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出版者:Thames & Hudson Ltd

作者:Jacky Klein

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2009-11-23

价格:0

装帧:Hardcover

isbn号码:9780500093528

丛书系列:

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迷雾中的纺织工：一部关于身份、传统与现代的英格兰乡村叙事 作者：艾莉森·霍布斯 页数：580页 出版年份：2023年 ISBN：978-1-945783-22-1 主题分类：当代英国小说、社会写实、女性文学、工业遗产 --- 导言：苔藓与钢铁的交织 《迷雾中的纺织工》并非一部宏大的历史史诗，而是一幅细腻入微的当代英国风俗画。故事的背景设定在英格兰北部一个名叫“布莱克希尔”（Blackhill）的虚构小镇，一个曾经因羊毛纺织业的繁荣而傲立，如今却被全球化浪潮和结构性衰退无情抛弃的工业遗址。艾莉森·霍布斯以其对地方语言和细微情感的敏锐捕捉，将读者带入这个被时间遗忘的角落，探寻那些在褪色的砖墙和嗡鸣的机器残骸中，依然坚韧生存的人们的内心世界。 本书的核心冲突，围绕着“留下”与“离开”的永恒辩证展开。它审视了在后工业时代，传统手艺的尊严如何被经济的洪流冲击，以及代际间的隔阂如何在同一屋檐下滋长。这不是一个关于成功或失败的简单故事，而是一份对“何以为家”的深刻拷问。 第一部分：褪色的经线 故事的主人公是四十五岁的多丽丝·哈特利（Doris Hartley）。多丽丝的一生都与布莱克希尔纺织厂——如今仅剩一座空壳建筑——紧密相连。她的祖父曾是那个工厂的工头，她的父亲在那里度过了一生，而多丽丝，则在这个小镇上经营着一家勉强维持生计的二手布料店，出售着被时代淘汰的、带有怀旧气味的织物和工具。 多丽丝的性格如同她店里那些陈旧的羊毛毯一样，坚实、略显粗粝，却隐藏着令人惊讶的柔软。她对布莱克希尔有着近乎宗教般的忠诚，深信小镇的灵魂依附于那些石砌的烟囱和被苔藓覆盖的河岸。她的世界里，现代化的喧嚣是入侵者，而沉默的传统才是唯一的慰藉。 与多丽丝形成鲜明对比的是她的女儿，克洛伊（Chloe），一个二十岁的艺术学院辍学生。克洛伊代表着“逃离”的诱惑。她对小镇的沉闷感到窒息，对母亲那一代人对往日辉煌的执着持有近乎蔑视的态度。克洛伊渴望前往伦敦的当代艺术圈发展，她认为布莱克希尔是一个“僵尸之地”，只适合被遗忘。 霍布斯出色地描绘了这种张力。在一次家庭晚餐的场景中，多丽丝坚持用母亲留下来的古老织布机制作一件作品，而克洛伊则在笔记本上涂鸦着抽象的、充满未来感的装置艺术草图。餐桌上的沉默，比任何激烈的争吵都更能说明两代人之间的巨大鸿沟。 第二部分：旧机器的低语 小镇的危机在此时达到顶点。一家大型国际纺织集团计划收购布莱克希尔的工业遗址，目的是将其夷为平地，改建成一座大型仓储物流中心。这不仅仅是关于土地的争夺，更是关于记忆与未来的最终对决。 反对拆迁的运动在镇上悄然兴起，多丽丝成了这场非官方抵抗的核心人物。她并不是一个天生的活动家，她的参与源于一种深沉的、近乎本能的保护欲——保护那些承载着家族记忆的墙体。她开始挖掘工厂的历史，发现了一些尘封已久的档案和未完成的设计图，这些都指向了小镇曾经拥有的、未被完全实现的工艺创新。 书中一个引人入胜的章节详细描述了多丽丝如何修复一台几乎报废的珍贵提花机。霍布斯将织布的过程写得如同炼金术一般，每一个齿轮的咬合、每一根纱线的拉伸，都充满了手工劳动的诗意和艰辛。通过这段修复过程，多丽丝不仅是在修理机器，也是在试图修补自己破碎的内心和与女儿日益疏远的联系。 与此同时，克洛伊在伦敦的经历也充满了挑战。她发现当代艺术圈的浮躁和虚伪，远非她想象中的自由殿堂。她的作品被认为是“过于地域化”和“缺乏普世性”，这让她开始重新审视自己对故乡的排斥是否过于草率。她在一家画廊做临时工时，偶然接触到一位研究地方民俗艺术的策展人，这位策展人对布莱克希尔的工业遗产表现出了浓厚的兴趣，这为故事带来了转机。 第三部分：纬线的交汇点 随着拆迁的最后期限临近，多丽丝和克洛伊的冲突也进入了白热化。克洛伊决定以自己的方式介入——她不再逃避，而是将自己对布莱克希尔的复杂情感融入到自己的艺术创作中。她决定策划一场“快闪式”的展览，不是在伦敦的画廊，而是在布莱克希尔那座废弃的纺织厂内部。 她没有选择宏大的叙事，而是聚焦于细节：她用克洛伊从伦敦带回来的先进的数字投影技术，将多丽丝修复的提花机上那些老旧的纹样，以动态的、不断变化的灯光秀投射到工厂斑驳的墙壁上。她将废弃的纱线和工业废料，重新编织成具有现代雕塑感的装置艺术。 这场展览，被称为“结构回响”（Structural Echoes），吸引了当地居民，也惊动了开发商和媒体。它巧妙地将过去的质朴与现代的表达方式融合在一起，形成了一种令人动容的对话。 多丽丝起初对女儿的做法感到困惑和不悦，认为这是一种对纯粹手艺的“肤浅挪用”。然而，当她亲眼看到年轻一代——那些从未接触过纺织业的年轻人——被这些光影和纹样深深打动时，她的心防开始瓦解。她意识到，遗产的传承不一定是僵硬地复制过去，而在于找到一种新的方式，让那些沉睡的记忆重新呼吸。 在展览的高潮部分，多丽丝坐到了那台修复好的提花机前，她没有按照老图纸工作，而是即兴地，用女儿设计的新颖配色和新的节奏，织出了一块既怀旧又充满未来感的织物样本。克洛伊则用摄像机捕捉了这一瞬间，将其作为展览的核心影像。 结语：未完成的图案 故事并未以一个皆大欢喜的结局收场。开发商并未完全放弃他们的计划，但“结构回响”展览带来的公众关注和艺术价值，迫使他们重新谈判，考虑保留部分建筑作为“文化保护区”。 《迷雾中的纺织工》的结尾，多丽丝和克洛伊站在被夕阳染成橘红色的纺织厂大厅里。她们的关系依然复杂，但裂痕正在被理解所填补。多丽丝决定开始教授少数当地年轻人如何操作老机器，而克洛伊则决定留在布莱克希尔的周边城镇设立一个小型工作室，专注于将地方手工艺与当代设计相结合。 本书的魅力在于其拒绝简单化处理。它没有将现代视为洪水猛兽，也没有将传统描绘成唯一的救赎。相反，它深入探讨了：在一个快速变化的世界里，人与土地、记忆与创新之间的平衡点究竟在哪里？霍布斯用她那充满泥土芬芳的笔触，为那些被时代抛弃的工业小镇，写下了一曲既悲凉又充满韧性的赞歌。这是一部关于如何在新旧的经纬之间，织就属于自己的、独一无二的身份认同的故事。 推荐语： “一部深刻、感人且极具地域色彩的作品。艾莉森·霍布斯展现了她对英国工人阶级生活细微之处的罕见洞察力。读完此书，你会感觉自己仿佛闻到了油布和羊毛的独特气味。” —— 《伦敦评论》 ---

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全书在技术层面的剖析同样令人叹为观止，但它的表达方式却非常平易近人，丝毫没有高高在上的学术腔调。作者在描述复杂的艺术技法——比如色彩的调配、材料的物理特性、特定历史时期工艺的复兴与改造——时，总能找到最恰当的比喻，将原本晦涩难懂的专业知识，转化成生动的、可以被非专业读者理解的画面。这体现了作者极高的沟通能力和教学天赋。我尤其对其中关于“模仿”和“致敬”界限的讨论印象深刻。他并未将模仿视为低级行为，而是将其视为一种与历史对话的有效途径，并详细阐述了如何通过微妙的调整，将“挪用”变成“再创造”。这种对艺术史的尊重与叛逆并存的态度，使得全书的论述充满了层次感。它不仅是关于“做什么”的指导，更是关于“如何思考”的范本。读完之后，我感觉自己对艺术品的理解不再停留在表面的“好看”，而是开始探究其背后复杂的工艺逻辑和思想根基，这无疑是一次深度的智识拓展。

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这本书的叙事节奏把握得非常精妙，它不是那种线性的、按部就班的传记式写作，更像是一系列精心编排的、散点式的访谈和个人手记的碎片化组合。你很难用“起承转合”来界定它的结构，它更像是艺术家思维流淌的轨迹，时而跳跃到童年的某个模糊记忆，时而又猛地聚焦于某个具体的展览筹备细节。这种非线性的叙述，恰恰完美地契合了当代艺术的复杂性和多层次性。我发现自己不得不时不时地停下来，回味刚才读到的某段话，因为作者总能在看似随意的聊天记录中，抛出一个极具分量的哲学命题。文字的质感也非常独特，它既有学院派的严谨措辞，又夹杂着大量俚语和口语化的表达，这种混搭的风格，使得阅读过程既有学术探讨的深度，又不失亲切感和烟火气。它成功地打破了艺术评论中常见的距离感，让你感觉就像是直接坐在创作者对面，听他毫无保留地倾诉自己的困惑与狂想。阅读完后，那种意犹未尽的感觉非常强烈，迫使你重新审视自己对“真实性”和“表演性”的理解。

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这本书在探讨艺术与日常生活交汇点的能力上，达到了一个惊人的高度。它绝不仅仅局限于工作室里的创作过程，而是将艺术的触角伸向了非常世俗、甚至有些“低俗”的领域，比如流行文化符号、大众媒体的刻板印象，甚至是日常着装和家庭生活中的细节。这种“高雅”与“低俗”的剧烈冲撞，是全书最引人入胜的张力来源。作者似乎有一种魔力，能从最不起眼的日常物件中，提炼出深刻的社会寓意。我特别喜欢他描述如何将收集来的现成品融入创作的章节，那过程充满了偶然性与必然性的交织，像是在玩一场复杂的、需要深厚知识储备的智力游戏。阅读的过程中，我感觉自己的观察力都被训练得更敏锐了，开始留意起周围环境中那些被我们习以为常却又充满象征意义的符号。这本书的价值在于，它成功地模糊了艺术和生活的边界，让人明白，真正的艺术，可以存在于任何一个被认真审视的瞬间，无论那个瞬间多么平凡或多么喧闹。

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这本书的视角之犀利，简直让人措手不及。它不是那种粉饰太平的“成功人士”自述，而是毫不留情地解剖了艺术圈内部的权力结构、商业运作的潜规则，乃至性别政治和身份认同的微妙博弈。作者对于传统“精英文化”的戏谑和挑战，可谓是毫不留情，他似乎特别热衷于揭露那些光鲜外表下隐藏的虚伪和僵化。读到某些段落时，我甚至感到一种强烈的冒犯感，但随后很快被说服，因为他提供的数据和观察实在太精准、太到位了。他用一种近乎“局内人”的身份，却行使着“局外人”的批判权力，这种张力是这本书最大的看点之一。尤其是他对“品味”这个概念的探讨，简直是一次对我们日常审美判断的彻底颠覆。他挑战的不是“好不好看”，而是“谁有权定义好看”。这种对文化权威的持续性挑衅，使得全书始终保持着一种高能的、令人精神振奋的辩论状态。它迫使你走出自己舒适的审美圈子，去审视那些被社会驯化的观看方式。

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这本书的封面设计简直是视觉的盛宴，那种大胆的色彩碰撞和复杂的纹理堆叠，让人立刻就能感受到一股不羁的艺术气息。我记得我第一次在书店看到它的时候，就被吸引住了，仿佛它本身就是一件装置艺术品。内页的排版也处理得极其用心，文字和图片的布局不是那种刻板的对齐，而是充满了动态感，有时候大片的留白，有时候又是密集的图文交织，仿佛在模仿艺术家本人创作时的那种混沌与秩序的拉扯。 读这本书的过程，就像是走进了一个巨大的、充满奇思妙想的迷宫。它不仅仅是在展示作品，更像是在解构一种思维方式。作者对材料的运用和对传统工艺的颠覆，总是能让人眼前一亮。比如，他对陶瓷这种媒介的重新定义，让原本被视为“老派”的艺术形式焕发出了惊人的现代感和批判性。我尤其欣赏他那种毫不掩饰的对社会现象的嘲讽和反思，那种直白到近乎粗鲁的表达，反而更具穿透力，让人在会心一笑的同时，不得不去深思我们习以为常的那些社会规范和阶层界限。整本书的阅读体验是流动的、充满惊喜的，每翻开一页，都可能是一个全新的视角或是一次意想不到的视觉冲击。

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