Isamu Noguchi pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Greene, Alison De Lima/ Fletcher, Valerie J. (CON)/ Treib, Marc (CON)/ Kneten, Rocky (PHT)

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页数:0

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价格:45

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isbn号码:9780300138917

丛书系列:

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• 雕塑
• 设计
• 现代艺术
• 日本艺术
• 公共艺术
• 园林设计
• 艺术家
• 传记
• 20世纪艺术
• 建筑

《野口勇：空间中的雕塑家》 野口勇，一位跨越东西方文化，以其独一无二的艺术视野重新定义了雕塑概念的大师。他的创作远不止于静止的物质形式，更在于对空间、光影、生命力乃至人类互动体验的深刻探索。本书并非简单罗列野口勇的艺术作品，而是深入剖析其创作哲学，揭示其作品背后蕴含的文化根源、个人经历以及他对现代生活方式的深刻洞察。 本书将带领读者穿越野口勇充满创造力的一生。我们将追溯他童年时期在日本的成长经历，以及他如何在这种独特的文化土壤中汲取灵感。从他早期在美国求学，接触到西方现代艺术思潮，到他在巴黎与康斯坦丁·布朗库西等先锋艺术家的交流，这些经历如何塑造了他对抽象形式和材质的独特理解？书中将细致梳理这些关键时刻，展现一位年轻艺术家如何在不同的文化语境中寻找自己的声音。 野口勇最为人称道的贡献之一，在于他如何将雕塑从传统的纪念碑式表达中解放出来，将其融入日常生活的场景。他不仅仅是创造“物件”，更是创造“体验”。从他标志性的“娱乐场”（Playscapes）设计，到他在纽约长岛市的“长岛市雕塑公园”（Socrates Sculpture Park）的构想，我们看到的是他对公共空间改造的雄心壮志。这些作品如何打破艺术与生活的界限？它们如何鼓励人们参与、互动，并重新思考我们与环境的关系？本书将深入分析这些公共艺术项目的设计理念与实施过程，探讨其在塑造城市景观和提升社区活力方面的意义。 “生命之石”（The Stone Life）是野口勇雕塑创作的核心理念之一。他深信石头本身蕴含着生命和能量，而他的工作就是唤醒这种潜能。从他挑选石材的严谨态度，到他对石头自然形态的尊重与改造，我们看到的是一种人与自然和谐共生的艺术方式。本书将详细解读野口勇在处理石头这一媒介时的独特技法和美学考量，以及他如何通过对石头大小、形状、质地的精妙安排，创造出既具原始力量又不失优雅的作品。他如何赋予冰冷的岩石以情感和故事？ 除了雕塑，野口勇在舞台设计、家具设计、景观设计等多个领域都留下了深刻的印记。他的舞台设计，如为玛莎·葛兰姆舞蹈团创作的“夜曲”（Night Journey）和“阿佩拉契亚之舞”（Appalachian Spring），如何通过简洁而富有表现力的形式，与舞者的肢体语言产生完美的呼应，营造出独特的戏剧氛围？他的家具设计，如标志性的“咖啡桌”（Coffee Table）和“三脚凳”（Three-Legged Stool），如何将雕塑的语言注入日常用品，使其兼具功能性与艺术性？这些跨领域的尝试，展现了野口勇作为一位全能型艺术家的广阔视野。 本书还将探讨野口勇作品中的“留白”与“负空间”概念。他并非只关注“有形”的部分，而是同样重视空间中被“切除”的部分，即负空间。他如何巧妙地运用负空间来引导观众的视线，增强作品的动感和深度，并邀请观者参与到作品的想象构建中？这些“留白”的设计，是否也反映了他对东方哲学中“空”的概念的理解？ 此外，野口勇的个人生活经历，如他与母亲——著名诗人野口米次郎的亲密关系，以及他对日本传统美学，尤其是禅宗美学的吸收，都对其艺术创作产生了深远影响。本书将尝试勾勒出这些背景元素如何潜移默化地渗透到他的作品之中，形成一种独特而迷人的艺术风格。 《野口勇：空间中的雕塑家》旨在为读者提供一个多维度、深层次的视角，去理解野口勇这位伟大的艺术家。它不仅是对其创作成果的回顾，更是对其艺术精神的一次深入挖掘，引导读者去感受他作品中那份跨越时空的永恒魅力，以及他对人类生活方式和精神世界的深刻贡献。通过这本书，你将有机会重新审视雕塑的定义，发现空间中的无限可能，并与野口勇的艺术思想进行一次深刻的对话。

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与其说这是一本关于艺术家的书，不如说它是一部关于“媒介的解放”的史诗。我最欣赏这本书的地方在于，它突破了传统艺术画册的界限，将野口勇视为一位跨越艺术与生活的“连接者”。书中细致地记录了他为各种日常用品注入灵魂的努力，从一把椅子到一片景观。我记得有一段文字描述了他设计的一款花园水景，文字描绘了水流过鹅卵石发出的那种细微的、几乎无法察觉的声音，并将其与日本茶道中的“寂静之美”联系起来。这种对微小细节的捕捉和放大，正是野口作品令人着迷的原因。阅读过程中，我产生了一种强烈的冲动，想要去他设计的每一个空间中亲自体验一番。这本书的叙事节奏舒缓而富有诗意，语言凝练，避免了冗长空泛的赞美，而是用严谨的案例分析来支撑其论点。它让我意识到，野口勇的工作绝不仅仅是“装饰”，而是通过重塑我们与物质世界的关系，来引导我们回归一种更本质、更宁静的存在状态。读罢此书，我感觉自己对“美”的理解变得更加深沉和内敛了。

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我对这位日本裔美国设计大师的了解，一直停留在碎片化的印象中，直到捧起这本深度剖析其创作生涯的著作，才真正领略到他那横跨世纪的设计思想的深度与广度。这本书的叙事结构非常巧妙，它没有采用传统的线性时间轴，而是围绕着“材料”、“空间”、“光线”和“功能”这几个核心母题展开，层层递进地剖析了野口勇作品背后的驱动力。比如，在探讨他与米罗、康定斯基等现代主义大师的交集中，作者引用了大量私人信件和文献，揭示了野口如何在一个充满冲突的文化熔炉中，提炼出一种既根植于土地又面向未来的设计语言。特别值得称赞的是，书中对于他与伊莎姆·诺古奇基金会的合作细节描述，展现了艺术家本人对作品保存和未来传承的深切关怀。读到他晚年致力于复兴日本传统工艺的部分，我感到一种强烈的震撼——那种对“匠人精神”近乎偏执的坚持，是如何在一个飞速变化的工业化时代中得以延续的。这不仅仅是一本关于设计的书，更是一部关于如何在传统与创新之间寻找永恒平衡的教材，读完后感觉自己的审美观被重新校准了一番。

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作为一名建筑设计专业的学生，我一直觉得野口勇的作品有一种难以言喻的“场所精神”。这本详尽的文集，终于为这种感觉提供了理论支撑。书中关于野口如何看待“空隙”——不仅仅是物体之间的空间，更是时间流逝中留下的“虚”——的论述，令我茅塞顿开。作者深入挖掘了野口早年深受立体主义影响，但最终拒绝了僵硬的机械美学，转而追求有机形态的转变过程。书中配有大量他早年创作的素描和不成熟的草稿，这些“未完成”的作品比最终成品更能体现创作者内心的挣扎与求索。尤其让我印象深刻的是，他如何将自己对人类身体的理解融入到雕塑的尺度感中，使得即便是巨大的公共艺术品，触摸起来也仿佛带着一种人性的温度。这本书的论述方式非常具有学术性，引用了诸多艺术史学家的观点进行交叉印证，使得对野口美学的解读不再是单向度的赞美，而是一场多维度的、有力的对话。它迫使读者去思考：真正的永恒之美，究竟是存在于物质本身，还是存在于观者与作品互动的那个瞬间？

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这本书的装帧和纸张选择，本身就散发着一种沉静而高级的质感，与野口作品那种朴素的优雅气质完美契合。我通常阅读设计类书籍时，更关注的是高分辨率的图片和详尽的尺寸标注，而这本书在这方面做得极为出色。它不仅仅展示了他的雕塑，更将他的家具、灯具，乃至他为各种公共空间所做的改造规划，都置于一个宏大的美学体系中进行考察。我尤其喜欢其中关于“风土”和“地域性”的章节。作者花了很大篇幅去分析野口如何在不同地理环境下调整他的设计策略，比如在墨西哥的阳光下，他的色彩运用会变得更加奔放热烈；而在日本的禅意庭院中，则回归到极简的克制。这种“入乡随俗”却又“保持自我”的张力，是很多艺术家难以企及的境界。读到此处，我忍不住起身，走到窗边，试图用自己的眼睛去重新审视周围环境中的光影和形状，试图捕捉到那种野口式的“自然中的几何感”。这本书仿佛是一把钥匙，帮我打开了一扇通往更深层次艺术理解的大门。

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这本关于野口勇的画册，简直是一场视觉的盛宴，让我这个一直以来对现代雕塑抱有敬畏之心的门外汉都为之倾倒。 翻开书页，首先映入眼帘的是那些标志性的石灯笼和庭园设计。那些石头仿佛被赋予了生命，粗粝的质感与周围环境的宁静达成了不可思议的和谐。我记得有一张照片，是一个傍晚时分，灯笼投下的光晕将周围的苔藓染上了一层温暖的金色，那一刻我仿佛能听到风吹过竹林的沙沙声。作者对光影的处理极为细腻，不仅仅是记录了作品本身，更是捕捉了光线与材料之间那种微妙的对话关系。更让我惊喜的是，书中收录了他早期在美国的经历，那些关于如何将东方美学融入西方现代主义的挣扎与探索，文字描述得生动而富有洞察力。 那些早期为剧场设计布景的草图，充满了动感和几何的张力，展现了他作为艺术家跨越媒介的广阔视野。这本书的排版设计本身就是一种艺术品，留白恰到好处，让每一件作品都有足够的呼吸空间来展现其内在的韵律。我常常停留在某一页，凝视着那些曲线和角度，试图去理解他是如何用最简单的形态，去触及人类最深层的情感共鸣。这哪里是一本简单的艺术家传记或作品集，分明是一部关于“形”与“意”的哲学辩证录。

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