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出版者:湖北美术

作者:杨棣//沈洁

出品人:

页数:99

译者:

出版时间:2010-5

价格:38.80元

装帧:

isbn号码:9787539432021

丛书系列:

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深入探索数字艺术的奥秘：一本关于现代图像创作与视觉叙事的专业指南 书名：《数字绘景：从像素到杰作的创作之旅》 【图书简介】 在信息爆炸的数字时代，视觉语言已成为连接世界、传递思想的最有效媒介之一。然而，优秀的数字图像创作绝非仅仅依赖软件工具的堆砌，它更是一门融合了艺术理论、技术实践与个人创意思维的复杂学问。《数字绘景：从像素到杰作的创作之旅》正是一本旨在系统性地梳理和深入剖析现代数字艺术创作流程的专业教材与实践指南。它摒弃了浮光掠影的快速入门技巧，转而专注于构建扎实的美术基础和深化对数字媒介特性的理解，引领读者完成从零基础认知到独立完成高品质视觉作品的完整蜕变。 本书的定位是面向有志于在数字插画、概念艺术、视觉设计等领域进行深度学习与专业发展的创作者。它不侧重于模仿特定风格的“捷径”，而是着力于培养创作者的“内功”——即对光影、构图、色彩科学以及叙事结构的核心掌控力。 第一篇：数字艺术的基石——重塑美术素养 本篇是全书的理论核心，旨在为数字创作打下坚实且不可动摇的美术基础。我们深知，优秀的数字作品必须建立在对传统艺术原理的深刻理解之上。 第一章：光影的物理学与心理学解析。 详细探讨光线的传播特性，区分硬光、漫射光、环境光与自发光。不仅讲解如何在软件中精确模拟体积光、焦散和次表面散射，更深入分析光影如何影响情绪（如悬疑、温馨或戏剧性），以及如何利用明暗对比引导观者的视觉焦点。内容包括动态光源的设置、复杂材质（如金属、玻璃、皮肤）的光反射处理，以及如何通过光影层次感营造三维空间错觉。 第二章：色彩的科学与情感表达。 区别于简单的色轮操作，本章聚焦于色彩理论的高阶应用。内容涵盖色彩空间（RGB, CMYK, Lab）的专业理解，色彩对比度（明度、色相、饱和度）的精准控制，以及如何运用色彩心理学（Culture-Specific Color Psychology）在作品中植入潜意识信息。特别辟出章节讲解“非自然光照下的色彩校正”，解决在特定环境光（如霓虹灯、烛光）下角色皮肤和环境色的准确表达难题。 第三章：结构、透视与动态解剖学。 针对数字绘画中常见的“平面化”问题，本章回归本质。透视学部分，从单点、两点、三点透视的严谨构建到“空气透视”与“模糊透视”在营造景深中的应用。解剖学部分，侧重于动态捕捉与“骨骼张力”的表达，而非静态的人体结构临摹。内容包括如何通过骨骼和肌肉的挤压、拉伸来强化角色的动作意图，以及在不同视角下（如仰视、俯视）正确处理形体的扭曲与遮挡关系。 第二篇：技术精进——驾驭数字工具的深度实践 本篇将理论与软件操作相结合，重点探讨如何利用现代数字工具高效且精准地实现复杂的视觉效果。本书不局限于某一特定软件，而是将工具视为实现艺术理念的媒介，深入分析不同工具集（如位图编辑、矢量绘图、三维辅助导入）的最佳应用场景。 第四章：笔刷系统的深度定制与管理。 摒弃预设笔刷的限制，本章指导读者构建一套符合个人创作习惯的笔刷库。内容包括解析笔刷引擎的工作原理（如形状、纹理、动态、传递、湿边），如何通过自定义参数模拟传统媒介（油画、水彩、炭笔）的笔触反馈，以及如何利用笔刷的特定动态（如压力敏感度、倾斜度）来控制线条的粗细、透明度与边缘过渡，从而实现从“数码感”到“手绘感”的转变。 第五章：图层与非破坏性工作流程构建。 详细讲解现代数字工作流程中的关键要素：非破坏性编辑（Non-Destructive Editing）。内容包括精确使用蒙版（Layer Masks, Vector Masks, Clipping Masks）的嵌套逻辑，通道（Channels）在精细选区与高级特效中的应用，以及如何利用智能对象（Smart Objects）进行无损的变换与重构。重点阐述如何通过图层混合模式（Blending Modes）实现复杂的光效叠加与材质融合，而非仅仅依靠低效的涂抹。 第六章：从二维到三维的融合——辅助工具的高效整合。 探讨如何将三维模型作为强大的骨架和光照参考引入二维创作流程。内容包括：利用三维软件（如SketchUp或Blender的简化模型）快速搭建复杂场景的精准透视网格，导入后如何进行精确的光照烘焙（Baking）与环境反射捕捉。此部分强调三维是“蓝图”，二维仍是“艺术表现”的最终战场，重点在于如何自然地抹除三维痕迹，融入手绘的笔触与情绪。 第三篇：叙事与视觉设计——构建引人入胜的画面 一个成功的视觉作品，其核心在于其叙事能力和信息传达效率。《数字绘景》的第三篇专注于如何将技术能力转化为有生命力的视觉故事。 第七章：构图的数学与叙事张力。 不仅介绍黄金分割、三分法等基础构图，更深入探讨“视觉路径设计”（Visual Flow）、“视觉金字塔”（Visual Hierarchy）和“负空间利用”（Negative Space Utilization）。本章通过分析大量经典电影截图与概念艺术作品，揭示不同构图如何潜意识地影响观众对画面中权力关系、运动方向和情绪焦点的感知。内容还包括如何通过镜头语言（如广角、长焦效果）来控制画面的景深感和情绪压迫感。 第八章：概念设计与世界构建（Worldbuilding）。 针对需要进行复杂场景或角色设定的创作者，本章侧重于“设计思维”的导入。讲解如何通过设计规范（Design Language）来统一一个虚构世界观中的建筑风格、服饰特征与技术水平。内容包括符号学在视觉设计中的应用，如何通过色彩、材质和形态的递进关系，让观众仅凭画面就能“阅读”出该场景的时代背景、社会结构与环境特征。 第九章：后期精修与情绪定调——最后的润饰。 许多初学者将后期视为“补救”，而本书将其视为“升华”。本章详细解析高级调色流程，包括使用曲线（Curves）进行精细的色彩分层调整，如何利用“分频”技术（Frequency Separation）在不破坏细节的前提下进行光影和材质的精修，以及如何通过噪点（Grain）与光晕（Lens Flares/Chromatic Aberration）的微妙添加，赋予最终图像电影般的质感和情绪深度。 《数字绘景：从像素到杰作的创作之旅》致力于提供一条清晰、严谨且深入的专业发展路径。它要求读者投入时间去理解“为什么”而非仅仅学习“怎么做”，确保每一位读者都能真正掌握数字艺术创作的核心规律，最终创作出具有持久生命力和个人风格的视觉作品。

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