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出版者:上海人美

作者:汪璎

出品人:

页数:111

译者:

出版时间:2010-12

价格:38.00元

装帧:

isbn号码:9787532265558

丛书系列:

图书标签:

• 原画
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《原画设计》是一本深入探索视觉叙事与艺术表达的著作，它并非单纯的技术手册，而是旨在为读者构建一套理解和运用视觉语言的思维框架。本书的重点在于揭示“为什么”和“如何”去创作出具有感染力和深度的图像，而非仅仅罗列软件操作或技巧。 本书首先会从视觉构成最基础的元素——线条、形状、色彩、光影——入手，但不会止步于理论的堆砌。它会结合历史上不同时期、不同文化背景下的经典艺术作品，剖析这些基本元素是如何被巧妙运用，从而传递情感、塑造氛围、引导观众视线，并最终构建出引人入胜的画面。读者将学习到如何辨识和分析构成中的力量，理解不同形式如何激发特定的心理反应，例如，一条锐利的直线可能带来紧张感，而柔和的曲线则可能传递宁静。 接着，本书将进入构图的艺术。它会系统地讲解黄金分割、三分法、对称与非对称、视觉重心、引导线等经典构图原则，但更强调的是这些原则背后的逻辑和它们在实际创作中的灵活性。本书会通过大量案例，展示如何打破常规，如何在遵循规则的同时创造出独特的视觉冲击力。例如，分析电影镜头如何通过构图来营造悬念，或者插画作品如何利用构图来突出主体，引导读者的阅读节奏。理解构图不仅仅是摆放物体，更是对信息优先级和情感传递路径的设计。 色彩的运用是本书的另一大篇幅。它会深入探讨色彩的心理学效应、象征意义，以及如何通过色彩搭配来构建特定的情绪和主题。从冷暖对比、补色冲突到同类色和谐，本书会提供一系列实用而富有洞察力的色彩分析方法。读者将学会如何利用色彩的饱和度、明度来控制画面的情绪张力，如何通过色彩的对比来突出重点，以及如何运用色彩的联想来丰富画面的内涵。本书会引导读者超越简单的“好看”与“不好看”，而是理解色彩在视觉叙事中的强大力量。 在光影的处理方面，本书将引导读者认识到光影不仅是塑造形体的工具，更是营造空间感、时间感和戏剧性效果的关键。它会剖析不同光源（如硬光、柔光、散射光）对物体形态和氛围的影响，以及高光、阴影、反光等细节如何增强画面的真实感和立体感。本书会鼓励读者观察现实世界中的光影变化，并将其转化为绘画语言，通过光影的 interplay 来赋予画面生命力，使其更具沉浸感。 本书还会着重探讨“叙事性”在原画设计中的核心地位。它会分析如何通过角色的姿态、表情、服装，以及场景的设计、道具的摆放，来讲述一个故事，即使画面本身没有明确的文字说明。读者将学习如何运用“暗示”和“象征”的手法，让画面中的每一个元素都服务于故事的推进和人物的塑造。例如，一个凌乱的房间可能暗示着角色的内心状态，一件破旧的衣服可能讲述着角色的经历。 此外，本书还会涉及设计思维在原画创作中的应用。它会引导读者思考设计的目的性，如何根据项目需求（如电影、动画、游戏、出版物）来调整设计方向，以及如何进行概念的迭代和发展。本书会强调“研究”的重要性，鼓励读者深入了解故事背景、文化元素，并从中汲取灵感，创造出既有原创性又符合语境的设计。 最后，《原画设计》鼓励读者在实践中不断探索和创新。它并非要求读者遵循一套僵化的规则，而是希望通过对视觉原理的深刻理解，激发读者自身的创造潜能，找到属于自己的独特视觉语言。本书的最终目标是培养出能够独立思考、富有创造力，并能通过视觉作品与世界进行有效沟通的设计师。它是一本邀请读者踏上视觉探索之旅的指南，一次对美学、叙事与创造力的一次深度对话。

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我买这本书完全是冲着它封面上那几张极具冲击力的概念图去的，拿到手后，我发现内容果然没有让我失望，尤其是在“环境叙事”这部分，简直是为我打开了一扇新的大门。很多原画书都会强调构图和色彩的和谐，但这本更侧重于如何让场景“说话”。作者用了好几页篇幅去分析一个看似普通的废弃工厂场景，如何通过地面上的积水倒影、墙壁上的苔藓生长速度、甚至是散落在角落里的一件旧工具的锈蚀程度，来暗示这个地方过去发生的故事和时间流逝的痕迹。这种对细节的极致打磨和叙事深度的挖掘，让我意识到，优秀的原画绝不仅仅是好看的插画，它必须是故事的载体。书中的排版设计也十分考究，大量的跨页图例将细节展现得淋漓尽致，阅读体验极佳，完全不像是在看一本技术书籍，而更像是沉浸在一本精美的艺术画册中。虽然书中对于数字绘画工具的具体设置讲得不多，但我认为这恰恰是它的高明之处，它将重点放在了永恒不变的艺术原理上，而不是那些容易过时的软件版本。

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坦率地说，我对市面上充斥着大量速成技巧的书籍已经感到审美疲劳了，所以当我翻开这本《原画设计》时，一开始是抱着怀疑态度的。但很快，我被作者那份对“造型准确性”近乎偏执的追求所吸引。书中关于人体解剖和动态捕捉的部分，并没有直接使用僵硬的骨骼图，而是大量引用了古典雕塑和早期摄影作品作为参考。作者花了极大的篇幅来讨论“视觉重量感”的平衡，这对于设计那些需要承载大量装备或拥有超凡力量的角色至关重要。我个人最大的困扰一直是，如何让一个看起来很强的角色，在视觉上不会显得头重脚轻或者比例失调。这本书提供了一套严谨的、基于物理和人体工程学的分析方法，而不是简单的“眼睛习惯”说辞。而且，书中对于不同文化背景下的服饰和盔甲设计也做了细致的对比分析，展示了如何将历史元素进行现代化和幻想化的融合，这对于世界观构建的深度有着不可替代的价值。

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我是一个对“氛围感”有着极高要求的读者，因此我很少对纯粹的绘画教程感到振奋，但这本书在处理光线和天气对场景气氛影响的章节，简直可以说是教科级别的范本。作者对大气透视的运用达到了出神入化的地步，他不仅仅是讲解了远景物体会变灰变淡的物理现象，更是深入剖析了不同天气条件下，光线在空气中粒子上的散射和反射如何塑造出不同的“空气湿度感”和“温度感”。例如，如何通过调整高光边缘的锐度来表现清晨薄雾和正午骄阳的区别，这种对微妙感知的捕捉，是任何AI生成工具都难以替代的人类经验结晶。书中引用了许多经典油画和电影截图作为参考，对比之下，能清晰地看到作者是如何将传统艺术中的光影技巧，精准地嫁接到数字绘画的流程中的。这本书真正做到了，将“画得像”提升到了“感觉对”的层次，对于希望作品具备高级质感的读者来说，是不可多得的宝藏。

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这本书的独特之处在于它对“设计流程的哲学思考”进行了深入探讨，而非仅仅停留在软件层的演示。我发现它与其他教材最大的区别在于，它将原画设计视为一种解决问题的过程，而不是单纯的艺术表达。例如，在讨论“色彩情绪板”的构建时，作者并没有简单地给出几个流行的配色方案，而是详细拆解了每一种色彩背后所蕴含的心理学意义，以及如何根据项目需求（例如是希望营造疏离感还是亲密感）来调整饱和度和明度的权重。更让我印象深刻的是关于“迭代与取舍”的章节，书中展示了一个失败的原画设计案例，从初期方案到最终被否决的原因分析，非常坦诚和详尽。这对于我们这些在实际工作中经常面临甲方需求调整的从业者来说，是极其宝贵的经验分享，它教会我们如何有理有据地捍卫设计方向，同时也懂得适时放手，这才是成熟设计师必备的素质。

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这本关于原画设计的书，确实是近年来我见过的同类作品中比较少有的，它没有像其他一些教程那样，上来就堆砌晦涩难懂的专业术语和复杂的软件操作步骤。相反，作者仿佛是一位经验丰富的前辈，非常耐心地引导我们进入这个充满想象力的世界。我尤其欣赏它在“角色情绪捕捉”那一章节的处理方式，它没有停留在表面的五官夸张化上，而是深入剖析了不同心境下，角色肢体语言的细微变化，比如肩膀的放松程度、手指的蜷曲方式，甚至是颈部的倾斜角度，都与角色的内心世界紧密关联。书中配有大量的实战案例，展示了从初稿的草图阶段到最终成品之间，设计思路是如何逐步清晰和完善的。对于我这种自学多年的爱好者来说，最大的收获在于建立了一种更系统、更人性化的设计思维框架，不再是单纯地模仿别人画什么，而是开始思考“为什么这么画”。这本书更像是一本悟道指南，而不是一本操作手册，它教会了我如何真正地去“看”世界，然后将其转化为富有生命力的画面。那些关于光影和材质的讲解，也摆脱了教科书式的僵硬，融入了大量的艺术史典故，让人在学习技法的同时，还能感受到深厚的文化底蕴。

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老书了，讲解细致

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老书了，讲解细致

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