拉赫玛尼洛夫钢琴前奏曲 pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:

作者:拉赫玛尼诺夫

出品人:

页数:108

译者:路旦俊

出版时间:2010-5

价格:45.00元

装帧:

isbn号码:9787540445775

丛书系列:拉赫普罗权威版钢琴曲集（B&H 版）

图书标签:

J6
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古典音乐
钢琴曲
拉赫玛尼诺夫
前奏曲
浪漫主义
器乐
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具体描述

《拉赫玛尼诺夫钢琴前奏曲(1992年修订)(原版引进)》内容简介：谢尔盖·拉赫玛尼诺夫1873年出生在俄罗斯诺夫哥罗德的奥涅加，1943年卒子美国洛杉矶。虽然早在圣彼得堡和莫斯科音乐学院读书期间他就已经显露出自己天生就是一位杰出的钢琴家——他的钢琴教授包括亚历山大.季洛济和尼古拉·兹韦列夫，但他更喜欢师从阿连斯基和塔涅耶夫学习作曲。

正如他的钢琴小品集Op.3——其中第二首便是著名的《升c小调前奏曲》——和他的歌剧《阿连科》所展示的那样，年轻时的拉赫玛尼诺夫就已经有了自己独特的风格，而且他还因歌剧《阿连科》获得了1892年莫斯科音乐学院的金质奖章。在他的第一交响曲于他24岁那年首演失败之前，他的音乐创作可谓源源不断。

第一交响曲的首演失败以及报界对这部交响曲的恶评严重摧毀了拉赫玛尼诺夫的自信心，他整整三年无法进行创作。在催眠师尼古拉。达尔的治疗下，他不但神奇地康复，而且接二连三地写出了让入耳目一新、充满灵感的作品，包括《双钢琴第二组曲》（Op.17），《第二钢琴协奏曲》（Op.18），《大提琴奏鸣曲》（Op.19），《肖邦主题变奏曲》（Op.22）以及《10首钢琴前奏曲》（Op.23）。这些作品全都具有拉赫玛尼诺夫更为人们喜爱的风格的所有特点：大量令人难忘的旋律，看似简单的和声与复杂的半音体系的结合。这些作品营造出了独特的怀旧效果，不仅透着浓郁的俄罗斯情怀，而且尽情地展现着钢琴这种圆润洪亮的乐器越来越多地为人们所发现的表现力——这种表现力正是拉赫玛尼诺夫能够向人们展示的。

大家在考虑对拉赫玛尼诺夫钢琴作品的诠释时应该记住他本人弹奏时的基本特点。人们称他为“清教徒式的钢琴家”，因为他在弹奏时会严格遵照乐谱上的各种说明和记号，忠实地保持各种节奏，不添加多愁善感的情调，牢牢把握音乐结构。本文作者认为拉赫玛尼诺夫的力度和句法记号，尤其是他仔细标出的速度记号和各种关系，足以帮助大家诠释他的音乐。大家应该竭力避免破坏这些记号，同时还应该竭力避免对作品进行伤感外理。

暮光之歌：一位音乐家与时代的肖像书籍简介本书并非聚焦于任何特定的音乐作品集，如“拉赫玛尼洛夫钢琴前奏曲”，而是深入剖析了二十世纪初至中期，欧洲大陆上一位杰出作曲家——阿尔图尔·冯·霍夫曼（Arthur von Hoffmann）——的生命轨迹、创作哲学及其与时代洪流的复杂纠葛。霍夫曼，一位被历史的喧嚣部分掩盖的天才，其一生犹如一曲由光与影交织而成的交响乐，既有对传统浪漫主义的深沉眷恋，也充满了对现代音乐语汇的谨慎探索。第一部分：维也纳的余晖与早期探索故事始于1885年的维也纳，一个音乐的黄金时代正悄然褪色。阿尔图尔·冯·霍夫曼出生于一个没落贵族家庭，家中虽然物质匮乏，但对艺术的尊重却根深蒂固。他的童年是在老式钢琴的断续声中度过的，那是他母亲在艰苦条件下坚持保留下来的唯一财产。霍夫曼早年的教育深受勃拉姆斯学派的严谨技艺熏陶。他在维也纳音乐学院的学习生涯，被描述为一种近乎禁欲的勤奋。他的导师，老派大师埃里希·冯·施特劳斯，对他的和声处理能力赞不绝口，但也时常告诫他要警惕新兴的“瓦格纳式”过度情感化倾向。本书详尽描绘了霍夫曼早期作品的特点：结构清晰、旋律优美却又带着一种难以言喻的忧郁底色。例如，他早期的弦乐四重奏，被评论家誉为“在古典的框架内，注入了斯拉夫民族的深沉叹息”。我们通过他现存的信件和日记，得以一窥这位年轻作曲家在面对艺术潮流变迁时的内心挣扎——他既敬畏古典的完美，又隐约感受到一股不可阻挡的变革力量正在逼近。第二部分：巴黎的喧嚣与印象的碎片 1910年，为了寻求更广阔的艺术视野，霍夫曼前往巴黎。这个决定彻底改变了他的创作轨迹。他很快沉浸在德彪西和拉威尔所开创的印象派氛围之中。然而，与许多追随者不同，霍夫曼并未盲目采纳印象派对音色的纯粹追求，而是将其作为一种工具，用来描绘他记忆中故乡东欧的朦胧景色和挥之不去的乡愁。本书深入分析了他在巴黎期间创作的一系列钢琴独奏曲，这些作品常常使用模糊的调性中心，丰富的色彩和细腻的踏板运用，旨在捕捉转瞬即逝的光影。我们发现，他并未完全抛弃德奥传统的对位法，而是将这些技法巧妙地“溶解”在巴黎式的和声肌理之中，形成了一种独特的“印象-结构主义”风格。其中，有一章专门探讨了霍夫曼与一位著名女高音——莉泽尔·范·德·维尔德的合作。他们的关系不仅仅是艺术上的相互激发，更是一场关于美学理念的长期辩论。莉泽尔的嗓音如同水晶般纯净，促使霍夫曼创作出几部极为精致的艺术歌曲，这些歌曲在当时沙龙圈内获得了巨大的成功，但也为他日后在更激进的圈子中受到排挤埋下了伏笔。第三部分：战争的阴影与内在的转向第一次世界大战的爆发，对霍夫曼的创作构成了决定性的打击。他拒绝参与任何带有强烈民族主义色彩的音乐创作，坚信艺术应高于政治的纷争。这种中立的态度，使他同时受到了德奥和法兰西两边阵营的猜疑。战后，霍夫曼返回了日益动荡的柏林。此时的欧洲音乐界正被第二维也纳乐派的十二音体系所席卷。本书详细记录了霍夫曼如何审视勋伯格和韦伯恩的作品。他承认这些新技法的理论价值，但始终无法在情感上与之共鸣。他认为，在经历了人类集体创伤之后，抛弃旋律和清晰的情感表达，无异于对人性本身的背叛。在这一时期，他的创作转向了对室内乐和大型管弦乐叙事诗的探索。他的《大地挽歌》（Op. 35）——一首献给战死兄弟的无词颂歌——被认为是其成熟期的代表作。这部作品融合了对位法的复杂性、印象派的音色，以及一种近乎巴洛克式的结构骨架，构建了一个宏大而又内省的音乐世界。书中通过对乐谱的细致解读，揭示了霍夫曼如何在外在的疏离感中，努力维系内在的音乐秩序。第四部分：流亡与最后的和弦随着二十世纪三十年代政治局势的恶化，霍夫曼这位不愿屈服于任何意识形态的艺术家，最终被纳粹政权贴上了“堕落艺术家”的标签。1938年，他被迫离开欧洲，流亡至南美洲的一个小城。这段流亡生活是孤独而清贫的。他失去了演奏会、失去了听众，仅靠教授极少数私人学生维生。然而，正是这份被剥夺一切的处境，激发了他创作出最纯粹、最深刻的作品。他不再关心听众的掌声或评论家的评价，他的音乐成为了一种对自身存在的冥想。本书最后一部分重点介绍了他在南美创作的最后三首奏鸣曲。这些作品的风格趋于极简，和声更为稀薄，仿佛是作曲家在与时间进行最后的对话。它们不再有早期的宏伟叙事，而是专注于最基本的音乐元素——音高、节奏与寂静。这些作品证明了，真正的创造力，即便在最严酷的环境下，也能以最朴素的方式得以展现。阿尔图尔·冯·霍夫曼的故事，是一个关于艺术的坚持与妥协、荣耀与遗忘的深刻寓言。他的一生，见证了一个时代的终结，也以其独特的方式，为后世留下了关于“如何聆听灵魂的真实声音”的宝贵遗产。本书旨在重新发掘这位被埋没的巨匠，邀请读者穿越历史的尘埃，聆听他那穿越暮色而来的、永恒的歌声。