具体描述
肖英编写的《中国古典戏剧肢体语言表演基础教学(附光盘)》上篇阐述了中国古典戏剧肢体语言的美学原理、特点和一般规律，并且辅以前辈艺术家在表演创作中大量丰富的实际例子，使得理论阐述更显丰润生动；下篇为训练教材，既有清晰的文字解释，又有图解和影像资料，操作性与实用性极强，比较适用于戏剧表演专业学生的学习。
作者简介
肖英，1997年毕业于上海戏剧学院表演系。2008年获艺术硕士学位。现任教于上海戏剧学院表演系。在多部话剧和电视连续剧中出演主要角色，并先后赴意大利、日本、韩国、中国台湾、中国香港演出。多次赴罗马尼亚参加联合国教科文组织举办的国际表演交流，期间导演的《高加索灰阑记》获选第一名。所主持的《戏曲形体工作坊》深受海外学生好评。获陕西省首届艺术节表演一等奖；“公主杯”、“成阳杯”西北五省戏曲电视大奖赛表演一等奖；荣登陕西省青年演员戏曲十佳演员榜首。发表的论文有《浅探中国古典戏剧肢体语言的艺术神韵》、《即兴表演在角色刨造中的运用》、《面具训练：形体语言教学探索》等多篇。
目录信息
上部 中国古典戏剧肢体语言简述
第一章 中国古典戏剧肢体语言的定义和基本原理
第一节 定义
第二节 基本原理
第二章 中国古典戏剧肢体语言的具体表现
第一节 中国古典戏剧肢体语言的程式写意
一 程式写意的内涵和规律
二 程式写意的形成、运用和发展
第二节 中国古典戏剧肢体语言的虚拟写意
一 虚拟写意的表达方式及其特点
二 虚拟写意表现的一般规律
三 虚拟与程式的关系
四 虚拟程式的写意抽象性
第三节 中国古典戏剧肢体语言的节奏写意
一 对比强烈
二 达意显声
三 依情强调
第三章 中国古典戏剧肢体语言的构图和神韵
第一节 中国古典戏剧肢体语言的构图
一 浑圆曲弧
二 严谨规范
三 动静相衬
四 迂回有序
第二节 中国古典戏剧肢体语言的神韵
一 神与形的兼备
二 形与情的统
三 情与眼的表达
四 眼与嘴、眉、脸、鼻的配合
第四章 中国古典戏剧肢体语言的表现特点和行当分类
第一节 中国古典戏剧肢体语言的表现特点
一 交流性
二 技术性
第二节 中国古典戏剧肢体语言的行当分类
一 生行
二 旦行
三 净行
四 丑行
下部 中国古典戏剧肢体语言基本功训练
第一章 脚姿、脚位、脚动势
第一节 脚姿
第二节 脚位
第三节 脚动势
第二章 手姿与手位
第一节 手姿
一 女手姿
二 男手姿
第二节 手位
一 女手位
二 男手位
第三章 手膀的程式动作造型和手膀运行构图
第一节 女手膀程式动作造型
第二节 男手膀程式动作造型
第三节 女手膀运行构图
第四节 男手膀运行构图
第四章 腿功
第一节 站立
第二节 手势
第三节 软度、速度、力度训练
第五章 腰功
第六章 眼法
第一节 眼睛的基本训练
第二节 眼神的传情达意训练
第七章 单双刀
第一节 单刀基本动作造型
第二节 单刀组合
第三节 男双刀基本动作造型
第八章 单双剑
第一节 单剑基本动作造型l
第二节 女双剑基本动作造型
第九章 步法
第一节 女步法
第二节 男步法
第十章 指法
第一节 女指法动作造型
第二节 男指法动作造型
第十一章 手帕
第十二章 折扇
第一节 男折扇动作造型
第二节 女折扇动作造型
第十三章 团扇
第十四章 水袖
第一节 女水袖袖法
第二节 女水袖动作造型
第三节 女水袖组合
第四节 男水袖袖法
第五节 男水袖动作造型
第六节 男水袖组合
第十五章 综合自创练习
后记
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
翻阅这本书的过程中，最让我印象深刻的是它在处理具体技术环节时的那种细致入微和循序渐进。我特别关注了书中关于“身法”的讲解部分，那些关于“圆、方、曲、直”的辩证关系，以及如何通过身体的微小变化来表达复杂情绪的描述，写得极为精辟。作者似乎非常了解初学者在模仿过程中的常见误区，所以在每一个关键动作的解析旁边，都会配上详尽的图示或者场景模拟，让人一目了然。我试着按照书中的描述，对着镜子练习了几个基础的手势和眼神的配合，发现即便是最简单的“亮相”动作，背后也蕴含着如此丰富的调度和力量的控制。这本书的厉害之处在于，它没有停留在“是什么”的层面，而是深入到“为什么”和“怎么做”的实践层面。它强调的不是机械的模仿，而是理解动作背后的情感逻辑和文化语境。这种教学方式极大地激发了我的学习热情，让我觉得，即便是没有科班背景，只要有这份心和对美的追求，也能在古典表演的殿堂里找到属于自己的节奏和表达方式。书中对于不同剧种之间肢体语言差异的对比分析，也让我大开眼界，认识到“中国古典戏剧”并非铁板一块，而是拥有多元而丰富的面貌。
这本书的阅读体验，与其说是在“学习”，不如说是在进行一场深层次的“对话”。它不仅仅是一本技法书，更像是一部深入探讨东方表演哲学的著作。我尤其欣赏作者在论述中展现出的那种深厚的文化底蕴和批判性思维。比如，在探讨“虚拟空间”的构建时，书中引用的古代文献和哲学思想，使得整个讨论从单纯的身体训练上升到了心物合一的境界。作者并没有回避现代背景下传统艺术所面临的挑战，反而将其作为探讨语言创新和继承的契机。这种与时俱进又不失本真的态度，让整本书读起来一点也不沉闷，反而充满了思辨的火花。我感觉，每一次停下来思考书中的某个观点，都会对自己的世界观产生轻微的冲击和重塑。它迫使我重新审视自己对“表演”的定义，超越了舞台上的角色扮演，去理解那是一种更高层次的人文精神的传递。这本书对学术的严谨性保持得非常好，但叙述的口吻却又充满温度，像一位智者在耐心地雕琢一块璞玉。
这本书拿到手的时候，我真的挺惊喜的，装帧设计很有品味，那种淡雅的色彩和精致的字体，一看就是用心打磨过的。我本来是抱着试试看的心态买的，因为我对舞台表演，尤其是传统艺术形式一直怀有浓厚的兴趣，但总觉得有些门槛高不可攀。这本书的开篇并没有直接一头扎进那些复杂的理论术语里，而是用一种非常亲切和引人入胜的方式，带我走进了那个古老而迷人的剧场世界。作者的叙事功底非常扎实，仿佛一位经验丰富的引路人，耐心地为你拂去历史的尘埃，让我对戏剧的起源和发展有了一个宏观而清晰的认识。书中对于美学理念的探讨，不是枯燥的说教，而是穿插着生动的历史故事和艺术家的轶闻，让我感觉自己像是在听一场精彩的文化讲座，而不是在啃一本教材。特别是初识部分对于“气韵”和“神形兼备”的解读，非常到位，让我开始明白，中国古典艺术的魅力，绝不仅仅停留在表面的姿态上，而是深植于一种哲学思考和内在精神的流淌。这本书的价值在于，它成功地架起了一座桥梁，让一个初涉者也能感受到古典艺术的温度和深度，而不是被那些高深的术语吓退。
从装帧和排版的角度来看，这本书也体现了出版方对读者的尊重。纸张的选择手感极佳，即便是长时间阅读也不会感到疲惫。更重要的是，书中穿插的那些高质量的图片和手绘图解，对于理解那些抽象的肢体概念起到了不可替代的作用。我通常阅读理论书籍时会习惯性地做笔记，但这本书的留白设计和清晰的章节划分，使得阅读过程本身就成了一种流畅的体验。它不像是一本冰冷的教科书，更像是一份精心准备的私家教案。特别值得称赞的是，书中对于传统戏曲服饰、化妆对肢体表达影响的分析，也提供了非常独特的视角，这拓展了我对整个表演生态系统的认知。总而言之，这本书不仅在内容上为我打开了一扇通往中国古典表演艺术宝库的大门，更在阅读体验上做到了精致入微，它无疑是我近年来阅读到的最具启发性和实践指导意义的艺术类书籍之一，强烈推荐给所有对传统文化和舞台艺术抱有热忱的人士。
坦白说，我过去接触过一些类似的表演理论书籍，它们往往要么过于学术化，充满了晦涩的行话，让人望而却步；要么就是过于注重“速成”，流于表面，缺乏根基。但这一本显然走出了这样的困境。它在结构安排上展现出了极高的智慧。前部的理论铺陈和历史溯源，为中部的具体技巧提供了坚实的土壤；而到了后半部分，则开始着眼于舞台实践中的整合与创新。我特别喜欢其中关于“情感调度与肢体反应的统一性”这一章节的论述。作者非常清晰地阐述了如何避免表演的“空泛化”，即身体的动作与内心感受脱节的问题。通过一系列具体的练习范例，这本书指导读者如何将内在的“意”转化为外在可感的“形”，这种细致入微的指导，是其他很多书籍所欠缺的。它让我明白了，真正的古典表演艺术，其力量来自于精准的控制和真挚的投入，缺一不可。读完这本书，我不再觉得那些大师们的表演遥不可及，反而有了一种可以触及和学习的路径。
各种表现手段很有趣啊，看着不禁让我扼腕叹息自己各种不会，有种想要去戏校进修的冲动...
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