当代油画家风景画精选.水乡

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出品人:
页数:44
译者:
出版时间:2010-9
价格:42.00元
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isbn号码:9787530542002
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《当代油画家·风景画精选:水乡》内容简介:大自然是一部永远也看不完的书,也是一部看不懂的书,充满了奥秘。但又是一部充满了灵性、可以用心灵去感知的书。亲近大自然、感悟大自然、陶醉于大自然,这是一种莫大的感化,人的心灵、人的情感都在净化、提纯。画风景画感觉心里很甜蜜。但在画风景时,你必须有充沛的真诚的情感。真情实感,有感而发的那种真情,发自内心的真诚与激情,情真意切。

远方的呼唤:当代中国山水画的时代镜像 书籍简介 本书汇集了当代中国画坛中,一批极具探索精神和时代洞察力的山水画家。不同于传统意义上对自然景色的单纯摹写或文人情怀的寄托,这些作品深刻地反映了二十一世纪初的中国社会变迁、城市化进程以及人与自然之间复杂的新关系。它不是对某个特定地域风貌的地理性记录,而是一部关于“山水精神”在现代语境下如何重生的视觉档案。 第一部:山河重塑与宏大叙事 本卷聚焦于那些以磅礴气势和结构主义视角来处理中国大地形态的艺术家。在高速发展的时代背景下,大型水利工程、能源基地和新开垦的土地成为他们关注的焦点。 一、工业景观的审美张力: 不再是笔墨的隐逸山林,画作中出现了高耸的塔吊、蜿蜒的输电线路,以及被开采后呈现出斑斓色彩的矿区。画家们以传统水墨的皴法和留白技巧,去解构和重塑这些人工痕迹。例如,张某的作品《钢铁的脉络》,通过浓重的焦墨处理,将一座钢铁厂的复杂管线描绘得如同山体上的巨大藤蔓,既有工业的粗粝感,又流露出一种难以抗拒的生命力。这种对“人造自然”的描绘,探讨了人类改造世界的雄心与自然本体之间的永恒对话。 二、地质变迁的史诗性表达: 面对快速的城市扩张,一些画家选择关注那些尚未被完全纳入规划的“边缘地带”——高原、戈壁和尚未被充分开发的河流上游。他们的作品往往采用大尺幅,借鉴了西方表现主义的色彩倾向,但根基依然深植于中国画的“气韵生动”。例如,李শিল্পী的《黄土的叹息》系列,运用了大量的赭石和土黄,笔触粗粝而沉重,似乎能让人感受到泥土在风蚀和水流下的缓慢崩塌,这象征着对传统农业文明消逝的深沉缅怀。 三、天空与大气的哲学: 现代空气污染和气候变化议题也渗透到了山水画中。一些作品摒弃了清晰的物象,转而捕捉弥散在空气中的“气”。墨色的晕染不再是营造烟雨朦胧,而是刻画一种压抑或迷茫的氛围。王震的作品《雾锁天际》,画面主体几乎被灰白色的水汽占据,仅凭几笔淡墨勾勒出远山模糊的轮廓,表达了现代人在信息过载与环境不确定性中的迷失感。 第二部:个体在场与日常景观的陌生化 如果说第一部分是“国之大者”的描绘,那么本卷则转向了当代中国最普遍的视觉体验——城中村、郊区、以及被快速遗忘的旧街区。 一、城市边缘的“非景观”: 当代中国大部分人的生活场景充斥着水泥、玻璃和钢筋。几位新锐画家拒绝了传统上对“名山大川”的追逐,转而将目光投向了那些被主流审美排斥的角落:高架桥下的阴影、拆迁废墟中的顽强绿植,甚至是夜晚霓虹灯映照下的水洼。陈颖的作品《高架桥的底部》中,她用极其细致的工笔技法描绘了桥墩上苔藓的生长和积水的倒影,这种“微观宇宙”的聚焦,使得日常的腐朽与新生并置,展现出强大的生存张力。 二、记忆的断层与图像拼贴: 随着历史记忆的快速迭代,许多场景在被新建之初就已注定消亡。一些画家尝试在同一画面中融合不同时态的视觉信息。他们可能会将一张老照片中的建筑轮廓,用现代水墨的技法叠加到当前的实景速写之上。这种“图像考古”的手法,提醒观者,我们所见的“当下”本身就是无数个逝去瞬间的叠加。刘明的《旧院的碎片》便是这种尝试的代表,画面中清晰可见清代风格的窗棂与旁边突兀的卫星天线形成的并置与冲突。 三、精神的“留白”:人的缺席与在场: 在这些描绘城市和郊区的作品中,人物的出现频率极低,即使出现,也往往是模糊的、背影式的,或者被环境的体量感所吞噬。这种“人的缺席”,并非是传统文人画中超脱尘世的隐逸,而是现代社会高密度生活下,个体精神空间被挤压的真实写照。画面中大面积的留白,往往不是为了描绘云雾,而是为了凸显个体在庞大社会结构面前的“虚空感”。 第三部:媒介的反思与笔墨的当代性 本卷探讨了艺术家们如何挑战传统水墨的边界,以及他们对媒介本身的反思。 一、墨色的实验性拓宽: 当代的水墨不再局限于松烟墨或油烟墨。艺术家们开始引入工业染料、矿物颜料,甚至非传统媒介(如沥青、树脂)来增强墨的物质性和表现力。他们寻求的不再是“润、黑、浓、淡”的传统变化,而是墨在不同载体上产生的物理反应,如渗透、结晶、剥离等。周毅的《大地肌理》系列,通过厚涂和刮擦,使得画面如同被切割的岩石切片,墨的层次感达到了前所未有的厚度。 二、笔触的“数字感”重构: 在高清图像和像素化审美的冲击下,一些画家尝试用笔法来模拟数字图像的特质。他们可能使用极为规整、重复的线条(类似于扫描线),或者用点垛来构建体积,取代了传统皴法的自然韵律。这种对“非自然笔触”的运用,是水墨对数字时代视觉语言的一种回应与解构。 三、文人精神的现代回响: 尽管题材转向现代,但对“意境”的追求并未消失。这些作品的核心依然是画家与自然界建立的个人连接。他们试图在工业时代的喧嚣和日常生活的琐碎中,重新确立一种属于当下的精神坐标。这种坐标不再是逃避尘世的清高,而是直面现实,并在其中提炼出具有普适性的人类情感——孤独、敬畏、希望与疲惫。 结语:时代的风景线 《远方的呼唤:当代中国山水画的时代镜像》所呈现的,是一群不满足于复古的艺术家群体。他们用最古老的媒介,记录和诠释着最前沿的时代巨变。这些山水画不再是为文人雅士所设的静谧之景,而是成为观察中国社会结构、环境伦理和个体精神状态的强有力、且充满张力的视觉文本。它昭示着,山水画的生命力,在于其不断自我更新,以映照时代风云的能力。

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对我来说,一本好的艺术书籍,其价值不完全在于展示了多少作品,而在于它提供了一种怎样的思考路径。我更看重那些在作品选择和编排上具有强烈策展人视角的画册。我希望看到的是一个清晰的主题脉络,比如“色彩如何表达忧郁”或者“线条如何构建时间感”。如果一本书能像一篇精心撰写的学术论文一样,用视觉语言讲述一个完整的故事,引导我一步步深入理解艺术家的思维过程,那就太棒了。我不太喜欢那种仅仅是作品的简单罗列,而是渴求看到作品之间的对话,看到不同时期、不同创作阶段的风格演变和内在逻辑的贯穿。那种能让我合上书后,脑中仍然回响着关于艺术本质的哲学思考的画册,才是真正能经受住时间考验的佳作。

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作为一个对摄影构图有着执着追求的人,我总是在寻找那些能启发我在镜头前捕捉瞬间的视觉范本。我深知,顶级的风景绘画作品往往在构图上达到了几何学的完美平衡,那些对引导线、黄金分割点以及前景、中景、背景层次的布局,比任何摄影教程教的都要来得直观和精妙。我更倾向于那些视角独特、非传统地平线的作品,那种故意为之的倾斜或者大胆的截取,往往能制造出一种强烈的视觉冲击力和故事性。我希望看到的是那些在“看”风景时,已经完成了高度提炼和情感注入的作品,它们能教会我如何从日常的景色中抽取出最富戏剧性的那一面。那些能够打破常规视野,将二维平面处理出三维呼吸感的图像,对我来说具有不可抗拒的魔力。

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我最近沉迷于探索欧洲古典写实主义与现代印象派交织的绘画技法,特别是那些色彩学大师是如何处理光影的微妙过渡。我对那些强调结构严谨性,同时又在色彩上敢于大胆突破的作品情有独钟。我尤其关注那些画家如何运用冷暖对比来营造空间深度,以及他们对特定天气条件下光线特性的捕捉能力。比如,我对那种清晨薄雾笼罩下,远山那种近乎透明的蓝灰色调,如何与前景暖调的植被形成微妙的对话非常感兴趣。我总是在寻找能够清晰解析这种复杂光影关系的图册,最好还能附带一些对画家创作理念的深入剖析,让我能从技法的层面去模仿和理解,而不是仅仅停留在表面的赞叹。那种能让我感受到笔触的呼吸感,仿佛能透过纸张闻到松节油味道的画作,才是我真正想挖掘的宝藏。

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近些年来,我开始对艺术史中那些“边缘流派”产生浓厚的兴趣,那些不常被主流评论家提及,但却在地方艺术圈拥有独特影响力的画派或个人风格。我热衷于挖掘那些扎根于特定地域文化,其作品中蕴含着浓厚乡土情感和地方叙事性的艺术家。我期望看到的画册,能够把焦点从那些享誉国际的“大师”身上移开,转而投向那些默默耕耘,用画笔记录家园变迁的“匠人”。我关注的是他们如何将地方特有的建筑符号、风土人情,甚至是那些被时代快速遗忘的生活细节,融入到他们的创作之中。这种带着“温度”和“记忆”的艺术,比那些高度概念化、脱离了生活根基的作品,更能触动我内心深处对“根”的渴望。

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这本画册的装帧设计简直是艺术品级别的享受,那种低调的奢华感扑面而来。封面那种微哑的光泽处理,配合着烫金的字体,透露出一种沉稳又不失格调的艺术气息。迫不及待地翻开内页,首先被震撼到的是纸张的质感,厚实而细腻,即便是印刷品,也能感受到画家原作画布的肌理和笔触的微妙变化。这绝非那种随便印印就拿来充数的画集可以比拟的。装帧的用心程度,让人觉得收藏价值都提升了好几个档次。尤其是一些大跨页的展示,色彩的过渡和细节的把控都达到了印刷技术的巅峰,完全没有廉价的胶印感。能看得出,出版方在制作过程中是下了血本的,对于真正热爱艺术、追求高品质阅读体验的藏家来说,光是这份对“物”本身的尊重,就足以让人心动。它不仅仅是一本画册,更像是一件精心打磨的艺术品陈设在书架上,每一次触碰都是一种愉悦的仪式感。

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当当网购得,书一般

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