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☆☆☆☆☆

出版者:外语教学与研究出版社

作者:左汉卿

出品人:

页数:309

译者:

出版时间:2011-2

价格:45.00元

装帧:

isbn号码:9787513506298

丛书系列:日本文化艺术丛书

图书标签:

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东方之音：世界古典音乐大师的生平与杰作 （本书并非介绍日本能乐，而是深入剖析世界古典音乐史上，那些塑造了时代旋律的巨匠们及其不朽作品的权威指南。） 从巴洛克的严谨到浪漫主义的激昂，从古典主义的和谐到近现代音乐的实验与突破，西方古典音乐的历史是一部波澜壮阔的精神史诗。本书旨在带领读者穿越时空，走进那些为人类留下了永恒旋律的音乐家内心深处，探寻他们创作的时代背景、独特风格，以及那些至今仍能震撼人心的杰作是如何诞生的。 第一部：巴洛克的宏伟与秩序（1600-1750） 巴洛克时期是西方音乐史上一个充满戏剧性、装饰性和结构感的黄金时代。这一时期的音乐强调情感的对比、复调的精妙以及“狂热理论”（Doctrine of Affections）的运用，即通过特定的音乐语言来表达特定的情感。 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫 (Johann Sebastian Bach)：宇宙的建筑师 本书将深入分析巴赫如何将对位法和赋格推向了技术和精神表达的巅峰。我们不会探讨东方的表演艺术，而是专注于巴赫在莱比锡圣托马斯教堂的十年中，如何为教堂礼拜创作出那些结构复杂、情感深邃的康塔塔、受难曲（如《马太受难曲》）以及纯粹器乐作品，如《赋格的艺术》和《平均律钢琴曲集》。重点解析《勃兰登堡协奏曲》中对不同乐器组的巧妙编排，以及他如何将严谨的数学逻辑融入到神圣的音乐结构之中。 乔治·弗里德里希·亨德尔 (George Frideric Handel)：歌剧与清唱剧的征服者 与巴赫主要服务于教会不同，亨德尔是伦敦音乐界的巨星。本书将详述他在意大利歌剧领域取得的巨大成功，以及他晚年转向英格兰清唱剧的深刻原因。我们将详细剖析《弥赛亚》的创作历程，特别是“哈利路亚”段落如何超越了宗教界限，成为人类共同的庆典颂歌。对他作品中那种宏大、戏剧性的叙事能力进行细致解读，这种能力是其区别于其他巴洛克作曲家的显著特征。 第二部：古典主义的清晰与平衡（1730-1820） 古典主义时期，音乐追求清晰的结构、均衡的形式和优雅的旋律。奏鸣曲式成为核心，交响曲和弦乐四重奏成为最受推崇的体裁。 沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特 (Wolfgang Amadeus Mozart)：自然流淌的天才 莫扎特的一生充满了传奇色彩，但他的伟大在于其音乐中无可匹敌的旋律天赋和情感深度。本书将系统梳理他从萨尔茨堡到维也纳的创作演变。我们将聚焦于他的歌剧杰作，如《费加罗的婚礼》、《唐璜》和《魔笛》，分析他如何通过音乐语言微妙地揭示人物的内心矛盾和社会的讽刺。同时，对他的后期交响曲（如“朱庇特”交响曲）和钢琴协奏曲的结构美学进行深入探讨，展示其形式完美背后的复杂情感张力。 路德维希·范·贝多芬 (Ludwig van Beethoven)：从古典到浪漫的桥梁 贝多芬是打破旧有范式的革命者。本书将以其九部交响曲为主线，展现他音乐风格的巨大飞跃。从早期受海顿影响的严谨，到中期英雄主义（如《第三“英雄”交响曲》）的激情爆发，再到晚期对内心世界的深刻探索（如《第九交响曲》和晚期弦乐四重奏）。我们将分析他如何运用动机发展、结构拉伸和不协和音，将个人意志和对自由的渴望注入到古典的框架之中。 第三部：浪漫主义的激情与个人主义（1800-1910） 浪漫主义时期，音乐的主题转向个人情感、自然崇拜、民族主义和超自然幻想。作曲家们将自我表达置于形式规范之上。 弗朗茨·舒伯特 (Franz Schubert)：歌曲之王 本书将重点介绍舒伯特对“艺术歌曲”（Lied）的革命性贡献。他如何将诗歌的意境与钢琴伴奏的叙事性完美结合，创造出如《魔王》、《冬之旅》等一系列深刻的心理肖像。舒伯特音乐中的忧郁、抒情性与对逝去美好的眷恋，构成了浪漫主义音乐中独特的篇章。 弗雷德里克·肖邦 (Frédéric Chopin)：钢琴的诗人 肖邦几乎将全部创作精力倾注于钢琴独奏曲，并将波兰民族精神融入到夜曲、圆舞曲和玛祖卡之中。我们将分析他的作品如何展现出高度精致的触感和细腻的和声语言，探讨《叙事曲》和《奏鸣曲》中蕴含的英雄气概与深沉悲剧色彩。 理查德·瓦格纳 (Richard Wagner)：音乐的综合艺术 瓦格纳的“乐剧”是对传统歌剧的颠覆。本书将详细阐述其“主导动机”理论在《尼伯龙根的指环》等宏大作品中的应用，以及他对整体艺术（Gesamtkunstwerk）的追求。他的和声创新，特别是《特里斯坦与伊索尔德》中著名的“特里斯坦和弦”，如何直接预示了20世纪音乐的解构。 约翰内斯·勃拉姆斯 (Johannes Brahms)：古典形式的守护者 在浪漫主义的浪潮中，勃拉姆斯以其对巴赫和贝多芬传统的坚守而著称。我们将分析他如何在保持古典结构严谨性的同时，注入了深沉的内省和德奥传统的热情，尤其是在他的四部交响曲和室内乐作品中，那种成熟、内敛而充满力量的“德奥之声”。 第四部：世纪之交的探索与分裂（1890-1945） 进入二十世纪，音乐开始探索新的疆界，对传统调性体系产生质疑，新的音色和节奏实验层出不穷。 克劳德·德彪西 (Claude Debussy)：印象派的色彩大师 德彪西的作品摆脱了德奥传统的叙事压力，转而追求光影、氛围和转瞬即逝的听觉感受。本书将分析他对音阶、和声的革新，如何使音乐听起来如同水波或雾霭，例如在《牧神午后前奏曲》和钢琴前奏曲集中的表现。 伊戈尔·斯特拉文斯基 (Igor Stravinsky)：节奏的革命者 斯特拉文斯基是二十世纪最具影响力的作曲家之一。我们将聚焦于他早期与俄罗斯芭蕾舞团的合作，特别是《春之祭》首演引发的巨大争议，分析其原始的、多重节奏的运用如何彻底改变了现代音乐的面貌。随后，也会探讨他后来的新古典主义回归。 阿诺德·勋伯格 (Arnold Schoenberg)：无调性与十二音体系的开创者 勋伯格对传统调性的彻底放弃是音乐史上一次重大的哲学转向。本书将详细解释“十二音技法”的运作原理，以及它如何提供了一种新的组织音乐材料的方式，展现了作曲家在面对传统瓦解时，寻求全新逻辑的痛苦与决心。 本书通过对这些伟大作曲家生平、创作理念及其核心作品的细致考察，为读者提供了一个全面、深入的西方古典音乐发展脉络图，理解音乐是如何在不同时代背景下，成为人类精神表达的最高形式。

评分☆☆☆☆☆

外研社的“日本文化艺术丛书”静悄悄地出来，注意到的人不多，然而主事者的眼光真值得一赞。目前已出的书目包括《日本狂言》、《日本能乐》、《日本电影》，加上将出的《日本歌舞伎》、《日本浮世绘》和《日本漫才与落语》等，确实能增进一向为我们所疏忽的一些传统日本民俗艺...

评分☆☆☆☆☆

外研社的“日本文化艺术丛书”静悄悄地出来，注意到的人不多，然而主事者的眼光真值得一赞。目前已出的书目包括《日本狂言》、《日本能乐》、《日本电影》，加上将出的《日本歌舞伎》、《日本浮世绘》和《日本漫才与落语》等，确实能增进一向为我们所疏忽的一些传统日本民俗艺...

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的文字风格非常冷峻，甚至在某些章节，我需要反复阅读才能捕捉到其中精妙之处，但这种“挑战性”恰恰是其魅力所在。作者显然是深谙美学哲学的大家，他笔下的能乐，已经超越了简单的戏剧范畴，上升到了本体论的层面去探讨。他将能乐的“步法”——那著名的、仿佛漂浮在空中的“すり足”（擦地步）——与禅宗的“空”的境界联系起来，论证了演员如何通过对身体的极度控制，来实现一种精神上的“无我”。这种论证体系非常严密，逻辑链条清晰得像是数学证明。我特别欣赏作者对于“面”的研究，那些能剧面具，被赋予了复杂的情感光谱，不同的光照角度下，面具上人物的悲喜会发生微妙的、几乎难以察觉的转换。书中对此的图解和文字描述，简直就是视觉艺术的盛宴。尽管阅读过程需要高度集中注意力，但一旦你跟上了作者的思路，那种茅塞顿开的震撼感是其他通俗读物难以比拟的。它更像是一把钥匙，打开了一扇通往深度理解日本精神世界的门。

评分☆☆☆☆☆

我通常对偏向文化人类学的书籍不太感冒，总觉得它们过于学术化，读起来像在啃干巴巴的教科书。然而，这本书的特别之处在于，它用一种近乎散文诗的笔调，重构了能乐的社会背景。它不仅仅告诉你“什么”是能乐，更重要的是告诉你“为什么”在江户时代的武士阶层中，能乐会成为身份和品味的象征。书中描绘了观看能乐演出的礼仪、等级森严的座次安排，甚至是不同大名（地方领主）如何利用资助能乐团来彰显自己的政治影响力。这种将艺术置于权力与社会结构之中的考察角度，让我眼前一亮。它不再是孤立的艺术品，而是一个复杂的社会符号系统。作者非常擅长捕捉那些生活化的细节，比如一位武士在欣赏完激烈的战斗场面后，是如何低头品尝侍女奉上的清茶，那种极致的克制与内敛，才是权力阶层真正的优雅所在。这本书提供了一个全新的视角，去理解艺术是如何被权力所塑造和消费的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就透露着一种高级的侘寂之感，厚实的纸张，低饱和度的印刷，让人在捧读时就能感受到一种仪式感。内容上，它最让我称道的是对“唱腔”（謡）部分的深入剖析。我们普通听众常常被华丽的舞蹈和庄严的面具所吸引，却忽略了那些穿透历史而来的歌唱。作者用音乐理论的术语，结合古典日语的语法结构，详细拆解了能乐唱词的发音技巧和情感表达的层次。他甚至引入了声学分析，来解释为什么某些特定的音高和颤音（如“こぶし”）能够有效地在观众身上激发特定的情感共鸣。这种跨学科的分析方式，极大地拓宽了我对“声音艺术”的理解。阅读过程中，我常常会暂停下来，在脑海中模拟那些唱腔的起伏，试图去捕捉那种介于哭泣与颂歌之间的奇异音调。这本书无疑是一部研究日本表演艺术的里程碑式著作，它不仅记录了历史，更科学地阐释了艺术感染力的秘密。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我感觉自己仿佛进行了一场关于“凝固的时间”的沉思之旅。它的叙事节奏极其缓慢而富有韵律感，这点倒与能乐本身的表演风格颇为契合。书中花了大量篇幅去描摹能乐表演时的舞台装置——那块象征着永恒的松树画板，以及演员们如何运用极少的道具来构建出宏大的意境。更让我感到惊喜的是，作者并没有沉溺于高深的理论，而是穿插了大量关于当代能乐演员生活的田野调查片段。比如，书中记录了一位资深面具师为了赶制一副最符合角色“鬼”的面具，是如何花费数月时间去研究不同木材的纹理和湿度，以及这种坚持对于整个表演的“气场”有何等重要的意义。这种将宏大历史与个体生命经验交织在一起的叙事手法，使得原本可能显得疏离的传统艺术，一下子变得鲜活而可触碰。它让我思考，在现代社会的高速运转下，我们是如何对待那些需要耗费巨大心力去维护的、看似“无用”的艺术形式的。这本书的价值，就在于它提醒我们，真正的艺术价值，往往蕴藏在那些需要耐心才能抵达的深度之中。

评分☆☆☆☆☆

这本《日本能乐》的书，我真是爱不释手，翻开第一页，就被那种古老而又神秘的气息给深深吸引住了。作者对能乐的历史渊源、发展脉络梳理得极其详尽，从它起源于平安时代的“猿乐”，到室町时代受禅宗思想的深刻影响，再到如何逐渐定型为我们今天看到的这种高度程式化的舞台艺术，每一个转折点都写得入木三分。尤其让我印象深刻的是，书中对“幽玄”这一核心美学概念的解读，不同于以往那些晦涩难懂的论述，这里的阐释非常贴近生活，让我这个初学者也能大致领会到那种“寂静之美”的精髓。书中收录了大量早期的剧本片段和相关的历史文献翻译，这让阅读过程充满了探险的乐趣，仿佛我正跟着作者一起穿越回了能乐鼎盛时期的京都，亲眼见证了世阿弥是如何将这项技艺推向顶峰的。我特别喜欢它对不同流派，比如观世、宝生、金刚、金春这几大家族之间细微风格差异的对比分析，那种对细节的执着和对传统的坚守，让人对日本文化中那种近乎偏执的匠人精神肃然起敬。这本书不仅仅是一部学术著作，更像是一封写给古老舞台的情书，文字间流淌着对逝去时光的缅怀与敬意。

评分☆☆☆☆☆

头痛...

评分☆☆☆☆☆

感觉介绍的比较表面，如果能有更深入的东西就好了~

评分☆☆☆☆☆

大二上

评分☆☆☆☆☆

感觉介绍的比较表面，如果能有更深入的东西就好了~

评分☆☆☆☆☆

入门书。