中国油画名家个案研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:尚扬

出品人:

页数:141

译者:易英著

出版时间:2010-2

价格:78.00元

装帧:

isbn号码:9787539431710

丛书系列:

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艺术的脉络：西方油画的流变与技法精研 第一章 早期油画的黎明：从尼德兰到文艺复兴的技法革新 本卷深入探讨了油画材料与媒介在西方艺术史早期所经历的革命性演变。我们将从十五世纪早期尼德兰画派的崛起开始，细致剖析扬·凡·艾克（Jan van Eyck）等人如何通过对亚麻籽油和树脂媒介的精妙调和，彻底改变了蛋彩画的局限性，使色彩的透明度、光泽感和细节表现力达到了前所未有的高度。 重点章节将聚焦于“湿对湿”（Alla Prima）技法的早期雏形及其在光影处理上的突破。我们不仅会分析提香（Titian）等威尼斯画派大师如何利用油的流动性创造出富于层次感的色彩堆叠，还会考察阿尔卑斯山以北的画家们如何在坚实的底子上，通过多层“釉光”（Glazing）技术，营造出宝石般的深度和光感。 一、材料的科学：从研磨到调和 颜料的精选与制作： 本章详细对比了早期画家如何从矿物、植物和昆虫中提取色彩，以及不同油类（如核桃油、罂粟油）对颜料干燥速度和最终光泽度的影响。 底层的艺术： 介绍早期木板和帆布底材的准备过程，包括石膏层（Gesso）的配方和打磨对后期油层附着力的决定性作用。 二、光影的构建：透视与空气感的实现 对早期意大利文艺复兴，特别是佛罗伦萨画派，在油画中融入数学化空间理论的尝试进行考察。分析如何运用油画媒介来精确控制远景的“空气透视”（Aerial Perspective）。 --- 第二章 巴洛克的戏剧性：情感、运动与光线的驾驭 十七世纪，油画成为了表达宏大叙事和强烈情感的绝对主导媒介。本章着重分析巴洛克艺术运动中，油画技法如何服务于强烈的戏剧效果和心理深度。 卡拉瓦乔（Caravaggio）的“明暗对照法”（Chiaroscuro）是本章的核心议题。我们将剖析他如何利用深邃的暗部和突如其来的强光，雕塑出人物的形体，并营造出强烈的叙事张力。这不仅仅是一种光线运用，更是对油画媒介在制造视觉冲击力方面的极致探索。 鲁本斯（Rubens）和伦勃朗（Rembrandt）的技法对比构成了本章的另一重要维度。鲁本斯作品中饱和、流动的色彩运用，以及他处理肉体和织物时那种近乎三维的厚涂效果，将与伦勃朗通过极其精细的底层处理和对“有限光线”的精准捕捉，以实现深刻心理刻画的“堆砌式”或“刻划式”技法进行对照研究。 一、动态的捕捉：厚涂法（Impasto）的兴起 讨论巴洛克画家如何增加颜料的厚度，甚至使用调和了松节油的混合媒介，使得笔触本身成为作品的结构和能量载体。 分析对“运动”的描绘，例如在描绘布料飘扬或人物姿态时，颜料在画布上的物理形态所传达的速度感。 二、色彩的心理学：从提香的余韵到法兰德斯的活力 研究巴洛克时期对色彩饱和度的掌控，尤其是在处理宗教场景和肖像画中权力的象征时，油画如何通过色彩的“重量感”来加强主题。 --- 第三章 洛可可的轻盈与古典的回归：油画的精致化与学院派的规范 十八世纪，艺术的重心从神圣的叙事转向了世俗的享乐与对古代秩序的重新审视。本章关注油画在技法层面上为适应新主题所做的调整。 洛可可时期，如华托（Watteau）和布歇（Boucher）的作品，要求油画具有一种轻盈、柔和的质感。我们详细解析了他们如何通过极薄的“釉光”和微妙的过渡色，来表现丝绸、肌肤和户外光线的缥缈效果，几乎消除了笔触的痕迹，追求一种“光滑的幻觉”。 随后，对大卫（David）为代表的新古典主义复兴，如何通过严谨的线条和对古代雕塑的模仿，重新规范了油画的执行标准。学院派推崇的“无痕表面”和精确的形体塑造，要求画家对油画媒介的控制达到近乎机械的精确性，这与洛可可的随意形成了鲜明对比。 一、“消失的笔触”：光滑表面的追求 分析十八世纪画家为达到“精致”效果所采用的特殊调和剂和细致的抛光技术。 二、对媒材的控制：油画中的“素描精神” 探讨古典主义如何强调油画中的“素描”（Disegno）基础，以及如何通过油画在底层进行精确的灰色调铺陈，以确保最终色彩的清晰度和结构的稳固性。 --- 第四章 变革的边缘：浪漫主义、印象派与现代油画的诞生 十九世纪是油画技法发生剧烈动荡的时期。技术上的革新（如工业化颜料管的发明）极大地解放了画家，使其能走出画室，直面自然光线。 浪漫主义，以德拉克洛瓦（Delacroix）为代表，将油画的色彩和笔触推向了感性的极限。他们重新拥抱了厚涂法，但与巴洛克式的结构性厚涂不同，浪漫主义的厚涂是为了传达瞬间的激情和色彩的震颤。本章将分析德拉克洛瓦如何运用相邻色彩的并置，让眼睛在观看时完成混合，创造出前所未有的视觉活力。 印象派的出现彻底颠覆了油画的传统目的。莫奈（Monet）和雷诺阿（Renoir）的作品要求我们重新审视“完成度”的定义。本章深入探讨了他们如何利用快速、断裂的笔触，以及对特定时间段内自然光色彩的科学观察，将油画从叙事工具转变为对“视觉瞬间”的记录。 一、工业革命的馈赠：管装颜料与户外写生 探讨便携式画具和预制颜料如何改变了油画的创作节奏和规模，促成了户外写生的普及。 二、笔触的解放：从结构到感觉 分析如何通过改变笔触的方向、大小和颜料的厚薄，使油画的表面结构本身成为信息传递的一部分，为后来的抽象表现主义奠定了基础。 --- 第五章 形式的瓦解与重构：后印象派到二十世纪的油画实验 进入二十世纪，油画不再受制于再现现实的需要。本卷最后一部分探讨了油画媒介如何被用于探索纯粹的形式、情感和潜意识。 塞尚（Cézanne）对油画媒介的结构性重塑是关键。他摒弃了传统的明暗过渡，转而使用色块的并置和“构建性笔触”，尝试用色彩本身来建立体积和深度，对立体主义产生了深远影响。 梵高（Van Gogh）则将油画推向了表现主义的极致。他的作品展示了油画颜料在最高饱和度下所能达到的精神强度。我们将研究他对笔触的控制，如何使颜料的挤压和扭曲状态，直接转化为强烈的情绪张力。 最后，对抽象表现主义的先驱们（如罗斯科对色域的探索）如何利用油画的稀释性、渗透性以及颜料在画布上的铺陈状态，来创作具有冥想性和精神性的巨幅作品，进行总结。油画媒介至此完成了从再现的工具到独立艺术实体的终极转变。

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我发现这本书的后记部分处理得非常巧妙，它没有草草收场，而是提供了一个极具价值的“资源索引”。这个索引不仅罗列了书中提及的艺术家的主要展览信息（包括历史上的和近期的），还附带了部分重要文献的出处和收藏机构的联系信息。这极大地拓展了后续研究的可能性，把一本静态的图册变成了一个动态的、可供深入挖掘的知识平台。对于那些希望将理论研究延伸到实践考察的读者来说，这无疑是雪中送炭。它体现了一种开放的学术态度，鼓励读者不要止步于眼前的印刷品，而是要积极去寻求原作的“在场”，去博物馆、去画廊。这使得这本书的实用价值和学术引导性都得到了极大的提升，远超出了我最初对一本“画册”的预期。

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这本书的体量和重量都非常可观，拿在手里沉甸甸的，这本身就构成了一种强大的“在场感”。这种实体书的体验，是任何电子阅读器都无法替代的。在翻阅时，我发现它在处理不同时期画作的放大细节处理上，有着令人称道的细致度。例如，对于描绘早期写实主义作品时那些微妙的明暗交界线，即便是局部特写也保持了极高的清晰度，色彩过渡的渐变过渡得自然而真实，几乎没有看到明显的印刷网点或失真。这种对细节的苛求，体现了出版团队对艺术原貌的尊重。我甚至可以借助这些细节图，去想象画家当时使用画笔的力度和角度，仿佛通过纸张的介质，与百年前的创作现场产生了某种无声的共振，这是一种沉浸式的学习体验。

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阅读这本书的过程，与其说是看画册，不如说更像是一场深入的对话。文字部分的叙事风格极为克制而精准，没有使用那些华丽空洞的辞藻去过度赞美，而是专注于技术分析和时代背景的梳理。它像一把手术刀，冷静地剖析了画家在用光、用色、调和以及对西方体系的消化与本土化改造的每一个关键决策。我特别喜欢其中对“笔触”的描述，那种对于油彩堆叠厚度、刮擦痕迹、以及颜料干燥后呈现的肌理感，都有细致入微的记录。这让我意识到，每一层颜料背后，都隐藏着画家彼时的犹豫、肯定或是突破。对于我个人而言，这种技术层面的深度剖析，远比空洞的艺术评论更具启发性，它教会我如何“看”一幅油画，而不是仅仅“欣赏”它。

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这本书的选篇眼光独到且极具深度，它并非简单罗列了我们耳熟能详的“大师”作品，而是着力于挖掘那些在特定历史时期或特定技法上有所突破的艺术个体。我惊喜地发现了一些早期探索西方油画技法与本土题材结合的先驱者，他们的探索历程充满了挣扎与创新，这使得整部作品的学术价值陡然提升。作者在选取作品时，似乎非常注重作品的“转折点”或“代表性阶段”，而非平均分配篇幅给每一位画家。这种有侧重点的编排，使得我们能更清晰地追踪每一位艺术家的创作脉络是如何随着时代背景和个人心境而发生微妙变化的。这种精细的策展逻辑，无疑为我们提供了一个研究中国油画发展史时，更为立体和多维的观察切口，避免了流于表面化的泛泛而谈。

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这部画册的装帧设计真是别出心裁，从封面到内页的纸张选择，都透露出一种低调的奢华感。我尤其欣赏它在排版上的用心，每一幅作品都有足够的留白，让观者的目光能够完全聚焦于画作本身，而不是被周围的文字或装饰元素所干扰。那些精心挑选的字体，古朴而不失现代感，与油画厚重的历史感和细腻的笔触形成了奇妙的和谐。触摸着封面略带纹理的材质，仿佛能感受到创作者在画布上留下的呼吸。这样的制作水准，已经超越了一般的艺术书籍范畴，更像是一件值得珍藏的艺术品。无论是作为案头摆设，还是在安静的午后细细品味，它都能带来一种仪式感，让人对即将展开的视觉盛宴充满期待。 尤其值得称赞的是色彩还原度，那种油画特有的光泽和层次感，即便是通过印刷品也能窥见一斑，这对于研究者和爱好者来说，无疑是极大的便利与享受，展现了出版方对原作精神的尊重与敬畏。

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書內有不少草圖

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印刷太差

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前面易英的介绍性文字还是很实用的，对于了解刘小东很有用。从后面的画作来看，似乎早期的画荒诞的感觉更强烈，画面中黑色所占的比重也很大，而最近的作品已然只是描写现实，但是对人物和色彩不做更多的处理了。“画画就是画画，说那么多干嘛！”

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因着《冬春的日子》看的。

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因着《冬春的日子》看的。