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出版者:Oxford University Press, USA

作者:David Schulenberg

出品人:

页数:384

译者:

出版时间:2008-1-23

价格:USD 64.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780195331066

丛书系列:

图书标签:

• 巴洛克音乐
• 古典音乐
• 音乐史
• 音乐欣赏
• 西方音乐
• 音乐理论
• 作曲家
• 巴赫
• 亨德尔
• 维瓦尔第

音乐的黎明：中世纪晚期与文艺复兴早期的音乐探索 本书深入考察了从公元1300年左右到1500年间，欧洲音乐领域所经历的深刻变革与非凡创造力。 这段时期是西方文化从神权主导的中世纪向人文主义觉醒的文艺复兴过渡的关键阶段，音乐作为这种变革的敏感晴雨表，展现出前所未有的复杂性、情感深度和世俗化倾向。本书旨在为读者提供一个全面而细致的视角，理解这一时期音乐风格、理论、实践和重要作曲家的演变历程。 第一部分：中世纪晚期的尾声与 Ars Nova 的兴起（约1300-1370） 本部分聚焦于“新艺术”（Ars Nova）在法国和意大利的蓬勃发展，标志着记谱法和节奏控制的革命性飞跃。 第一章：从律动到精确：记谱法的革新 中世纪早期的节奏记谱法，受制于固定的韵律模式，已无法满足日益增长的复调音乐对节奏自由和精确表达的需求。本章详述了菲利普·德·维特里（Philippe de Vitry）及其追随者如何引入更灵活的“不规则划分”（Divisio Modalis）系统，使得音符的长度和组合更为精细和可量化。我们将探讨“小节线”（Tactus）概念的演变，以及它如何为后世的音乐结构奠定基础。重点分析了记谱法对不同声部独立性的贡献。 第二章：法国的叙事者：纪尧姆·德·马肖与世俗的颂歌 纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）是这一时期无可争议的巨匠。本章深入剖析其作品集，特别是其多声部弥撒曲——《兰斯弥撒》（Messe de Nostre Dame）。我们将细致考察这部作品如何首次以一个统一的、连贯的结构呈现了常年礼拜的全部仪式音乐，展现了作曲家在结构布局上的宏大视野。同时，本书也考察了马肖的世俗音乐，如圆舞曲（Ballade）、颂歌（Virelai）和回旋曲（Rondeau），揭示了宫廷诗歌与音乐形式的完美结合，及其对情感的细腻描绘。 第三章：意大利的“甜美新声”：Trecento 音乐的抒情性 与法国的严谨结构相对，14世纪的意大利音乐（Trecento）以其优美的旋律线和强烈的抒情色彩著称。本章侧重于佛罗伦萨和帕多瓦的音乐实践。我们将详细研究弗朗切斯科·兰迪尼（Francesco Landini）的风格，特别是其标志性的“兰迪尼终止式”（Landini Cadence），分析这种三度音程的和谐如何标志着对纯净三和弦音响的早期偏爱。同时，本书也将探讨意大利世俗歌曲的叙事功能及其在城市生活中的地位。 第二部分：巴尔干的阴影与国际风格的形成（约1370-1420） “大分裂”（Great Schism）和政治动荡对音乐产生了复杂的影响，催生了融合了法国和意大利元素的“国际哥特式”风格。 第四章：阿维尼翁教廷的音乐遗产与“有节制的艺术”（Ars Subtilior） 在教廷分裂的背景下，阿维尼翁的音乐圈子发展出一种高度精致化、技术上极为炫技的风格——“有节制的艺术”。本章关注如巴尔代塔（Baude Cordier）等作曲家的作品，探讨他们对复杂节奏交错、多重音律（isorhythm）的极致运用，以及音乐如何开始服务于智力上的游戏和宫廷间的暗中较量。这种风格的晦涩性，也预示着对更直接表达的渴望。 第五章：英格兰的“异域之声”：平直的旋律与康塔布兰斯 本书独立考察了在百年战争期间，英格兰音乐独特的地位。与欧洲大陆的复调复杂性不同，英格兰音乐，特别是“康塔布兰斯”（Contenance Angloise，英国风味）强调三度与六度音程的并置，营造出一种温暖、丰满的音响效果。约翰·邓斯泰布尔（John Dunstable）是这一转变的核心人物。本章分析了这种朴实而和谐的风格如何通过外交途径传入欧洲大陆，并成为下一代作曲家的重要灵感来源。 第三部分：勃艮第学派的辉煌与人文主义的胜利（约1420-1500） 随着百年战争的结束和勃艮第公爵宫廷的崛起，欧洲音乐进入了一个新的黄金时代。 第六章：杜菲与国际化的融合：新风格的奠基 吉约姆·杜菲（Guillaume Dufay）是连接旧世界和新世界的桥梁。本章详述了杜菲在意大利学习和工作的经历，如何使他完美地融合了邓斯泰布尔的和谐感和法国的复调技巧。我们将重点分析其在弥撒曲中对固定旋律（Cantus Firmus）的创新运用，以及他对圣母赞歌的深情描绘，这些作品体现了对神性的柔和诠释。 第七章：勃艮第宫廷的庆典与“规律的复调” 勃艮第公爵，尤其是菲利普好人（Philip the Good），是艺术赞助的典范。本书描绘了公爵宫廷中的音乐生活，探讨了婚礼、庆典和葬礼仪式中音乐所扮演的关键角色。本章重点分析了吉尔斯·邦舒瓦（Gilles Binchois）的作品，他被誉为“美妙的旋律大师”。他的作品展示了如何将精湛的复调技巧应用于感性的世俗歌曲（如香蒂舞曲 Chanson），追求清晰的织体和流畅的声部交织。 第八章：奥克根姆与技术巅峰的追求 若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）的老师雅各布·奥克根姆（Jacob Ockeghem）代表了技术探索的顶峰。本章详细分析了奥克根姆在对位法上的成就，特别是其对卡农（Canon）和逆行技巧的娴熟运用。我们将探讨他如何利用严格的数学结构来表达宗教文本的深刻含义，分析《安魂曲》等作品中对位声部的复杂互动，以及这种高度智力化的音乐如何影响了后来的“荷兰学派”。 第四部分：音乐实践、理论与社会背景 本部分超越了作曲家和作品本身，探讨了支撑音乐发展的社会和技术环境。 第九章：人声的统治：演唱传统与乐器地位的提升 文艺复兴早期，人声仍然是音乐的绝对核心。本章考察了专业合唱团（如教堂唱诗班和宫廷歌手）的组织结构、选拔标准以及其在日常礼拜和世俗宴会中的作用。同时，我们也追踪了乐器（如鲁特琴、维奥尔琴、肖姆管）在世俗音乐中地位的缓慢提升，以及它们如何开始从依附于声乐的地位中解放出来，发展出独立的演奏技巧。 第十集：早期印刷术对音乐传播的影响 尽管印刷术的黄金时代在16世纪，但15世纪末期，奥塔维亚诺·彼得鲁奇（Ottaviano Petrucci）等先驱者开始尝试印刷乐谱。本章探讨了这一技术革新对音乐风格扩散的深远意义，它如何打破了手抄本的地域限制，使得杜菲和奥克根姆的作品得以迅速流传，促进了欧洲音乐语言的统一化。 结论：迈向新的和谐 本书最后总结了从“新艺术”到“荷兰学派”的音乐演变轨迹，强调了这一时期对清晰度、和谐感（三度与六度）的偏爱，以及人文主义对音乐表达的解放作用。这些探索为16世纪的盛大复兴，以及最终走向巴洛克时期的戏剧性表达，铺设了坚实而创新的基础。

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我购入这本书的初衷，是希望能系统地梳理一下巴赫后期“数字音乐”的思想脉络。这本书没有直接给我一个清晰的“方法论”清单，而是用一种迂回但更深刻的方式，构建了理解这种思想的土壤。作者花了大量的篇幅去探讨当时的炼金术、几何学与神学如何共同构成了“和谐”的宇宙观，这直接为理解巴赫作品中蕴含的宇宙秩序提供了哲学基础。他讨论的重点，是如何将“秩序”与“自由”在音乐中达到一种动态的平衡，而不是简单地分析和弦进行。特别是对卡农复调中那种“无限循环”的数学美感的阐述，极其精妙，让我对那种永恒感有了更深的体悟。与其说这是一本音乐理论导论，不如说是一本关于人类如何试图用声音来复制神圣秩序的文化哲学探讨，其深度和广度远超我的预期，绝对是案头必备的参考书。

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读完这本书，我最大的感受是，它成功地将那些遥远、高高在上的巴洛克大师们“拉下神坛”，还原成了有血有肉的、与我们一样会面临生计压力和创作瓶颈的艺术家。作者在探讨协奏曲的发展脉络时，并没有陷入对维瓦尔第和巴赫的简单对比，而是深入挖掘了不同地域乐团的组织形式和赞助人制度如何塑造了不同风格的器乐作品。例如，他对德累斯顿宫廷乐团的详尽描述，以及当时乐手们为适应特定环境而进行的乐器改良，都让我对“技术革新”有了全新的认识。书中的插图选择也十分考究，那些精美的乐器图谱和当时的音乐会场景手稿，都极大地丰富了文本的维度。我尤其欣赏作者在处理对位法时所采用的类比手法，他将复杂的声部交织比作一场精妙的外交谈判，使得原本晦涩的理论变得生动易懂。这不仅仅是一本音乐史，更是一部关于人类创造力如何在高压环境下爆发的社会文化史。

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这本书的文字风格，用“典雅”二字来形容都显得有些保守了，更准确地说，它带着一种老派的、近乎浪漫主义的抒情色彩。作者似乎对那个时代的“宏伟”与“激情”有一种近乎迷恋的情感，使得他的文字充满了澎湃的能量。当你阅读关于科雷利奏鸣曲的段落时，你会感觉到文字本身也在模仿那种华丽的回旋和富有张力的和声进行，读起来有一种身临其境的听觉暗示。然而，这种风格的极致运用也带来了一个小小的挑战：在描述一些极为细微的演奏法差异时，作者偶尔会过度依赖其个人化的、带有强烈主观色彩的形容词，这使得一些需要客观分析的部分略显模糊。尽管如此，对于那些渴望从纯粹的音乐结构中体验到强烈情感共鸣的读者而言，这本书无疑提供了一种近乎诗意的阅读体验，它将“听”的活动转化为了一种“感受”的体验。

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这部厚重的精装本，封面是泛着幽微光泽的深蓝色，中央用烫金字体印着书名，透露着一种古典的庄严感。我本以为这会是一本专注于某个特定作曲家或某个狭窄时期内的详尽学术研究，毕竟“巴洛克”这个词汇本身就暗示了某种严谨的考据。然而，当我翻开第一页，便被作者那如同叙事诗般的笔触所吸引。他并未像许多音乐史著作那样，上来就抛出一连串的年代和作品编号，而是以一种近乎文学评论的细腻，描绘了17世纪欧洲宫廷生活的氛围，将音乐的诞生置于那个充满政治角力、宗教狂热与启蒙曙光交织的宏大背景之下。特别是关于歌剧在佛罗伦萨和威尼斯兴起的章节，作者的文字极富画面感，仿佛能听到那初创时期咏叹调的颤音在奢华的剧院中回荡。他对于“装饰音”的解读尤其独到，不将其视为单纯的技巧堆砌，而是视为当时贵族阶层内心复杂情感外化的象征符号。整本书的阅读体验更像是一场穿越时空的沉浸式体验，而非枯燥的知识灌输，这对于一个对巴洛克音乐有兴趣但又畏惧学术晦涩的普通读者来说，简直是莫大的惊喜。

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坦白说，这本书的篇幅着实令人望而生畏，但我必须承认，每一页的密度都极高，信息量饱满到令人需要时不时停下来回味片刻。与其他我读过的相关书籍相比，它的结构处理显得异常大胆。作者似乎故意打乱了传统的时间顺序，而是选择了一种主题性的串联，比如集中讨论“赋格的数学美学”一整章，接着又转入了“弥撒曲中的神秘主义色彩”。这种跳跃性的结构，初读时可能会让人有些许迷失，需要极高的专注力去跟上作者的思维跳跃。但一旦适应了这种节奏，你会发现它展现了巴洛克艺术内在的统一性，如同一个巨大的万花筒，从不同的切面观察，都能看到相同的基本几何图案。尤其值得称赞的是，作者对于不同乐器音色在不同教派仪式中的象征意义的剖析，精确而富有洞察力，让我对亨德尔晚期清唱剧的理解提升到了一个新的层次。

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