Shifting Paradigms in Contemporary Ceramics

Shifting Paradigms in Contemporary Ceramics pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:
作者:Clark, Garth; Strauss, Cindi; Adamson, Glenn
出品人:
页数:576
译者:
出版时间:2012-3
价格:$ 113.00
装帧:
isbn号码:9780300169973
丛书系列:
图书标签:
  • 陶瓷
  • 艺术理论
  • 专业
  • ceramics
  • contemporary
  • art
  • paradigm
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  • materials
  • innovation
  • design
  • technology
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具体描述

As gallerists and collectors, Garth Clark and Mark Del Vecchio have helped shape the field of ceramics by expanding notions of the medium's possibilities. This comprehensive catalogue features, for the first time in its entirety, their esteemed collection of ceramics, acquired by the Museum of Fine Arts, Houston, in 2007. These 478 works, produced by leading artists from more than twenty countries, range from functional wares and modern vessels to sculptural works and postmodern objects. Together, they represent major shifts in the techniques and aesthetics of ceramics from the mid-20th century to the present day. In compelling essays, Garth Clark and Mark Del Vecchio relate their experiences in building the collection, while other scholars examine the various facets of contemporary ceramics. With detailed entries on 125 featured works, an illustrated checklist of the collection, and artists' biographies, this book promises to be a touchstone reference. "Shifting Paradigms in Contemporary Ceramics" combines vivid new photography of the collection with personal perspectives and new research to present an in-depth look at the crucial artists, movements, and innovations in ceramics over the past seventy years.

铸就永恒:材料的内在叙事与空间重构 《铸就永恒:材料的内在叙事与空间重构》 是一部深度探索当代艺术实践中物质性、空间感知与时间性之间复杂互动的专著。本书并未将焦点置于单一媒介或既定流派,而是以一种跨学科的视角,审视了艺术创作如何通过对基础材料的深刻理解与大胆重塑,来挑战既有的美学范式和观众的认知框架。 本书的结构围绕“物质性作为主体”、“空间即媒介”、“时间作为结构”这三个核心支柱展开。我们相信,真正的创新往往潜藏于材料的“沉默”叙事之中,等待被艺术家以一种既尊重其固有属性又超越其传统界限的方式激活。 第一部分:物质的本体论——从矿物到意义 本部分深入剖析了当代艺术中材料选择背后的哲学意图。我们首先摒弃了材料作为“容器”或“支撑”的传统观念,转而将其视为具有自身历史、物理法则和潜在能量的独立实体。 第一章:惰性中的活力——对“非有机”材料的再审视。 探讨了金属、玻璃、聚合体、以及经过极端处理的自然物质(如煅烧的土壤、结晶的盐)如何在艺术家手中获得新的生命力。我们分析了材料的化学反应、热力学变化在作品最终形态中所扮演的角色,不再视之为技术难题,而是叙事的一部分。例如,氧化过程中的色彩渐变被解读为对时间流逝的视觉记录,而材料的断裂或塑性变形则象征着结构性崩塌与重生的辩证关系。 第二章:触感的政治学与经验的密度。 关注材料在引发观众身体反应上的作用。我们区分了“观看的触感”与“想象的触感”,讨论艺术家如何利用纹理的对比——粗粝与光滑、透明与晦暗、柔软与坚硬——来调动观众深藏的记忆和本能反应。特别关注了那些挑战传统“美感”定义的材料(如锈蚀的铁、未抛光的混凝土块),它们迫使观众直面物质的原始、未经修饰的真实性。 第三章:痕迹的档案学。 探讨了制造过程的残余物——工具的印记、模具的边缘、手工的颤动——如何成为作品不可分割的叙事层。这些痕迹不再是需要掩盖的“瑕疵”,而是艺术家与材料进行“对话”的证据。通过对这些物理残留物的细致考察,我们得以重建创作的动作序列,从而揭示创作主体与客体之间的张力与和解。 第二部分:空间作为共谋者——场域与感知边界的消解 第二部分将目光从个体作品转向作品与环境的动态关系。当代艺术的一个关键转向是作品不再是独立悬挂或矗立的对象,而是积极地参与和重塑其所处的空间。 第四章:维度间的缝隙——对“在场性”的重构。 讨论了艺术家如何利用光线、空气动力学和声学特性来“雕刻”空间。重点分析了那些利用极简主义的体量,在巨大空间中制造出近乎“虚无”的缺席感,从而反而凸显出观众自身的体积和存在感。这里,“空间”本身成为了一种可被体验、可被穿行的媒介。 第五章:非固定视点与流动的观看路径。 挑战了文艺复兴以来建立的以“人”为中心的固定透视法。我们考察了装置艺术和场地特定的艺术实践如何要求观众不断移动、蹲下、仰望,甚至改变身体姿态,以期获得对作品的“完全理解”。这种观看路径的设计,实质上是艺术家对观众自主性的邀请与约束。 第六章:内部的外部性——建筑隐喻与环境渗透。 分析了艺术作品如何模仿或颠覆建筑的结构逻辑。当雕塑作品的尺度达到建筑级别,或当微观的材料结构被放大到占据整个房间时,原有的室内/室外、结构/装饰的界限便被模糊了。这部分强调了作品与观众所处建筑环境之间的相互指涉和意义上的渗透。 第三部分:时间的折叠——记忆、过程与未来的预感 时间性是本书的第三个维度,它超越了作品完成的那一刻,将历史的深度和未来的可能性纳入考量。 第七章:熵的语法与形式的衰变。 深入研究了那些故意设计为随时间流逝而改变、腐蚀或瓦解的作品。这种对“不朽”艺术传统的反叛,探讨了稳定性和不稳定性的美学张力。作品的“死亡”过程被视为其生命周期中最具信息量和情感冲击力的阶段。 第八章:循环叙事与地质时间。 考察了艺术家如何从地质学、考古学和气候学的宏大时间尺度中汲取灵感。例如,利用沉积岩的形成过程来比喻社会结构的演变,或通过慢速动作的影像来稀释观众对“即时性”的依赖。这要求观众学会以一种“非人类中心”的时间感来感知艺术。 第九章:预见性的物质——对未来材料的想象。 展望了新兴的生物技术、纳米科学对艺术创作的潜在影响。我们探讨了艺术家如何通过预设材料的未来状态(例如,可自修复的聚合物、会进行光合作用的表面),来构建一种带有乌托邦或反乌托邦色彩的“未来情景”,从而引发对科技伦理和人类命运的深刻反思。 结语: 总结了物质、空间与时间三位一体的交互作用,提出当代艺术的价值不在于提供确定的答案,而在于精确地提出“如何感知”和“如何存在”的质询。 本书旨在为艺术史学家、策展人、以及所有对材料在文化语境中扮演角色的严肃思考者,提供一个深入、细致且充满洞察力的分析框架。它是一次对艺术边界的耐心勘探,旨在揭示潜藏于我们日常物质世界之下的、尚未被充分发掘的审美与哲学潜力。

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用户评价

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这本新近出版的关于当代陶艺的著作,以其前所未有的深度和广度,彻底颠覆了我对这门古老艺术形式的既有认知。作者似乎拥有穿透材料表象、直抵观念内核的能力,将那些原本散落在各个角落的、关于形式探索、材料革新以及社会语境中的陶艺实践,编织成一张精妙绝伦的理论之网。我尤其欣赏它对“后功能性”的讨论,这本书没有停留在美学层面上对器皿形态的赞颂,而是深入剖析了艺术家们如何有意地解构传统陶艺的实用性桎梏,转而将泥土视为一种承载哲学思考和批判性声音的媒介。例如,书中对那些故意制造表面缺陷、反抗完美主义的陶艺家群体的分析,细腻入微,让我开始重新审视那些我过去视为“失败品”的作品,理解它们背后蕴含的反叛精神和对工业化标准的抵制。这种对创作动机的深挖,使得阅读过程充满了智力上的愉悦,仿佛跟随一位资深策展人进行了一场深度私访,揭示了工作室背后那些不为人知的挣扎与突破。它无疑是一部里程碑式的作品,为所有严肃对待陶艺语言的人提供了全新的解读框架。

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这本书的叙事节奏和结构设计非常引人入胜,它成功地避免了将专业书籍写得枯燥乏味。作者使用了大量生动的、近乎文学化的笔触来描述创作过程中的“瞬间”,那种泥土在手中变形、在窑火中重生的那种不可预测性被描绘得淋漓尽致。如果你期待的是一本教科书式的、按时间线索铺陈的编年史,你可能会略感意外,因为它更像是一系列相互关联的、关于“转变”的案例研究。不同流派、不同地域的艺术家们,他们之间虽可能从未谋面,却在思想的深处产生了惊人的共振。书中对新媒体介入传统陶艺的讨论,更是大胆而前瞻,探讨了数字打印技术、生物材料等如何冲击我们对“手工制作”的传统界定。这种跨学科的视野,让阅读体验保持了持续的新鲜感,它让你意识到,陶艺远比我们想象的更具流动性和适应性。对于我个人而言,它提供了一种全新的、更具感性基础的理论入口,去重新观看那些我曾经忽略的,那些介于雕塑和工艺之间的灰色地带。

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从排版和视觉呈现上看,这本书也体现出一种与内容相呼应的克制与力量。它没有过度依赖大量的彩色图片来取悦读者,而是选择性地展示那些最具阐释力的作品图像,并且这些图像被策略性地嵌入文本论述之中,而非仅仅作为插图存在。这种处理方式,强化了文字和图像之间互为佐证的关系,避免了视觉对纯粹思考的干扰。我印象深刻的是,书中对“修复”和“残缺”主题的处理,它将陶艺中常见的瑕疵和破碎,提升到了后现代美学修补的层面,探讨了接纳不完美本身就是一种高级的艺术态度。这种对边缘主题的关注,恰恰是当代艺术研究的价值所在,即从主流叙事之外寻找创新的可能。总体而言,这是一本需要被放在书架上,时不时重新翻阅,每次都会有新发现的工具书兼思想引爆器,它成功地完成了对当代陶艺思潮的一次全面且深刻的梳理与前瞻。

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坦白说,这本书的文字密度相当高,初次翻阅时需要放慢速度,很多句子需要反复咀嚼才能真正领会其深意。它不是那种可以快速浏览以获取表面信息的读物,它要求读者投入心力去参与到作者所构建的思考迷宫中。我特别欣赏作者在论证过程中所展现出的那种近乎偏执的细节关注,无论是对特定烧成温度曲线的影响分析,还是对某位艺术家所用釉料配方的历史溯源,都体现出极高的专业素养。这种深度钻研,使得书中提出的每一个观点都建立在坚实的基础上,而非空泛的理论推演。书中对“慢”与“快”的辩证法分析尤其深刻,在当下追求即时反馈的时代,陶艺的周期性、对耐心的要求本身就构成了一种强大的文化抵抗。这本书与其说是一本关于陶艺的书,不如说是一本关于“时间感”和“物质性”的深刻哲学探讨,它将泥巴的物理属性与人类存在的困境紧密地联系在了一起,极具启发性。

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读完这本书,我最大的感受是作者对“语境”的把控达到了令人咋舌的精准度。它并非仅仅罗列了一堆艺术家的名字和他们的作品图片,而是构建了一个宏大而有力的历史对话场域。作者巧妙地将战后西方现代主义的坍塌与全球化背景下非西方手工艺传统的复兴并置对比,尤其是在探讨陶艺如何应对身份政治和文化挪用这一敏感议题时,展现了极高的学术审慎性。那种对材料本体论的探讨,不再是陈词滥调,而是紧密结合了最新的后人类主义思潮,探讨泥土与身体、泥土与环境之间复杂纠缠的关系。我特别留意了其中关于“地方性”的章节,作者挑战了普遍适用的美学标准,强调了特定地理和社会环境对陶艺语言的塑造作用。这种扎实的理论基础与丰富的一手案例的结合,使得这本书既适合学术研究者,也对那些渴望深化自己实践的创作者极具启发性。它迫使你跳出自己熟悉的创作泡泡,去理解陶艺作为一种全球性文化现象的复杂面貌。

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