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出版者:Pegasus

作者:Brown, David

出品人:

页数:460

译者:

出版时间:2009-2-24

价格:$ 24.80

装帧:Paperback

isbn号码:9781605980171

丛书系列:

图书标签:

英文
传记
古典音乐
柴可夫斯基
音乐家
传记
俄罗斯
作曲家
芭蕾舞剧
交响乐
钢琴音乐
音乐史

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具体描述

In this distinctive new work on Tchaikovsky, David Brown uniquely combines a lively biography of Russia's best-loved composer with a chronological guide to his music, ranging from the popular symphonies, concertos, operas and ballets like Swan Lake and The Nutcracker, to some lesser-known pieces. Brown skillfully guides the reader through Tchaikovsky's music within the context of his life, and the result is an edifying journey through some of the greatest and most moving music ever composed. As for Tchaikovsky himself, he emerges as a man dogged with bouts of depression but capable of great kindness, devoted to his family, unstinting with his time and money, even on behalf of virtual strangers. It is no wonder that when he died, he was given a state funeral, nor that the massive crowds lining the streets delayed the procession to the cemetery by five hours.

《光影交织：二十世纪电影的革新与传承》一部深入剖析二十世纪电影艺术发展脉络的深度研究本书《光影交织：二十世纪电影的革新与传承》并非一部关于特定作曲家生平或作品的传记，而是一部专注于探究电影艺术如何在短短一百年间完成其美学蜕变、技术飞跃及其社会影响的宏大叙事。我们聚焦于光影、剪辑、叙事结构以及声音技术对电影语言的重塑，旨在揭示那些定义了“电影”这一媒介本质的关键时刻与流派。第一部分：默片的黄金时代与技术萌芽（1900-1927）二十世纪初，电影作为一种新兴的娱乐形式，其语言尚未完全成熟。本部分将详细梳理早期电影制作人的探索历程。从卢米埃尔兄弟的纪实式捕捉，到梅里爱的魔术性幻觉创造，电影的叙事潜力初露端倪。我们重点分析了美国和欧洲早期电影流派的差异：如美国早期基于场景组接的线性叙事尝试，与欧洲，特别是法国的印象派电影运动，后者开始对光线、运动和蒙太奇的心理暗示作用进行前瞻性实验。关键议题包括： 1. 空间与时间的处理：如何在无声媒介中建立连贯的时间流与可信的空间感。 2. 表演的转型：从舞台化的夸张表演向更内敛、更依赖面部表情和身体语言的“电影表演”的演进。 3. 摄影机的解放：摄影机开始摆脱固定机位的束缚，运动镜头（如追随、环绕）的引入如何极大地增强了观众的沉浸感。此外，本章会详述以格里菲斯为代表的叙事构建者，他们如何通过复杂的交叉剪辑和场面调度，确立了主流好莱坞电影制作的早期范式。第二部分：声音革命与流派的定型（1927-1945）有声电影的出现，无疑是二十世纪电影史上最剧烈的技术冲击。本部分探讨了“有声”如何颠覆了默片时代建立的视觉中心主义，并催生了新的艺术可能性与挑战。我们深入研究了各个流派如何迅速适应并利用声音：歌舞片（Musicals）的爆发式增长，它们将音乐与视觉表演以前所未有的方式结合。对话驱动的戏剧（Talkies）如何使剧本的地位空前提高，并促使电影院内部声学环境的变革。黑色电影（Film Noir）的诞生背景：声音元素，如画外音、低沉的爵士乐配乐和雨夜环境音，如何与光影的对比共同构建了一种独特的宿命论和焦虑感。这一时期的另一个核心焦点是欧洲的先锋电影运动，特别是德国表现主义。我们分析了其对布景、灯光和心理状态的极端化处理，如何通过扭曲的视觉形式来表达人物内在的冲突与社会的异化，这些手法对后来的恐怖片和心理惊悚片产生了深远影响。第三部分：新现实主义与作者论的兴起（1945-1960）二战结束后，欧洲电影迎来了重要的转折点。意大利新现实主义（Neorealism）的出现，标志着电影对现实世界更直接、更道德化的关注。本章将分析其“在场感”的营造：使用非职业演员、真实街景拍摄以及对日常琐碎事件的细致描摹，如何挑战了好莱坞式的、高度程式化的叙事结构。紧随其后，我们探讨了法国“新浪潮”（Nouvelle Vague）的理论基础与实践革新。以特吕弗、戈达尔为代表的电影人，高举“作者论”（Auteur Theory），强调导演作为电影“作者”对作品的统一控制权。他们通过打破经典叙事惯例（如跳切、镜头直视观众、即兴对白），模糊了纪录与虚构的界限，开启了电影主体性的全新阶段。第四部分：全球化视野与电影语言的解构（1960-1980）随着电影工业化程度的提高和文化思潮的解放，电影语言进入了更具实验性和批判性的阶段。本部分考察了如瑞典的伯格曼如何将哲学思考和宗教困境融入极简的场景设计中，以及波兰学派和捷克学派如何通过寓言和黑色幽默来表达对政治高压环境下的个体反思。本章的重点是美国“新好莱坞”的出现。受到欧洲艺术电影的深刻影响，年轻的导演们开始挑战审查制度和传统英雄模式。他们的作品往往带有强烈的个人印记、悲观的结局和对权力结构的质疑。我们详细对比了经典好莱坞叙事与新好莱坞叙事在道德模糊性、人物动机复杂性上的显著差异。第五部分：技术融合与后现代的碎片化（1980-2000）进入后半段，电子视觉特效（VFX）的成熟，以及录像带和家庭影院的普及，彻底改变了电影的传播方式和审美取向。本部分分析了后现代主义思潮对电影的影响，包括对既有类型的戏仿（Parody）、对经典叙事的自我指涉（Self-reflexivity）以及跨媒介叙事的尝试。我们关注以下发展： 1. 大制作时代的来临：视觉奇观如何成为商业成功的核心驱动力，以及由此引发的对叙事深度的潜在影响。 2. 独立电影的崛起：面对主流的工业化倾向，独立制片如何成为艺术探索的温床，专注于边缘人物和非传统题材。 3. 非线性叙事的成熟：复杂的时间线和多重视角的运用，如何反映了当代人对信息碎片化的认知体验。结语：持续的对话本书的最终目标是展示二十世纪电影作为一种动态、不断自我批判的艺术形式，它如何吸收了文学、绘画、音乐等多种艺术养分，并最终确立了其在现代文化图景中的核心地位。我们通过对具体影片案例的细致分析，试图揭示隐藏在光影背后的结构性力量，以及一代代电影人对“如何说故事”这一古老命题的持续追问与革新。