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出版者:

作者:劳承万

出品人:

页数:346

译者:

出版时间:2010-10

价格:45.00元

装帧:

isbn号码:9787500489542

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《中国古代美学》是一部深入探索中国古代审美理念、艺术实践及其哲学根源的著作。本书并非简单罗列历代美学观点，而是旨在揭示贯穿中国古代数千年审美思想的核心脉络与独特精神。 全书共分为三个主要部分，层层递进，力求全面而深刻地展现中国古代美学的魅力。 第一部分：哲学本体与美学观念的渊源 本部分着重于梳理中国古代哲学思想与美学观念之间的内在联系。作者认为，理解中国古代美学，必须从其最深层、最根本的哲学土壤入手。 道家的“道”与“自然”： 深入探讨道家思想，特别是老子《道德经》和庄子《庄子》中关于“道”的阐述。书中会详细分析“道”作为宇宙万物的本源，其无形、无名、无为的特质如何直接影响了中国古代艺术家对“意境”和“神韵”的追求。强调“自然”作为艺术创作的最高范式，艺术家应效法天地，顺应自然，而非刻意雕琢。 儒家的“仁”与“礼”： 分析儒家思想对美学的影响，特别是在社会伦理和人格修养方面。探讨“仁”的道德情感如何与艺术的情感表达相契合，以及“礼”的规范如何在艺术形式和审美秩序中得到体现。关注儒家所倡导的“中和之美”，即不偏不倚、恰到好处的审美尺度。 佛学的“空”与“禅”： 考察佛教传入中国后，其“空”的哲学思想如何为中国古代艺术注入了新的维度。分析禅宗的“顿悟”精神如何影响了中国画的写意手法、诗歌的留白艺术，以及其对“境由心生”的强调。探讨佛教中“诸相非相”的观念如何与中国古代艺术家追求超脱物象、体悟精神的审美取向相吻合。 通过对这些主要哲学流派的细致解读，本书试图证明，中国古代美学并非脱离生活与哲学的孤立存在，而是深深根植于对宇宙人生根本问题的思考之中，并从中汲取了源源不断的养分。 第二部分：美学范畴与核心概念的解析 本部分将聚焦于中国古代美学体系中一系列具有代表性的核心范畴和关键概念，对其进行深入的界定、分析和阐释。 “意境”的生成与品鉴： 这是中国古代美学最具独创性的概念之一。本书将详细考察“意境”的内涵，包括其“形”与“神”、“景”与“情”、“实”与“虚”的辩证统一。通过分析历代文人墨客的创作实践和理论阐述，揭示“意境”是如何通过艺术家主观情志的注入与客观景物的描绘相互渗透而形成的，以及鉴赏者如何通过体悟进入艺术家的精神世界。 “神韵”的奥秘与追求： “神韵”是中国古代艺术家梦寐以求的艺术最高境界。本书将探讨“神韵”与“形似”的关系，强调其超越具体形态的内在生命力与精神气质。分析“神韵”的难以言传、难以捉摸，以及艺术家如何通过对物象的精准捕捉和对情感的深刻表达来赋予作品“神韵”。 “气韵生动”的时代嬗变： 重点梳理“气韵生动”这一范畴在中国美学史上的演变轨迹，从顾恺之的“以形写神”到谢赫的“六法”，再到后世的诸多阐释。分析“气韵”作为一种生命活力和精神风骨，是如何成为中国绘画、书法等艺术评价的重要标准。 “留白”与“空灵”的艺术哲学： 深入探讨中国艺术中“留白”和“空灵”的艺术处理手法。分析其并非简单的空白，而是具有丰富意蕴的“虚”的空间，能够引发观者丰富的联想和想象，营造出超乎言语的艺术氛围。 “移情”与“象外之旨”： 探讨艺术家如何将自身的情感投射于描绘的对象，以及如何通过具体的物象来传达超越物象本身的深刻含义。分析“象外之旨”的艺术魅力，即作品的意义并非局限于表面所见，而是留有广阔的解读空间。 通过对这些核心概念的深入剖析，本书旨在让读者理解中国古代美学是如何超越了西方艺术注重模仿和再现的传统，而更侧重于表达内在精神和主观体验。 第三部分：艺术门类中的美学实践与创新 本部分将把抽象的美学理论落实在具体的艺术实践中，考察中国古代不同艺术门类是如何体现和发展其独特的美学思想的。 中国画的笔墨意趣与写意精神： 重点分析中国画独特的笔墨语言，如用墨的浓淡干湿、用笔的刚柔方圆，以及这些技法如何服务于“写意”的表达。探讨水墨画如何通过寥寥数笔勾勒出万物的生命神韵，以及其“以形写神”、“笔简意赅”的艺术特点。 诗歌的声律、意象与情感表达： 考察中国古代诗歌在声律上的和谐、意象的选择与组合，以及如何通过这些手段来传达细腻丰富的情感。分析从《诗经》到唐诗宋词的演进，揭示诗歌美学在形式与内容上的不断创新。 书法的美学意蕴与人格象征： 探讨中国书法的线条之美、结构之美、章法之美，以及书法如何被视为一种人格修养的体现。分析历代书法大家的作品，理解“笔走龙蛇”、“力透纸背”等评价背后的美学内涵。 园林艺术的“天人合一”与移步换景： 深入解读中国古典园林的设计理念，如何将自然景致与人工营造巧妙结合，形成“虽由人作，宛自天开”的艺术效果。分析园林中的“借景”、“障景”、“漏景”等手法，以及其所体现的“天人合一”的哲学思想。 器物之美与生活美学： 简要触及中国古代器物（如陶瓷、青铜器、丝织品等）的设计美学，分析其造型、纹饰、色彩所蕴含的审美情趣和文化意义，以及如何将美学理念融入日常生活。 《中国古代美学》力求通过以上三个部分的系统梳理与深入分析，为读者提供一个清晰、全面且富有洞察力的中国古代美学研究框架。本书不仅是对中国传统美学的一次回顾，更是对其精神内核的一次发掘与传承，旨在唤醒读者对中华民族独特审美智慧的认识与认同。

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这本书最让我感到惊喜的是其后半部分对“山水意境”的现代诠释尝试。作者并未满足于对古代山水诗、山水画的传统赏析，而是大胆地引入了一些当代艺术理论的视角，去解构古代“卧游”和“胸中丘壑”的生成机制。它探讨了古人如何通过对景物的选择性再现和情感的投射，将有限的自然物象转化为无限的精神空间，这在理论上是非常具有挑战性的。书中对“虚实相生”这一美学母题的深入剖析，更是令人拍案叫绝。作者通过对比不同时期书法作品中“留白”的处理方式，阐述了“虚”并非“空无”，而是为了承载更丰富“实”的必要空间。这种结合了哲学思辨、艺术实践和现代理论分析的写作手法，让这本书的厚度远超其纸面上的篇幅，它不仅是在介绍历史，更像是在引导读者进行一场深入的自我美学建构之旅。

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这本关于中国古代美学的著作，着实让我眼前一亮，尤其是在它对魏晋时期玄学与美学之间微妙关系的探讨上，简直是点睛之笔。作者没有满足于泛泛而谈“清谈误国”的刻板印象，而是深入挖掘了士人如何在那个思想解放的时代，将对“有”与“无”、“自然”与“人为”的哲学思辨，转化为具体的艺术审美范式。比如，它详细剖析了竹林七贤中几位代表人物，是如何通过对山水游赏、服饰仪态的独特追求，来表达对僵化礼教的反叛，这与后世的文人画的写意精神有着清晰的内在联系。书中引用的史料和文献考据翔实，远超一般普及读物的深度，看得出作者是下了苦功的。特别是对于“自然”这一核心概念的辨析，作者没有简单地将其等同于自然风光，而是上升到了本体论的高度，阐释了古人如何将“道法自然”的理念渗透到诗歌的韵律、建筑的布局乃至日常生活的审美情趣之中。读完后，我感觉对中国古典艺术中的“韵味”和“意境”有了更深一层的理解，不再是停留在表面的欣赏，而是触及到了其背后的精神内核。

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我必须指出，这本书在处理“民间审美”与“文人精英审美”的张力时，处理得极为克制和精妙，这在国内同类研究中是很少见的。通常的论述往往偏向于记录宫廷或士大夫阶层的雅好，而这本书则花费了相当篇幅去考察那些看似粗粝、实则充满生命力的民俗艺术中所蕴含的美学原则。比如，对于戏曲服装的色彩运用、地方年画的构图逻辑，作者都运用了相当成熟的美学理论工具进行分析，而非简单地将其视为“低级趣味”。这种拓宽研究视野的做法，极大地丰富了我们对“中国美学”的整体认知。它提醒我们，审美从未是高高在上的空中楼阁，而是根植于人民群众的日常劳作与精神寄托之中。阅读过程中，我不断地被拉回到那个充满烟火气的历史现场，感受那种朴素而深刻的和谐之美。

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这本书的结构安排，坦白讲，初看之下略显跳跃，但细细品味后，却发现这正是其高明之处——它试图构建一个立体的、多维度的美学图景，而非线性的时间轴。它没有拘泥于某一个朝代的辉煌，而是通过对“器物审美”与“精神哲学”的交错考察，展示了美学观念是如何渗透到社会生活的方方面面。举个例子，书中对宋代瓷器烧制工艺的描述，并非停留在工艺技术层面，而是将其提升到了“中和之美”的哲学体现，探讨了极简主义与富丽堂皇之间如何找到那个微妙的平衡点。这种跨学科的融合能力，使得全书充满了活力。我不确定是否所有读者都能适应这种“主题式”的推进，但对于我这种渴望看到知识点之间建立联系的读者来说，它无疑提供了一张详尽的思维导图。它让我意识到，我们今天谈论的美感，其源头可以追溯到古人对“尺度”和“适度”的极致追求。

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我得说，这本书在梳理唐宋诗词的审美流变时，展现了一种极其细腻的笔触和洞察力，远超我以往读过的任何一本同类书籍。它并非简单地罗列佳作，而是着重分析了不同时期、不同地域文人集团的审美取向是如何相互影响、相互区别的。特别是对宋代江西诗派那种“以文为诗”的刻意雕琢，以及与苏轼等人倡导的自然天成的风格之间的张力，书中描绘得入木三分。我尤其欣赏作者对“格律”与“性灵”之间辩证关系的论述。传统观点常将格律视为束缚，但作者却指出，在唐代，严谨的格律反而成了某些诗人淬炼情感、达到“登峰造极”的工具，这提供了一个非常新鲜的视角。书中对某些名篇的细读，甚至能看出作者对一个字、一个意象在不同历史语境下被赋予的审美重量的考量，这种学术的严谨性，让人不得不佩服。这本书的价值，就在于它教会了读者如何“慢读”经典，去体会那些隐藏在平仄声调下的时代心绪。

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