Henri Matisse

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出版者:Taschen
作者:Gilles Neret
出品人:
页数:486
译者:
出版时间:2009-10-7
价格:USD 200.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9783822830529
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术
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具体描述

This title brings back to life the most important result of Matisse's cut-outs period: Jazz, the legendary suite of twenty colorful prints with calligraphic text. With this, readers can experience Jazz as if they were beholding the 1947 original. For the position as most important artist of the modern era, Henri Matisse (1869-1954) was rivaled only by Picasso, who himself once said, 'All things considered, there is only Matisse'. After a truly monumental career as a painter, sculptor, and lithographer, Matisse was struck down by illness and no longer able to stand upright and use a paintbrush. At this late stage in his life - he was nearly 80 - he developed a technique of drawing shapes on brightly colored paper, which he then cut out; these were called gouaches decoupes (gouache cut-outs) and came to represent a revolution in modern art. Many critics at the time dismissed this work as the folly of a senile old man, but today it is common sense that by using scissors to carve shapes out of paper, Matisse found a brilliant solution to the age-old conflict between drawing and color. Printed using the same paper and inks - in up to 16 colors - as for the original 1947 edition, this volume allows readers to experience Jazz as if they were beholding the original. To put the work in context, the complete story of Matisse's cut-outs is traced from its first origins during the artist's trip to Tahiti in 1930 through the late works during his final years in Nice. Also included are other pivotal works from his later career, including Matisse's contributions to Verve magazine and his decoration of the Vence Chapel. The gorgeous reproductions of Matisse's work are accompanied by rare photographs taken by Matisse in Tahiti as well as photos of Matisse by Henri Cartier-Bresson, Brassai, and the filmmaker Murnau. Gilles Neret's text is supplemented by quotations from Matisse, Picasso, Teriade (the publisher of "Jazz and Verve"), poets such as Aragon, Henri Michaux, and Pierre Reverdy, and Matisse's son-in-law, Georges Duthuit, as well as collectors such as Heinz and Oliver Berggruen.

《静谧的构图:20世纪早期欧洲室内场景的演变》 本书聚焦于1900年至1930年间,欧洲艺术领域中对室内空间描绘的深刻变革。 自古以来,室内空间一直是艺术表现的核心主题,它不仅是人物活动的背景,更是社会习俗、审美情趣和心理状态的载体。然而,进入20世纪,随着现代生活方式的兴起、技术革新对光影认知的颠覆,以及哲学思潮对客观现实的质疑,欧洲的画家们开始以一种前所未有的激进方式解构和重塑我们习以为常的“房间”。 《静谧的构图》并非一部艺术史的通论,而是一次深入的专题考察,旨在剖析特定时期内,一系列欧洲艺术家如何通过对透视、色彩、物体排列以及光线处理的颠覆性探索,将传统的室内画推向现代主义的边缘。我们绕开了对个体肖像或单一风格的过度强调,转而关注那些在共有的时代精神下,不约而同地对“封闭空间”进行结构性实验的实践者们。 第一章:破碎的镜面与失落的焦点——从后印象主义到立体主义的过渡(1900-1910) 本章追溯了室内画在世纪之交的摇摆状态。传统的“三点透视”逻辑在塞尚对物体的几何化提炼中开始松动。我们考察了那些深受凡·高式情绪化笔触和高更式平面化影响的作品,它们开始将墙壁与地板的交汇线视为一个可塑的结构而非坚实的界限。 重点分析了皮埃尔·博纳尔(Pierre Bonnard)和爱德华·维亚尔(Édouard Vuillard)的“那比派”室内景观。他们捕捉到的,是资产阶级生活中那种私密、光线斑驳、充满日常琐碎物件的瞬间。这些画面充斥着对织物、地毯纹理的迷恋,暗示着一种对外部世界动荡的逃避,将室内塑造成一个温暖、却略显压抑的茧。我们深入探讨了他们如何运用非写实的色彩和模糊的边缘,使室内环境成为一种纯粹的氛围,而非精确的记录。 同时,本章也铺垫了立体主义的早期影响。一些前卫艺术家开始质疑“一瞥即知”的观看方式,他们在描绘咖啡馆角落或画室的场景时,尝试将不同视角的物体叠加、分解,预示着对传统深度观念的彻底决裂。 第二章:色彩的解放与空间的平面化——野兽派与早期表现主义的介入(1905-1914) 随着野兽派的兴起,室内不再需要遵循光学规律来“成立”。本章着重分析色彩如何被剥离其描述功能,转而成为表达内在情感和构建空间秩序的主导力量。 我们研究了那些在巴黎和德累斯顿画室中诞生的作品,其中,墙壁、家具和人体被简化为大胆的色块。这种处理方式,使得室内场景失去了传统的“纵深感”,二维的平面开始以其自身的力度和张力占据画面。对于这些艺术家而言,室内不再是物体堆砌的容器,而是色彩能量相互碰撞的剧场。 特别关注了室内场景中镜子和窗户的运用。它们不再是反射真实世界的工具,而是被重新绘制、强化或干脆抹除的平面,用以引导观众在画面中迷失方向,体验一种认知上的眩晕。 第三章:机械时代的几何迷宫——立体主义对现实的解构(1907-1920) 这是室内画史上最具革命性的阶段之一。立体主义者们在处理室内时,彻底拆毁了观看的主体性。 本章细致地考察了分析立体主义时期如何将家具、乐器和墙纸图案打碎、重组成一系列相互咬合的几何碎片。画面中充满了桌子的边缘、椅背的曲线和乐谱的纹理,但它们被重新组合成一个“可理解的碎片堆”,要求观众的大脑像解码一样去重构空间。我们探究了这种对视觉系统的“攻击性”实践,如何反映了工业化时代信息过载和现实碎片化的体验。 在向综合立体主义过渡时,纸媒拼贴(Collage)进入室内画。通过引入真实的报纸、壁纸样本,艺术家们制造了一种奇特的张力:被解构的绘画空间与被直接引入的现实物质的并置。这不仅是对媒介的实验,也是对室内“装饰性”和“功能性”的双重质疑。 第四章:回归秩序的静默——新客观性与纯粹空间的探索(1920s) 第一次世界大战结束后,欧洲艺术界出现了一股强烈的“回归秩序”的倾向。在德国的“新客观性”运动和意大利的“形而上绘画”的影响下,室内画风格发生了显著的转向。 本章对比分析了两种截然不同的“静默”。 一方面, 表现出一种冰冷的、近乎临床式的精确描绘。物体被放置在空旷、光线均匀的房间中,缺乏任何人物活动或情绪波动。这种对细节的极致关注,反而营造出一种令人不安的、停滞不前的氛围。我们考察了这种精确性如何暗示着战后社会对稳定结构和清晰边界的渴望,但最终达成的效果却是超现实的疏离感。 另一方面, 纯粹几何化的空间开始出现。一些艺术家借鉴了荷兰风格派的原则,将室内简化到极致——仅用垂直线和水平线来划分空间,色彩被限制在原色和非色之中。这些作品将室内变成了一个抽象的、哲学的实验场,探索空间和形式的本质,排除了所有不必要的叙事干扰。这些“空房间”成为了冥想的场所,其静谧性来源于对所有不稳定因素的彻底清除。 结语:光线、阴影与被遗忘的边界 《静谧的构图》最终总结了这一时期室内画的根本转变:室内不再是生活的镜子,而成为了艺术家面对现代性焦虑和审美解放的实验平台。无论是通过立体主义的解构,还是新客观性的冰冷凝视,这些作品都迫使我们重新思考:一个“房间”的本质是什么?是墙壁的物理界限,还是我们观看它时构建的心灵结构?本书通过对这些经典作品的细致解读,揭示了20世纪早期艺术如何利用封闭空间,完成了对西方视觉传统的颠覆性重塑。

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初次翻开这本名为《Henri Matisse》的画册,便如同步入了一个由色彩与线条编织而成的奇幻世界。书中的每一页都仿佛被注入了生命,马蒂斯那标志性的、大胆的色彩运用,不再是冷冰冰的颜料堆砌,而是情感与思想的奔流。他笔下的女性身体,或舒展,或蜷缩,都散发着一种原始的生命力,那种直击人心的裸露,并非源于色情,而是对人体本身最纯粹、最美好的赞美的体现。我特别着迷于他作品中那种流动的韵律感,仿佛画中的人物正在耳边低语,诉说着古老的故事,或是分享着内心的喜悦。那些大胆的剪影,那些不拘泥于现实的构图,无不彰显了他突破常规、探索艺术边界的勇气。我常常会沉浸在其中,久久不能自拔,想象着马蒂斯创作时的心境,他如何能在如此简练的笔触下,传达出如此丰富的情感。这本书不仅仅是一本画册,它更像是一扇窗,让我得以窥见一位艺术大师的内心世界,感受他对于生活的热爱,以及他对美的极致追求。每一次翻阅,都能发现新的惊喜,新的解读,这正是伟大艺术作品的魅力所在,也是这本《Henri Matisse》带给我的深刻体验。它让我开始重新审视色彩的意义,思考线条的力量,甚至改变了我对“美”的固有认知。

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在翻阅《Henri Matisse》这本画册的过程中,我逐渐领悟到“简洁”的力量。马蒂斯的作品,虽然看似简单,却蕴含着深厚的艺术功底和独到的艺术见解。他善于用最简洁的线条,勾勒出最生动的形象;他善于用最纯粹的色彩,表达最丰富的情感。那些被高度概括和抽象的人物形象,虽然失去了许多细节,但却因此获得了更加强大的表现力。例如,他描绘的舞者,身体的扭动,姿态的舒展,都被提炼到了最纯粹的线条之中,充满了动感与生命力。这种“少即是多”的艺术哲学,在我看来,是极其高明的。它迫使观者去主动思考,去感受,去解读。马蒂斯并没有将一切都“喂”给观众,而是留下了足够的空间,让观众的想象力去填充。这种互动性的艺术体验,是我在许多其他画册中难以寻觅的。这本《Henri Matisse》,让我重新认识了“留白”的艺术,以及简洁背后所蕴含的无限可能。

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每一次翻开《Henri Matisse》这本画册,我都会被其中奔腾的生命力所感染。马蒂斯的作品,总是充满了阳光、热情和喜悦,仿佛他将生活中所有美好的事物都倾注于画笔之下。他笔下的自然,无论是盛开的鲜花,还是慵懒的猫咪,亦或是广阔的海景,都散发着一种原始的、未经雕琢的美。那些鲜艳的色彩,那些流畅的线条,共同营造出一种充满生机的氛围,让人仿佛置身于一个充满阳光与温暖的国度。我尤其喜欢他描绘的风景画,那些对空间的独特处理,那些对光影的微妙捕捉,都展现了他对自然敏锐的观察力。他并没有拘泥于写实的描绘,而是通过色彩和线条的组合,来传达他对自然的感受和理解。这种艺术的处理方式,让我对“风景”的定义有了更深的思考。它不再仅仅是客观世界的再现,更是艺术家内心感受的投射。这本书,让我看到了艺术与生活之间密不可分的联系,马蒂斯将他对生活的热爱,转化为艺术的灵感,而这些艺术作品,又反过来丰富了我们的生活。

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《Henri Matisse》这本书,让我深刻感受到了艺术的多元化和包容性。马蒂斯并非局限于某一种艺术风格,而是始终在不断探索和创新。从早期的印象派影响,到野兽派的开创,再到后来的剪纸艺术,他的一生都是一部不断突破自我的艺术史。书中那些不同时期、不同风格的作品,都展现了他对艺术的无限热情和深刻理解。我尤其欣赏他对于材料和技法的多样性运用。无论是油画、水彩,还是剪纸,他都能驾驭自如,并赋予作品独特的生命力。那些用剪刀创作的彩色纸片,虽然简单,却充满了图形的趣味和色彩的张力,仿佛是大自然最纯粹的色彩在纸上跳跃。这种晚年的艺术创新,更是令人钦佩。它证明了,艺术的生命力是没有年龄界限的,只要心中有爱,有对美的追求,就永远可以创造出令人惊叹的作品。这本《Henri Matisse》,让我看到了一个艺术家一生对艺术的执着与热爱,也激励着我去探索生活中的更多可能性。

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这本《Henri Matisse》画册,仿佛是一本打开的调色盘,充满了令人眩晕的色彩碰撞。马蒂斯对色彩的运用,简直是到了出神入化的地步。他敢于打破传统,将鲜艳、饱和的色彩大胆地并置,却能营造出一种意想不到的和谐与平衡。我常常会为那些大胆的色彩组合而惊叹,例如,深邃的蓝色背景上跳跃着明亮的橙色,或是热烈的红色与宁静的绿色相互交织,这些看似矛盾的色彩,在他的手中却能够完美地融合,形成一种视觉的奇观。书中的人物形象,尤其能体现他色彩运用的独特性。那些被简化、被抽象的面部和身体,通过色彩的填充,反而获得了更加鲜活的生命力。他并没有刻意去模仿现实,而是通过色彩来表达人物的情绪和感受。这种艺术的表达方式,让我对“肖像画”有了全新的认识。它不再仅仅是记录一个人的外貌,更是捕捉一个人的灵魂。马蒂斯用色彩,为我们展示了人性的丰富与多样。

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这本《Henri Matisse》画册带给我的,远不止是视觉上的盛宴,更是一种精神上的洗礼。马蒂斯对色彩的驾驭能力,简直是令人叹为观止的。他敢于将对比强烈的色彩并置,却能营造出一种和谐统一的视觉效果,这其中的奥妙,我至今还在细细揣摩。例如,他作品中那些鲜艳的红色与深邃的蓝色,或是明亮的黄色与浓郁的绿色,在他的笔下,不再是相互排斥,而是相互辉映,共同谱写出生命的赞歌。书中的那些静物画,看似简单,却蕴含着无穷的意趣。那些摆放在桌上的水果,陶瓷器皿,以及背景的织物,都被赋予了鲜活的生命力,仿佛触手可及,散发着诱人的光泽。我尤其喜欢他描绘的室内场景,那些光影的交错,那些家具的摆放,都透露出一种舒适与惬意,让人不禁向往那种简单而美好的生活。马蒂斯的作品,总是充满了阳光与活力,即使是描绘相对沉静的场景,也依然能感受到其中蕴含的勃勃生机。这本书让我深刻理解了“自由”在艺术创作中的重要性,马蒂斯从不被任何既定的规则所束缚,他始终坚持自己的艺术理念,用最纯粹的方式表达内心的感受。

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每次翻阅《Henri Matisse》这本画册,我都会被他作品中那种乐观、积极的态度所打动。马蒂斯似乎总能在生活中找到美好的事物,并用他独特的艺术语言将其表现出来。他笔下的女性,无论是作为主体,还是作为画面的一部分,都散发着一种健康、自信的美。她们的身体舒展,表情从容,仿佛在享受着生命的恩赐。那些色彩鲜艳的服饰,那些充满阳光的室内场景,都共同营造出一种温暖而充满活力的氛围。我尤其喜欢他描绘的“舞蹈”主题作品,那些扭动、旋转的身体,那些充满力量的线条,仿佛在诉说着生命的律动与喜悦。马蒂斯用他的艺术,为我们展示了一种理想的生活状态,一种对美的纯粹追求,一种对生命的热爱。这本画册,就像是一剂良药,能够驱散心中的阴霾,带来积极的力量。它提醒着我,即使在困难时期,也要保持对生活的热爱,去发现和创造属于自己的美好。

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翻阅《Henri Matisse》的过程,就像是在进行一场跨越时空的对话。我仿佛能听到马蒂斯在耳边低语,讲述他创作的灵感来源,分享他对于艺术的理解。书中那些描绘人物的作品,尤其令人着迷。他笔下的人物,不论是脸部表情,还是肢体语言,都充满了情感的张力。那些或是沉思,或是喜悦,或是忧郁的眼神,都仿佛在诉说着各自的故事。我特别欣赏他对于面部细节的处理,虽然有时显得抽象,但却精准地捕捉到了人物内心的微妙情绪。那些夸张的线条,那些大胆的色彩块面,在他的运用下,却意外地真实,甚至比写实的描绘更能触动人心。我常常会停留在某一幅作品前,反复观察,试图理解马蒂斯是如何通过这些非写实的表现手法,来传达人物的灵魂的。他并没有刻意去追求外在的相似,而是致力于捕捉内在的神韵。这种艺术的追求,让我由衷地钦佩。这本书不仅展示了马蒂斯作为画家的才华,更让我感受到了他作为一位思想者的深度。他对于艺术的探索,也反映了他对人类情感、对生活本质的思考。

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《Henri Matisse》这本书,让我对“野兽派”有了更深入的理解,也让我看到了马蒂斯在这一艺术流派中的关键地位。他对于色彩的解放,对于形式的颠覆,是那个时代最前卫的艺术探索。书中那些大胆的笔触,那些强烈的色彩对比,虽然在当时可能被视为“粗野”,但正是这种“野性”,才打破了传统艺术的藩篱,为后来的艺术发展开辟了道路。我尤其欣赏他作品中那种原始的、未经雕琢的生命力。他并没有试图去迎合任何人的口味,而是坚持自己的艺术信念,用最纯粹的方式表达内心的感受。例如,他描绘的非洲风格作品,充满了力量感和节奏感,将不同文化元素巧妙地融合,形成了独特的艺术风格。这种跨文化的艺术融合,以及对未知艺术领域的探索,都展现了他作为一位伟大艺术家的视野与胸怀。这本画册,不仅仅展示了马蒂斯的作品,更重要的是,它让我理解了艺术史的发展脉络,以及马蒂斯在其中所扮演的重要角色。

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《Henri Matisse》这本书,为我打开了一个全新的视角去理解艺术。我一直认为,艺术应该是自由的,不应被任何形式的束缚所限制。而马蒂斯,无疑是这一理念的完美践行者。他大胆的剪裁,对色彩的颠覆性运用,以及对线条的独特驾驭,都证明了他对艺术的纯粹追求。书中的那些“剪纸”作品,更是让我惊叹不已。他用最简单的工具,最纯粹的色彩,创造出了如此丰富而富有生命力的形象。那些几何图形的组合,那些充满动感的线条,仿佛在跳跃,在歌唱。我无法想象,一个人是如何在晚年还能保持如此旺盛的创造力,并不断探索新的艺术形式。马蒂斯的作品,总能给人带来一种轻松愉悦的感受,即使是描绘相对严肃的主题,也依然能感受到其中蕴含的乐观与希望。这或许也是他作品最吸引我的地方之一,它们能够治愈人心,带来力量。这本画册,不仅让我欣赏了大师的杰作,更让我领悟了艺术的真谛:忠于自我,勇于创新。

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拆开盒子的那一刻,除了激动还是激动!!

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