图解京剧艺术

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出版者:清华大学出版社
作者:王如宗
出品人:
页数:277
译者:
出版时间:2011-9
价格:79.00元
装帧:
isbn号码:9787302261032
丛书系列:
图书标签:
  • 京剧
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  • 京剧脸谱
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具体描述

清代著名学者俞樾题苏州留园戏台联云:“一部廿四史,演成古今传奇,英雄事业,儿女情怀,都付与红牙檀板;百年三万场,乐此春秋佳日,酒座簪缨,歌筵丝竹,问何如绿野平原。”正所谓人生如戏,戏如人生,抽身红尘牵绊,于小小舞台得片刻余闲,贵人凡夫皆喜闻乐见。人类存在一日,戏剧便不会消失。而京剧凡二百多年间,吸纳雅俗文化,盛行庙堂之上江湖之下,终成国粹、国剧和人类非物质文化遗产,即是一例。京剧融合传统文化精华,形成颇具意味的程式化演出套路,一板一眼、一招一式、唱念做打、手眼身法,都有章可循,有式可依。

《图解京剧艺术》正是将京剧沉淀下来的程式化的一面诉诸文字,绘以笔墨。图文梳理了京剧的历史、特征、行当、流派、道具、音乐和表演等方方面面,叙述简洁,对于初学者可直窥门要,资深票友也可从中重新验证自己的学识。书的最后还附录按派系分类的剧目供查阅。

京剧的脸谱、服装和唱腔旋律之美,已在当前大众文化中喜闻乐见。如“祖先的玩艺传到今天,生旦净末丑样样齐全,花脸的脸谱千姿百态,武生的打斗最是精彩”,“蓝脸的窦尔礅盗御马,红脸的关公战长沙,黄脸的典韦,白脸的曹操,黑脸的张飞叫喳喳……”我们都再熟悉不过。脸谱作为面孔符号,用不同的颜色为角色的美丑善恶忠奸定位,戏谚有“红忠白奸黑直爽,黄色勇猛金神仙”之说。京剧服装具有形式美和实用性:表身份、分场合、助歌舞、显性格。如帽子中典型的乌纱帽,各种文职官员所用,帽翅有方、尖、圆几种,忠臣戴方翅以示忠正刚直,奸臣插尖翅示尖酸投机,丑行插圆翅示圆滑灵透,从纱帽翅的形状上就可以看出对人物的褒贬和评价。这种凝练简洁的表意方式,为剧情的起合转折提供了恰当的骨架和依托,也是传统道德观念和人们惩恶扬善愿望的体现。书中各章用鲜活的手绘图,呈现不同于文字的美,读者阅后观戏时只需按图索骥,即可略通剧意。

京剧已入选人类非物质文化遗产名录,对国人是鼓励,也是警示,如何更好地发扬京剧光彩,培育新的名角,书中一则旧时入科班学戏的“合同文书”,颇有启示意义:

“今将×××,年×,志愿投于名下为徒,习学梨园生计,言明七年为满。几于限期内所得银钱,俱归社中收入,在社科期间,一切食宿衣履均由科班负责,无故禁止回家,不准中途退学,否则由中保人承管。倘有天灾疾病,各由天命……”

正如书中所说,“旧时,每一个手把徒弟几乎都有一部痛苦的挨打史”,如今这种近乎卖身为学、苦打成家的苦难时代已经过去,但京剧艺术并没有随时代前进。观众、演员和体制,都亟须改进。本书的意义,正是于此显现。

沧桑百年:中国戏曲的流变与精魂 图书简介 这部《沧桑百年:中国戏曲的流变与精魂》并非专注于京剧这一特定剧种的图解或普及读物,而是致力于构建一幅宏大而细腻的中国传统戏曲艺术的全景式画卷。本书将目光投向中国戏曲自萌芽、发展、鼎盛直至当代演变的漫长历史长河,深入探讨了不同剧种的地域性特征、美学范式以及它们在中国社会文化结构中所扮演的角色。 本书的主旨在于揭示中国戏曲作为一种综合表演艺术的内在逻辑与外在表现形式,强调其作为“活的传统”所蕴含的哲学思想、审美趣味和人文精神,而非仅仅罗列舞台技巧或剧目梗概。 --- 第一部分:溯源与勃兴——多元戏曲的泥土芬芳 本部分追溯中国戏曲艺术的起源,展现其在不同地域文化土壤中孕育出的多样性。 第一章:戏曲的胚胎——从歌舞百戏到民间信仰的交融 远古的仪式与宫廷的雅乐: 探讨先秦时期的祭祀歌舞、汉代的百戏与乐府,以及唐代参军戏的雏形,分析这些早期形态如何奠定了后世戏曲“歌、舞、剧”三位一体的基础。 宋元:城市化进程中的艺术爆发: 重点剖析宋代“瓦舍勾栏”的兴盛,以及元代杂剧的成熟。我们将详细辨析元杂剧的“一折一换主角”结构、四角体制(宾白、科扮、杂扮、正末),以及其强烈的文学性与批判精神。此时期,昆山腔与弋阳腔的并存,标志着中国戏曲正式进入“腔调”主导的时代。 第二章:地域的色彩——南戏与北曲的审美分野 南戏的生命力: 考察温州为中心的南戏(永嘉杂剧),分析其语言的通俗性、题材的世俗化倾向,以及对民间生活细节的描摹能力,探讨其如何成为后世传奇和地方戏曲的母体之一。 北曲的典雅: 侧重研究元杂剧和明初传奇(如汤显祖的作品体系),分析其在格律、声腔和舞台调度上追求的典雅与精致,探究“才子佳人”主题如何成为文人审美的重要载体。 --- 第二部分:腔调的革命与美学的精铸 本部分聚焦于明清时期,戏曲艺术在声腔体系和舞台美学上的深刻演变,特别是标志着“雅化”趋势的昆曲的崛起。 第三章:昆曲的盛世:典雅的极致与声腔的规范 从梁山伯到牡丹亭: 深入解析昆山腔的生成机制,即如何将吴地音乐与北方曲调进行高度提炼与融合。本书将详细分析昆曲“水磨腔”的韵味特征——其婉转、细腻、注重气息控制的演唱风格,以及它对演员表演的极高要求。 结构与意境: 探讨昆曲在表演上对“身段”和“亮相”的严格要求,以及如何通过“一曲一态,一字一腔”来营造空灵、诗意的舞台意境,分析昆曲如何渗透进江南士大夫的文化生活。 第四章:地方戏的崛起——打破雅正的烟火气 “花部”对“雅部”的挑战: 详述清代中叶后,以徽班、汉调等地方声腔为代表的“花部”如何从民间力量迅速发展,挑战昆曲的统治地位。 声腔的生命力: 分析花部剧种(如徽剧、汉调)如何以其粗犷、直白、富于激情和拟人化的表现力,迅速贴近广大城市民众的需求。本书将对比分析不同地方声腔(如高腔、梆子、申腔等)在板式结构和板眼处理上的核心差异,展示戏曲艺术在地方化过程中的创新。 --- 第三部分:整合、冲突与新生——戏曲的现代化之路 本部分关注清末民初社会巨变对戏曲艺术带来的冲击,以及戏曲艺术如何寻求自身的转型与复兴。 第五章:徽汉合流与“国剧”的初步构建 京腔的形成: 细致梳理徽剧、汉调等地方声腔在北京的融合过程,分析在这一过程中,哪些元素被保留,哪些元素被淘汰或重组,从而形成新的合乐体系。 审美重心的转移: 探讨在晚清剧场环境中,演员(特别是“角儿”)的个人魅力如何超越剧本本身,成为吸引观众的核心要素,分析武打、噱头等因素在舞台上的权重变化。 第六章:艺术的革新与文化的坚守 二十世纪初的探索: 考察戏曲界对舞台美术、灯光运用乃至叙事方式的初步现代化尝试。本书不侧重于介绍某一时期的“新剧”运动,而是着重于探讨传统戏曲艺术家在继承旧有程式的同时,如何悄然融入新的时代精神。 程式的本质: 重新审视中国戏曲所依赖的“虚拟性”舞台语言——“一桌二椅”、“马鞭”、“水袖”等程式化动作的深层文化含义,论证这些程式并非僵化的教条,而是高度凝练的“象征符号系统”,是跨越时代的情感载体。 --- 结语:时间的回响 本书的结尾将回归于对中国戏曲艺术的整体评价:它不仅是娱乐形式,更是承载了儒、释、道三家思想的综合艺术实践。它以其独特的“写意”美学,在全球戏剧体系中独树一帜,展示了东方文化对时间、空间和人物内心世界的独特理解。本书旨在引导读者欣赏的,是这种跨越千年、不断自我更新的艺术精魂,而非仅仅停留在对某个剧种的表面描摹上。 本书的特色在于: 1. 宏观历史视角: 串联起自宋元至近现代,不同剧种的纵向演变脉络。 2. 美学本体探讨: 侧重于分析不同腔调(如昆曲的水磨、梆子的“火爆”)背后的审美哲学。 3. 避免聚焦单点: 全书不以某一成熟剧种(如京剧)的技法作为核心线索,而是以“腔调的革命与地方的生长”为主要驱动力。 4. 语言风格: 采用严谨的学术论述风格,结合丰富的历史文献引述,确保内容的深度和可信度,避免流于通俗化。

作者简介

王如宗,男,1947年生,河北蠡县人。北京大学中文系毕业。曾任中国人民解放军某部师文化科科长,军文化处副处长,河北省保定市委宣传部副部长,保定市文联主席兼党组书记。中国影视家协会会员,一级作家。

目录信息

引 言
第一章 简史
孕育期
形成期
发展期
第二章 艺术特征
综合性
虚拟性
程式性
第三章 行当
生行
旦行
净行
丑行
第四章 流派
生行流派
旦行流派
净行流派
丑行流派
第五章 化妆
面部化妆
发式梳挽
髯口
第六章 脸谱
颜色特征
图案特征
脸谱的构图
睑谱的勾画
第七章 行头(服装)
行头的特征
行头的分类
第八章 道具和舞台
道具
舞台
第九章 音乐
唱腔
念白
伴奏
曲牌
第十章 表演
四功
五法
特技功:
程式套路
第十三章 管理和教育
京剧的管理
传承与教育
演出习俗
术语
第十二章 代表剧目
传统剧目
新编现代剧目
参考书目
后 记
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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说实话,我原本以为这种图文并茂的书,图注部分可能会流于形式,但这本书在这方面做得实在太出色了。那些高清的剧照和详尽的局部特写,简直就是一本行走的“视觉词典”。比如,光是关于“水袖”的运用,书中就分门别类地展示了“拂”、“扬”、“抖”、“抛”等多种手法,并配上了清晰的动作分解图,甚至连水袖末端褶皱的纹理都看得一清二楚。这对于一个戏曲初学者来说,简直是无价之宝。它弥补了传统文字描述的局限性,让抽象的技艺具象化了。我甚至能想象,如果未来有机会去剧场看戏,我将能更好地理解演员们在幕后默默练习了无数次的那些微小动作中蕴含的巨大信息量。这种对视觉信息的最大化利用,极大地提升了学习的效率和乐趣。

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这本书的排版布局有一种独特的韵律感,读起来节奏感特别好,不会让人感到疲劳。很多地方采用的留白和字体大小的对比非常巧妙,你知道的,有些专业书籍为了塞进大量信息,往往把字体挤得密密麻麻,让人望而生畏。但这本《图解京剧艺术》完全没有这个问题,它像是在邀请你慢慢品味每一句话,每一个图表。比如,在介绍不同流派的唱腔特点时,作者并没有堆砌大量的专业唱词,而是用图表对比了发声位置、气息运用上的细微差别,这种信息图表化的处理方式,非常直观,哪怕是完全不懂声乐理论的人也能迅速抓住重点。整个阅读过程更像是一次轻松愉快的知识漫游,而不是一场紧张的考试复习,这种阅读体验是很多专业书籍难以比拟的。

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这本书的文字叙述风格简直太迷人了,它不像那些枯燥的教科书那样板着脸孔,而是用一种非常亲切、娓娓道来的口吻来介绍那些深奥的戏曲知识。我随便翻开一页,读到关于“亮相”的段落时,作者没有简单地定义它,而是描绘了演员在舞台上瞬间凝聚所有精气神的那种张力,那种“千钧一发”的瞬间美感,读起来简直如同身临其境,仿佛能听到锣鼓点催促着心跳。这种文学性的描述,极大地降低了普通读者接触戏曲的门槛,让人感觉京剧不是高高在上的艺术殿堂,而是触手可及的生活美学。作者的用词考究,既有传统戏曲术语的精准运用,又穿插了非常生动的现代比喻,使得复杂的程式化动作一下子变得可以理解和想象了。我尤其欣赏作者在描述角色心境时的细腻笔触,那种对人物内心世界的挖掘,展现了作者深厚的文化底蕴和对人性的深刻洞察。

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我注意到这本书在讲述历史沿革和行当分野时,处理得非常平衡和客观。它没有过度美化或者神化某些历史阶段,而是很坦诚地介绍了京剧如何在不同历史时期吸收融合其他剧种的精华,以及它如何适应时代变迁。特别是对“文武生旦净丑”这几大行当的划分和介绍,描述得极为细致,不仅讲了角色扮演的职责,还深入探讨了为什么这些划分会形成,背后的文化逻辑是什么。这种“知其然,更知其所以然”的叙述方式,让我对京剧的整体结构有了更宏大和立体的认知,它不再是零散的片段,而是一个拥有深厚历史积淀和严密体系的完整艺术门类。读完这部分,我感觉自己对传统文化中那种“体系化思考”的智慧又多了一层理解。

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这本书的装帧设计真是没得挑,封面那种浓郁的色彩搭配和精致的烫金工艺,一看就知道是用心制作的。拿到手里沉甸甸的,感觉很有分量,纸张的质感也非常好,光滑却不失厚度,翻阅起来很享受,那种油墨散发出的淡淡的香气,让人立刻就能沉浸到阅读的氛围中去。虽然我还没完全深入到内容里,但仅仅是欣赏它的外在,就已经觉得物超所值了。特别是那些插图的排版,留白的处理非常到位,既突出了主题,又不会让人感到拥挤,体现了一种古典与现代审美的完美融合。这种对细节的极致追求,让我对接下来要阅读的内容充满了期待,它不仅仅是一本书,更像是一件可以收藏的艺术品。我特别留意了一下目录结构,看起来梳理得很有条理,从基础的行当划分到复杂的脸谱和服饰解析,层次分明,预示着作者在内容编排上也是下足了功夫的。

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层次全面清晰,非常适合入门的京剧科普入门书籍~~

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层次全面清晰,非常适合入门的京剧科普入门书籍~~

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入门,囫囵看了,小画儿好可爱。

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