Art School

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出版者:The MIT Press
作者:Steven Henry Madoff
出品人:
页数:373
译者:
出版时间:2009
价格:$29.95
装帧:Paperback
isbn号码:9780262134934
丛书系列:
图书标签:
  • art
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具体描述

The last explosive change in art education came nearly a century ago, when the German Bauhaus was formed. Today, dramatic changes in the art world—its increasing professionalization, the pervasive power of the art market, and fundamental shifts in art-making itself in our post-Duchampian era—combined with a revolution in information technology, raise fundamental questions about the education of today's artists. Art School (Propositions for the 21st Century) brings together more than thirty leading international artists and art educators to reconsider the practices of art education in academic, practical, ethical, and philosophical terms.

The essays in the book range over continents, histories, traditions, experiments, and fantasies of education. Accompanying the essays are conversations with such prominent artist/educators as John Baldessari, Michael Craig-Martin, Hans Haacke, and Marina Abramović, as well as questionnaire responses from a dozen important artists—among them Mike Kelley, Ann Hamilton, Guillermo Kuitca, and Shirin Neshat—about their own experiences as students. A fascinating analysis of the architecture of major historical art schools throughout the world looks at the relationship of the principles of their designs to the principles of the pedagogy practiced within their halls. And throughout the volume, attention is paid to new initiatives and proposals about what an art school can and should be in the twenty-first century—and what it shouldn't be. No other book on the subject covers more of the questions concerning art education today or offers more insight into the pressures, challenges, risks, and opportunities for artists and art educators in the years ahead.

Contributors: Marina Abramović, Dennis Adams, John Baldessari, Ute Meta Bauer, Daniel Birnbaum, Saskia Bos, Tania Bruguera, Luis Camnitzer, Michael Craig-Martin, Thierry de Duve, Clémentine Deliss, Charles Esche, Liam Gillick, Boris Groys, Hans Haacke, Ann Lauterbach, Ken Lum, Steven Henry Madoff, Brendan D. Moran, Ernesto Pujol, Raqs Media Collective, Charles Renfro, Jeffrey T. Schnapp, Michael Shanks, Robert Storr, Anton Vidokle

Questionnaires: Thomas Bayrle, Paul Chan, Jeremy Gilbert-Rolfe, Piero Golia, Ann Hamilton, Matthew Higgs, Mike Kelley, Guillermo Kuitca, Shirin Neshat, Paul Ramírez-Jonas, Dana Schutz, Brian Sholis, Fred Wilson

《像素之径:数字时代的视觉叙事与创新设计》 书籍简介 在信息爆炸与技术飞速迭代的二十一世纪,视觉语言的边界正在被不断拓宽与重塑。这不是一本关于传统画布、颜料配比或是雕塑材料的学术专著,而是一场深入探讨数字媒介如何催生全新审美体系与创作范式的深度探索。 《像素之径:数字时代的视觉叙事与创新设计》聚焦于当前设计领域最前沿的思潮、工具的迭代,以及创作者如何利用屏幕作为媒介,构建起超越物理限制的视觉世界。本书旨在为那些寻求在快速变化的数字景观中确立独特声音的设计师、艺术家、交互体验构建者,乃至所有对未来视觉文化抱有好奇心的人,提供一张详尽的路线图。 第一部分:数字原点——屏幕的哲学与像素的诞生 本部分将追溯数字艺术的起源,但重点不在于历史的堆砌,而在于对“数字化”这一概念进行本体论的审视。我们探讨屏幕——无论是手机、高清显示器还是沉浸式头戴设备——如何从单纯的显示工具,演变为创作者的“新画布”。 光影的革命: 深入解析RGB色彩模型在当代设计中的实际应用与局限性。我们不讨论色彩理论的古典定义,而是着眼于如何通过代码和算法控制光线的发射,实现传统印刷媒介无法企及的动态饱和度与亮度。 分辨率的叙事: 像素点阵不再仅仅是信息的载体,它们构成了新的纹理与肌理。本章剖析了从低保真(Lo-Fi)美学到超高清(Hi-Res)细节之间的张力,以及创作者如何利用像素的密度与失真,来传达特定的情绪和时代感。 从向量到光栅的辩证: 讨论矢量图形的无限可塑性与位图数据的真实质感之间的相互作用。现代设计往往要求在两者间无缝切换,本书提供了大量案例分析,展示如何将精确的数学曲线与照片级的细节融合,以服务于复杂的信息可视化项目。 第二部分:算法驱动的创造力——生成设计与数据可视化 软件不再是单纯的执行工具,它们正在成为共同创作者。本部分着重探讨如何驾驭复杂的设计软件和编程逻辑,实现传统手工技艺难以达到的复杂性和效率。 参数化思维的崛起: 深入讲解参数化设计(Parametric Design)的核心概念,即通过建立规则集而非绘制最终形态,来生成设计。重点关注Rhino/Grasshopper或类似的节点式编程环境,如何在建筑可视化、复杂图案生成和三维建模中扮演核心角色。 代码作为画笔: 介绍Processing、p5.js等为视觉艺术家量身定制的编程语言。这些工具使创作者能够编写脚本来控制颜色、运动和形态,实现即时反馈和迭代。我们将剖析“生成艺术”的审美特征,及其对“作者身份”的挑战。 数据叙事的新篇章: 数据可视化已不再是枯燥的图表。本章探讨如何将庞大的数据集转化为引人入胜的互动叙事装置。案例涵盖实时环境监测系统、社交网络情绪地图的动态展示,以及如何确保数据的视觉表达既准确又富有人文关怀。 第三部分:交互的深度——从界面到沉浸式体验 在数字世界中,设计不再是静态的呈现,而是实时的、可被用户影响的体验。本部分聚焦于用户界面(UI)、用户体验(UX)的演进,以及向更广阔的沉浸式空间拓展。 微交互的力量: 探讨那些不经意间影响用户感知的细微动态——按钮的反馈、加载动画、页面切换的动效。这些“微交互”如何塑造品牌个性与用户忠诚度,以及如何通过精准的时序控制来优化感知性能。 空间计算与界面消融: 展望增强现实(AR)、虚拟现实(VR)带来的设计挑战。当界面不再局限于二维屏幕时,设计师需要理解三维空间中的视线追踪、手势识别,以及如何构建“非侵入式”的数字信息层。 可访问性与包容性设计: 强调优秀设计必须是普适的。本章详细阐述了WCAG标准在实践中的落地,以及如何通过对比度、导航结构和语义化标签的精心设计,确保所有用户群体都能顺畅地接入数字内容。 第四部分:前沿探索——AI、NFT与未来工作室 设计领域的工具和市场结构正在经历剧变。本部分以前瞻性的视角,审视正在重塑行业未来的新兴技术和文化现象。 生成式AI的赋能与伦理: 深度分析Midjourney, Stable Diffusion等文本到图像模型的工作原理。本书并非教授“如何提示”(prompt engineering),而是探讨如何将AI生成的结果作为起点,进行精细的后期干预、重构与风格统一,以保持人类创作者的独特烙印。同时,严肃讨论版权、风格挪用和数据偏见等紧迫的伦理问题。 区块链与数字资产的界定: 解释非同质化代币(NFT)如何改变艺术品的稀缺性、所有权和价值传递机制。探讨数字艺术家如何利用智能合约来确立创作版税的自动化分配,以及数字艺术品在链上生态中的流动性与策展方式。 协作与远程工作室的构建: 探讨全球化、异步工作流如何影响设计协作的效率和质量。重点介绍云端协作平台、版本控制系统(如Git在设计文件管理中的应用),以及如何维护一个分布式的创意团队的凝聚力与文化传承。 《像素之径》是一本面向未来的操作手册,它摒弃了陈旧的教条,聚焦于如何以技术为杠杆,驱动更具洞察力、更具影响力的视觉表达。它鼓励读者将每一次技术升级视为一次拓宽表达可能性的机会,而非一次需要被动适应的威胁。掌握这些工具和思维模式,是确保您的视觉语言在瞬息万变的数字浪潮中,能够锚定方向、乘风破浪的关键。

作者简介

Steven Henry Madoff, an award-winning writer, editor, and poet, has written extensively on contemporary art for such publications as Artforum, the New York Times, and Time magazine, and published numerous monographs on leading artists. He is Senior Critic at Yale University's School of Art.

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书给我带来的最大收获,是它极大地拓展了我对“美”的定义。过去,我可能对某些艺术风格持有固有的偏见,认为只有某些特定的风格才算得上是真正的艺术。但是,随着阅读的深入,我发现“美”的范畴是如此之广阔,它可以隐藏在最朴实的线条中,也可以体现在最抽象的色彩组合里。这本书引导我去欣赏那些我曾经可能忽略的艺术形式,去理解那些看似“奇怪”或“不合常规”的作品背后的意义。我开始尝试去接触一些当代艺术,虽然有些作品依然让我感到困惑,但这本书教会了我如何去“看”懂它们,如何去思考它们可能传达的情感和观念。这种开放的心态让我对艺术的欣赏变得更加包容和多元。我也会和我的朋友们分享书中的一些观点,我们经常会因为对同一件艺术品的解读而产生有趣的讨论,这也让艺术的学习变得更加有趣和有社会性。

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我一直坚信,学习艺术不仅仅是为了掌握某种技能,更是为了培养一种独特的观察世界的方式。这本书在这方面给我留下了深刻的印象。它不仅仅教授技法,更注重引导读者去“感受”和“思考”。我记得书中有一章节专门讨论了艺术作品中的情感表达,作者通过分析不同艺术家的作品,揭示了他们如何运用色彩、线条、光影等元素来传达喜悦、悲伤、愤怒、宁静等各种复杂的情感。这让我明白,一件成功的艺术品,不仅仅是视觉上的享受,更是一次与创作者心灵的对话。我开始更加留意生活中的细节,试着去捕捉那些稍纵即逝的情感瞬间,并尝试用自己的方式去记录下来。这本书也鼓励我去打破思维定势,不要被固有的观念所束缚,勇于尝试和创新。我发现,当我对艺术的理解越发深入,我看待周围的世界也变得更加敏锐和富有洞察力。

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翻开这本书,我立刻被一种强烈的求知欲所驱使。我一直对那些“为什么”和“如何”的问题充满好奇,尤其是在面对艺术作品时。这本书似乎预料到了我的疑问,并且非常有条理地一一解答。我记得其中有一段详细阐述了色彩的心理学效应,这对我理解一幅画的情感表达起到了至关重要的作用。比如,为什么某些蓝色调会让画面显得宁静祥和,而某些红色调则会激发出热情与活力?书中通过具体的案例和生动的语言,将这些抽象的概念具象化。我还在书中学习到了构图的基本原则,比如黄金分割、三分法等等。过去我只是凭感觉进行创作,现在我明白了,原来这些“感觉”背后,都有着一套科学且符合人类视觉习惯的规律。我尝试着将这些理论运用到我自己的小创作中,虽然进步是缓慢的,但每一次小小的突破都让我倍感振奋。这本书不仅仅是一本知识的宝库,更是一本激发我持续学习和实践的指南。

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这本书的封面设计就深深吸引了我。一种充满力量的抽象画作,色彩大胆而富有层次,仿佛在无声地诉说着艺术的激情与碰撞。拿到手里,纸张的质感也相当不错,厚实而略带纹理,让人有一种想要细细品味的冲动。我本身并不是艺术专业出身,但一直对艺术抱有浓厚的兴趣,总觉得艺术世界里隐藏着许多令人着迷的秘密,等待着我去发掘。我经常在网上浏览各种艺术展览的图片,也会尝试着自己进行一些绘画创作,虽然成果不尽人意,但那个过程本身就足够让人感到愉悦。我期待这本书能够带我进入一个更广阔的艺术视野,不仅仅是欣赏作品,更能理解其背后的文化、历史以及创作者的心路历程。我希望它能像一位经验丰富的导师,引导我认识那些我可能从未接触过的艺术流派,让我对色彩、线条、构图有更深刻的理解。这本书的定价也让我觉得物有所值,毕竟,知识和启迪本身就是无价的。我把它放在床头,每天睡前翻几页,感觉自己仿佛置身于一个充满创造力的空间,所有的烦恼都暂时被抛诸脑后。

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在读完这本书后,我感到自己对艺术的热情被彻底点燃了。它不仅仅教会了我关于艺术的知识,更重要的是,它改变了我看待世界的方式。我开始更加关注那些被忽略的美,更加欣赏那些平凡生活中的艺术瞬间。我也会尝试着将书中所学到的知识运用到自己的创作中,虽然我的作品还很稚嫩,但我从中获得的快乐和成就感是无可比拟的。这本书让我意识到,艺术并非高高在上,它存在于我们生活的每一个角落,等待着我们去发现和体验。我非常庆幸能够读到这本书,它为我开启了一扇通往艺术世界的大门,让我看到了更广阔的天地。我一定会将这本书推荐给所有对艺术感兴趣的朋友,我相信他们也一定能从中受益匪浅,找到属于自己的艺术灵感。

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这本书带给我的另一个重要启发,是关于艺术与生活的联系。我一直以为艺术是遥不可及的,是专业人士的专属领域。然而,这本书通过大量的案例,向我展示了艺术是如何渗透到我们日常生活的方方面面。从建筑的设计,到服装的剪裁,再到我们使用的日常用品,无不蕴含着艺术的元素。我开始更加关注身边那些被我们习以为常的事物,试着去发现它们背后隐藏的设计巧思和艺术价值。例如,一本精心设计的书籍,一个具有美感的咖啡杯,都能够为我的生活增添一份情趣。这本书也鼓励我去培养自己的艺术品味,去创造属于自己的“美”。我开始尝试在自己的居住空间里布置一些小小的艺术品,或者亲手制作一些装饰品,让我的生活环境更加温馨和有格调。这种对生活的热爱和对美的追求,正是艺术带给我的最宝贵的礼物。

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阅读这本书的过程,就像是踏上了一段精心策划的艺术探索之旅,每一个章节都像是一个新的目的地,充满惊喜。我惊喜于作者将如此庞杂的艺术知识梳理得如此清晰,仿佛一本精心制作的地图,指引着我在这片浩瀚的艺术海洋中航行。我尤其欣赏作者在介绍不同艺术家的部分,不仅仅是罗列他们的作品和生平,更深入地挖掘了他们创作的灵感来源,以及他们在艺术史上留下的独特印记。我一直对印象派的画家们情有独钟,那些光影的捕捉,瞬间的色彩变化,总能触动我内心最柔软的部分。而这本书恰好为我打开了另一扇窗,让我看到了印象派之前和之后的艺术演变,了解到每一个流派的兴起都与当时的社会背景、哲学思潮息息相关。这种宏观的视角让我对艺术的理解更加全面和深刻。我曾一度以为艺术学习非常枯燥,需要大量的专业术语和理论知识,但这本书的语言风格却非常平易近人,甚至带有一些幽默感,让我在轻松愉快的氛围中吸收了丰富的知识。

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这本书的编排设计也极具匠心,我尤其喜欢它丰富的插图。每一幅精美的艺术作品图片都配有详细的介绍,让我能够清晰地看到作品的细节,感受创作者的笔触和色彩运用。我一直认为,艺术的学习离不开对原作的“观看”,而这本书恰恰满足了我这个需求。我会在阅读时,仔细地观察每一幅图片,想象着自己身处画廊之中,与原作面对面交流。我还注意到,书中对不同艺术风格的过渡处理得非常自然,不会让人感到突兀。例如,从古典主义到浪漫主义,再到现实主义,每一个流派的演变和影响都被清晰地勾勒出来,形成了一个完整的艺术发展脉络。这让我对艺术史的理解不再是零散的碎片,而是连成一片的广阔图景。我会在书中画下重点,写下自己的感悟,这本书已经成为了我书架上不可或缺的一部分,也是我灵感枯竭时最常翻阅的“充电站”。

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这本书的语言风格是我非常欣赏的一点。作者的文字如同涓涓细流,润物无声地将深厚的艺术知识传递给我。没有枯燥的理论说教,也没有生僻的专业术语,取而代之的是一种娓娓道来的叙事方式,仿佛在与一位老朋友闲聊,轻松而富有启发。我尤其喜欢作者在描述一些艺术家创作过程时所使用的比喻,它们生动形象,能够帮助我迅速地进入情境,理解艺术家当时的创作状态和心路历程。例如,书中用“调色板上的魔法”来形容一位画家对色彩的运用,这种充满诗意的表达方式,让我对艺术的理解不仅仅停留在知识层面,更上升到了情感和想象的层面。我常常会在阅读时,脑海中自然地浮现出那些画面,仿佛身临其境,感受着艺术的魅力。这本书无疑为我打开了一扇通往艺术世界的大门,让我得以窥见其中璀璨的光芒。

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让我印象深刻的是,这本书并没有将艺术的解读局限于“对与错”的评判,而是鼓励读者去“理解”和“感受”。作者在介绍一些具有争议性的艺术作品时,会提供多种不同的解读角度,让读者自己去思考和判断。这种开放式的教学方式,极大地激发了我的独立思考能力。我不再满足于接受现成的答案,而是开始主动去探寻作品背后的意义,去构建属于自己的艺术理解体系。我也会在阅读过程中,主动去搜索相关的资料,去了解艺术家的生平故事,去感受那个时代的艺术氛围。这种主动学习的过程,让我对艺术的认知更加深刻和立体。这本书不仅仅是一本教材,更是一位良师益友,它引导我成为一个更加独立、有思考能力的艺术爱好者。

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