“浓淡干湿”的简单罗列上，而是深入探讨了墨分五色的微妙变化是如何通过笔触的提按顿挫来实现的。书中对“涨墨”和“破墨”技法的解析非常到位，图例中的放大细节清晰可见，甚至能看出墨在宣纸上洇开时的那种微妙的张力。我尝试着模仿书中的几种墨法布局，虽然还达不到作者那种浑然天成的效果，但至少在控制水墨的“脾气”上，有了很大的进步。特别是关于如何处理山石的皴法与墨色的结合，作者提出的一些独到见解，帮助我打破了以往那种僵硬的临摹模式，开始思考如何在继承的基础上创造属于自己的笔墨语言。这种深入到肌理层面的剖析，是许多同类书籍所欠缺的。

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