具体描述
作者简介
作者简介
尹少淳,1957年生于湖南省郴州
市。1980年从湖南郴州师范专科学校美
术系毕业后,从事过7年的中等师范学
校美术教师工作。1987年考入南京师范
大学美术系,师从著名美术教育理论家
蒋荪生教授,主修美术教育学专业,获
文学硕士学位。1990年供职于湖南师范
大学美术系,曾任副系主任和美术教育
研究室主任。1996年底调北京首都师范
大学美术系工作,现为该系副教授、副
系主任兼美术教育教研室主任。
主要学术成果有:
著作《美术及其教育》(全国教育科
学青年专项重点研究课题)
译著《美术,另一种学习的语言》
主编《美术教育译丛》
主编《跨世纪美术教育研究丛书》
主持编写全国高等师范专科学校教
科书《美术教育学》
主编《湖南省中学美术教科书》
执笔《湖南省高中美术欣赏教科
书》
目录信息
第一章 我们离不开美术
一、人的需要与美术活动的关系
二、美术的主要社会功能
第二章 认识美术
一、一个含混的历史概念
二、现代美术的分类
第三章 美术家是什么样的人
一、美术家社会地位的历史变迁
二、观念和技巧谁更重要
三、在幻想与现实世界自由走动的人
第四章 作为美术活动基础的体验与知觉
一、直接体验与间接体验
二、物理体验与心理体验
三、知觉的主动性、选择性和组织性
四、知觉转换与多歧图形
五、知觉常形与错觉
六、深度知觉
七、焦点与形态的双向照顾
八、知觉注意
九、影响知觉效果的因素
十、视知觉的方法
第五章 视觉形象的分解与组合
一、视觉元素
二、组合原则
三、不同的空间组织逻辑
第六章 形的呈现状态与历史变化
一、具象、意象、抽象
二、中西方美术中形的横向差异和纵向变化
第七章 形象负载内容的方式
一、再现
二、表现
三、象征
第八章 从表现性的角度看问题
一、形式法则之外的表现性
二、张力的形成与作用
第九章 秩序感与美术活动的关系
一、秩序感的形成与作用
二、体现秩序原则的艺术――设计
三、纯美术对秩序感的追求
四、变化中的主导性因素
第十章 美术传达的两种信息类型
一、语义信息与符号信息
二、语义信息与语义信息的同构关系
第十一章 几种精神类型在美术中的表达
一、欢愉
二、孤独
三、痛苦
四、死亡
第十二章 我们需要规范更需要创新
一、规范的一般作用
二、规范与创新的关系
三、美术创新的路径
四、几种特殊的美术创作方法
第十三章 对美术现象的风格把握
一、风格把握的意义
二、西方美术的主要风格
三、两种典型的倾向
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
这本书的叙事结构非常巧妙,它并没有完全遵循严格的时间线索推进,而是采取了一种“主题串联”的方式,在不同的历史时期和地理空间中自由穿梭,却始终紧扣着“美学表达的演变”这一核心线索。这种跳跃式的叙述,反而制造出了一种奇妙的对话感——比如将文艺复兴时期的光影处理,与十七世纪荷兰画派的室内光感进行对比分析,这种跨越时空的对话,比单纯的线性讲述更加耐人寻味。我发现自己不再是被动地接受信息,而是在作者的引导下,主动地去寻找不同艺术流派之间的潜在联系和思想的传承与断裂。这种引导式的阅读体验,培养了一种批判性观看的习惯。不过,对于一些非常基础的概念介绍,书中处理得相对简略,这也许是定位偏向进阶读者的一个信号,建议新手读者最好能同步参考一些更入门的材料辅助理解。
这本书的装帧设计真是一绝,封面那抹沉稳的墨绿色,配上烫金的书名,初拿到手就给人一种厚重而又不失典雅的感觉。内页的纸张选择也相当考究,那种略带纹理的米白色,使得即便是印刷的彩色插图,色彩过渡也显得格外柔和自然,长时间阅读眼睛也不会感到疲惫。我尤其欣赏排版上的用心之处,字体大小适中,段落间距处理得当,使得复杂的专业术语和历史年代信息,在视觉上得以清晰地分离和呈现。那些大幅面的艺术品复制图,简直就像是把博物馆搬到了眼前,即便是对细节的放大处理也锐利无比,让观者可以近距离地“触摸”到笔触和肌理。不过,我个人觉得,如果能在章节的过渡部分,加入一些更具现代设计感的留白或者图形元素来提示内容的转换,或许能进一步提升整体的阅读节奏感。但总体而言,从触感到视觉体验,这本书在实体书制作上所投入的心力,已经远远超越了一般的艺术普及读物,完全达到了收藏级的标准,让人爱不释手。
我最欣赏这本书中流露出的那种“人文关怀”。作者似乎总是在提醒我们,艺术的背后站着的是活生生的人类历史。他讲述艺术史,实际上也是在讲述人类如何面对死亡、表达爱恋、反抗压迫以及追求永恒的努力。书中的某些段落,对艺术家在战乱或贫困中的坚持描绘,读来令人动容,让人深思艺术在极端环境下所能迸发出的力量。这种将艺术融入宏大的人类境遇的视角,让这本书超越了纯粹的美学研究,带有了历史学和人文学科的厚度。这使得阅读过程不仅仅是知识的积累,更是一种精神上的共鸣和洗礼。虽然讨论的主要是西方艺术史的主流脉络,但其探讨的人类普遍情感和创作动机,是具有跨文化意义的,足以引发读者对自身文化背景下艺术现象的进一步反思,非常耐人寻味。
这本书对于“视觉语言”的拆解分析,达到了令人惊叹的细致程度。它教导读者如何去“看”,而不仅仅是“欣赏”。作者会不厌其烦地讲解构图中的黄金分割如何运用,色彩的冷暖对比如何营造情绪张力,甚至是笔触的干湿浓淡如何传递艺术家的心理状态。每一个技术名词的出现,都会伴随着清晰的图例解释,让你立刻明白理论是如何在画布上具象化的。我过去看画时,总停留在“这幅画真美”的感性层面,读完后,我学会了去解析“它为什么美”以及“美在哪里被构建出来”。这种工具书式的解析能力,极大地提升了我的艺术鉴赏能力。当然,这种深度的剖析也意味着阅读速度相对较慢,因为你会被迫停下来,反复对比图例,默默在脑海中复现作者所描述的观察角度。这是一本需要慢读、细品的佳作,急躁不得。
翻开这本书,首先感受到的是作者那股子近乎执着的求真精神。他似乎不满足于仅仅罗列“谁在什么时候画了什么”,而是深入挖掘了每件作品背后的社会土壤、哲学思潮乃至艺术家个人的心路历程。比如,在探讨某个特定时期绘画风格转变时,作者旁征博引了当时的政治气候、技术革新乃至宗教改革的影响,构建了一个极其立体的历史叙事框架。这种多维度的解析方式,极大地拓宽了读者的认知边界,让人明白艺术从来不是孤立存在的。阅读过程中,我时常会因为作者那些精妙的类比和精准的判断而拍案叫绝,他的语言充满了学者的严谨,却又不乏哲人的洞察力。唯一的“遗憾”或许在于,由于内容涉及的知识点过于密集,初次接触艺术史的读者可能需要更高的专注度来消化这些信息,但对于有一定基础的爱好者来说,这无疑是一次知识的盛宴和思维的再激活。
还是有深度的,类似于美术理论一类的书,相对浅显易懂
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