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出版者:

作者:Pinksterboer, Hugo

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:2009-6

价格:$ 16.94

装帧:

isbn号码:9781423462781

丛书系列:

图书标签:

• 钢琴
• 乐理
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• 流行钢琴
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音乐启蒙与演奏精通指南：一部跨越风格与技艺的综合性乐谱解析 书名：和声的织锦：从巴洛克到爵士的和弦逻辑与即兴演绎 图书简介 《和声的织锦：从巴洛克到爵士的和弦逻辑与即兴演绎》并非一本专注于特定乐器——例如钢琴——的入门或技巧手册，而是一部深刻剖析西方音乐理论核心——和声学——如何在不同历史时期、不同音乐体裁中得到应用和演变的研究专著。本书旨在为严肃的音乐学习者、作曲家、编曲家以及对音乐结构有深层兴趣的听众，提供一套系统化、跨越时空的和声语言框架。 本书的叙事结构并非围绕单一乐器的演奏法或曲目讲解展开，而是以“和声功能”和“风格化转换”为主线，构建起一座连接古典严肃音乐与现代流行、即兴音乐的桥梁。 第一部分：古典和声的基石与规范（1600-1900） 本部分深入探究了巴洛克、古典主义及浪漫主义时期和声学的基本规则与美学追求。内容详实地涵盖了从Fux的基础对位法到Rameau体系的通奏低音实践，再到十九世纪晚期调性模糊化的复杂过程。 章节要点： 1. 对位与和声的交汇： 详细解析了帕莱斯特里那风格的纯净五度与三度和声，以及巴赫赋格中声部间独立线条如何构建出强大的垂直结构。我们不教授如何“弹奏”巴赫，而是剖析其和弦进行（如经典的帕萨卡利亚低音进行）背后的逻辑。 2. 功能和声的成熟： 深入探讨了主、属、下属和弦（T-S-D）在海顿和莫扎特音乐中的标准化应用。特别辟出一章，专门分析了“情感的转调”——即如何通过不协和音的解决、导音的强化以及远关系转调来推动奏鸣曲式的情感发展。 3. 浪漫主义的和声拓展： 聚焦于李斯特、瓦格纳等作曲家如何挑战传统的功能限制。内容详述了增三和弦、减七和弦的“色彩化”用法，以及非功能性的半音进行，解释了这些手段如何预示了二十世纪音乐的到来。本书分析了特定和弦如何引发听觉上的“张力”与“迷失感”，但完全不涉及任何键盘指法或踏板技巧。 第二部分：二十世纪的解构与重塑（1900-至今） 随着调性体系的瓦解，和声学进入了一个充满实验与多样性的时代。本部分探讨了作曲家们如何应对传统和声的局限，并构建出全新的听觉空间。 章节要点： 1. 印象主义的色彩饱和： 重点分析了德彪西和拉威尔作品中对“全音阶”、“五声音阶”以及平行和弦（Planar Harmony）的偏爱。这里讨论的是和弦本身作为音响色彩的价值，而非其解决到何处。例如，如何构建一个听起来“雾气弥漫”的和弦群。 2. 序列主义与十二音体系： 详尽阐述了勋伯格、韦伯恩的十二音列构建规则，包括列的原始型、逆行、倒影和逆行倒影的转换。本书提供的是一种抽象的音高组织方法论，而非任何特定乐器的演奏练习。 3. 极简主义的静态和声： 探讨了布莱恩·伊诺、菲利普·格拉斯等音乐家如何通过简单的和弦或音组的重复、微小的相位移动来创造出时间感被拉伸的听觉体验。 第三部分：即兴与跨界和声的自由运用 本书的第三部分将目光转向了爵士乐、现代电影配乐以及当代流行音乐中对和声的灵活运用。这里的重点在于“即兴的可能性”和“功能扩展”。 章节要点： 1. 爵士和声的扩展与替代： 深度解析了“II-V-I”的复杂化，包括属七和弦上的九音、十一音、十三音的添加（如升五、降九等变化音）。书中清晰图解了“替代属和弦”（Tritone Substitution）的逻辑，解释了为何它能流畅地连接两个原本不和谐的和弦。请注意，本书不提供任何“爵士钢琴和弦图”或“左手伴奏模式”的教学。 讨论的是和弦的替代关系。 2. 调式（Mode）在即兴中的地位： 明确区分了“调式音阶”与“调式和弦”。详细介绍了利迪亚（Lydian）、弗里吉亚（Phrygian）等调式在构建特定情绪（如“明亮感”或“异域感”）中的和声色彩作用，以及如何基于这些调式来构建和弦进行，比如在爵士融合乐中常见的“调式即兴”。 3. 配器与和声的互动： 探讨了特定和弦（如布莱希特和弦）在不同乐器组合中听感上的巨大差异。分析了配器如何影响和声的“重量感”和“清晰度”，例如，低音提琴与大提琴演奏同一根低音时，对整体和声感知的影响。 结语：和声作为音乐的“语法” 《和声的织锦》的最终目标是让读者理解，无论是莫扎特的奏鸣曲、巴赫的赋格，还是迈尔斯·戴维斯的即兴独奏，其背后都遵循着一套共通的、但又不断演变的逻辑规则。本书是一部关于结构、关系和意义的著作，它解构了音乐的骨架，而非教授手指的运动。它要求读者具备一定的基础乐理知识，以便能更好地消化其中关于抽象和声原理的深度分析。对于那些希望超越乐谱表面，直抵音乐核心的探求者来说，这是一部不可或缺的理论参考书。

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最近拜读了一本名为《咖啡馆里的即兴幻想》的作品，它简直是一股清流，完全跳脱了传统音乐书籍的框架。这本书聚焦于二十世纪初期，欧洲几座文化熔炉城市里，那些未被主流历史记载的“街头艺术家”和“沙龙音乐家”群体。它主要通过文学化的笔触，描绘了在信息相对闭塞的年代，音乐是如何在非正式场合中自由流动、碰撞和融合的。作者对当时不同阶层人群的音乐品味差异描绘得淋漓尽致，比如资产阶级对歌剧的狂热，与底层民众对民间小调的热衷，以及爵士乐等新兴流派如何在夹缝中顽强生长。这本书最迷人的地方在于它的“氛围感”，读起来就像是坐在一个略带烟雾缭绕的欧洲小馆里，耳边流淌着那些充满生命力和即兴灵感的旋律。它强调了音乐的社会功能性——它如何成为人们日常交流、表达不满、庆祝生活的方式。这本书让我感受到，音乐的生命力远不止于音乐厅的舞台，它更深深根植于生活的土壤之中，充满了烟火气和热烈的生命力。

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这本书，暂且称之为《黑键下的秘密》，简直就是一本为所有热爱叙事性强的历史非虚构作品的书迷量身定做的宝典。它聚焦于十九世纪欧洲几个关键音乐学派的兴衰与流变，探讨了技术进步（比如钢琴制作工艺的革新）如何反过来塑造了艺术表达的可能性。我最喜欢它那种宏大叙事中又不失微观洞察力的写法。比如，它花了整整一章来分析某位作曲家如何在一次不成功的首演后，彻底颠覆了自己原有的创作风格，这种转折点的描绘极其精彩，充满了戏剧张力。作者对社会文化背景的梳理非常到位，让你清楚地明白，在那个特定年代，什么样的作品才能被大众接受，什么样的创新又是如何顶着巨大的压力破土而出的。阅读过程中，我不断地停下来，去搜索那些被提及的乐谱片段，那种“原来如此”的顿悟感，是阅读体验中的一大乐趣。这本书的排版和插图选择也十分考究，很多珍贵的历史照片和手稿的再现，极大地增强了阅读的沉浸感和真实性。绝对是那种读完后，你会忍不住想向所有人安利，并期待作者能继续深耕这个领域的力作。

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我近期读了一本名为《指尖下的哲学》的书，它完全颠覆了我对“练习”这件事的认知。这本书的核心论点是，严苛的技艺训练，本质上是一种精神层面的修炼和哲学思辨的具象化体现。作者通过采访多位享誉国际的演奏家，揭示了他们在面对极高难度技巧要求时，是如何处理焦虑、如何培养超乎常人的专注力，以及如何将枯燥的重复训练转化为一种接近冥想的状态。它探讨的不是“如何弹得快”，而是“如何在慢下来思考弹奏的意义”。书中穿插了一些演奏家们关于“完美与遗憾”的辩论，非常发人深省。比如，他们如何看待演奏中的失误？是技术故障，还是情感表达的一部分？这种对“表演的本质”的探讨，极大地拓宽了我的思考维度。对于任何需要长期坚持和精进某项技能的人来说，这本书都具有极强的指导和精神激励作用。它让我们意识到，那些看似纯粹的艺术活动背后，往往蕴含着深刻的自我管理和心性磨练。

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关于《共鸣的结构》，这本书的视角非常独特，它不像传统的音乐史那样以人为主线，而是以“乐器”本身作为观察点，探讨了不同时代乐器制造技术的演进如何直接影响了音乐的“声音美学”。作者似乎对声学原理有着深厚的造诣，但阐述起来却一点也不晦涩难懂。书中详细描述了从羽管键琴到现代三角钢琴之间，材料、音板、击弦机制等一系列的微小变化，是如何汇聚成听觉体验的巨大飞跃。特别是它对“力度变化”（Dynamics）的研究，深入到物理层面，解释了为什么巴赫时代的音乐在现代钢琴上演奏时，必须进行某种程度的“再诠释”。这种技术层面的探讨，提供了一个全新的框架来理解音乐的“可塑性”。对于那些对乐器构造和声音物理学感兴趣的读者来说，这本书无疑是一座宝库。它让我明白了，我们今天听到的“完美音色”，其实是人类不懈追求声学理想化的结果。阅读这本书，就像是拿到了一把解剖声音的精密手术刀，非常专业，但又充满了探索的乐趣。

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哇，最近入手了一本非常引人入胜的音乐传记，书名是《旋律的足迹》，作者对古典音乐史上的那些传奇人物的描摹简直是入木三分。我得说，这本书最让我震撼的地方在于它不仅仅罗列了生平事迹和作品年表，而是深入挖掘了那些伟大音乐家创作背后的心路历程和时代洪流对他们的影响。比如，书中对贝多芬晚期作品的解读，那种超越时代的孤独感和对人类命运的深刻关怀，被细腻地剖析出来，让人读来仿佛能亲耳听到那份挣扎与辉煌的和声。作者的文笔兼具学术的严谨与散文的优美，尤其擅长捕捉人物性格的复杂性。我特别欣赏作者在描述某些音乐片段时，使用的那种富有画面感的语言，仿佛手指就在琴键上跳跃，音符清晰可闻。这本书不仅适合资深的古典乐迷，对于初涉古典音乐世界的朋友来说，也是一座绝佳的向导，它巧妙地将枯燥的历史知识融入到一个个生动的故事中，让人在阅读中不知不觉地提升了对音乐审美的理解。它让我重新审视了那些耳熟能详的曲目，每次再听时，都能感受到其中蕴含的更深层次的情感张力。

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