Theatre Games for Young Performers pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Novelly, Maria C.

出品人:

页数:160

译者:

出版时间:1985-4

价格:$ 20.28

装帧:

isbn号码:9780916260316

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧游戏
• 表演技巧
• 儿童戏剧
• 青少年戏剧
• 即兴表演
• 团队合作
• 创造力
• 自信心
• 沟通技巧
• 舞台表演

表演艺术的殿堂：戏剧工作坊的无限可能 一部全面探索当代戏剧教学与实践的开创性著作 本册著作深入剖析了当代舞台艺术的多个核心领域，旨在为教育工作者、青少年戏剧指导者以及有志于表演艺术的年轻学习者提供一套既富理论深度又具备高度实践性的指导框架。它摒弃了传统戏剧教育中僵化的技巧训练模式，转而倡导一种基于探索、合作与个人成长的教学范式。全书共分为五大部分，结构严谨，内容丰富，全面覆盖了从基础元素建构到复杂叙事构建的各个层面。 第一部分：戏剧基础的重塑与激活 本部分着重于重新定义“表演的基础”。我们认为，真正的表演始于对自我感知和环境互动的深刻理解。 1. 身体的解放与感知力的拓展： 这一章节探讨了如何通过非传统方法（如感觉训练、意象引导而非单纯的肢体模仿）来唤醒演员的身体潜能。内容详述了如何运用“替代性运动”、“空间重量感”等概念，帮助学习者超越日常姿态，建立一个更具表达力的舞台躯体。强调了呼吸与声音的内在统一性，如何让身体的每一个微小动作都成为意义的载体。 2. 声音的景观与情感共鸣： 区别于传统的发声练习，本章聚焦于声音的情感地图。我们探讨了“内在独白”如何转化为可听见的音色和语调。详细介绍了如何通过“声音雕塑”练习，让学生理解不同环境、不同人物的心理状态对发声方式的决定性影响。书中包含了大量针对青少年发音特点设计的、既保护嗓音又能拓宽音域的训练模块。 3. 专注力的锚定与即兴的结构： 戏剧的发生依赖于演员对“当下”的绝对掌控。本章深入剖析了如何通过冥想、场景记忆法和“环境扫描”技术，将学习者的注意力从自我意识中解放出来，牢牢地锚定在舞台事件之上。即兴部分则超越了简单的“接话”，侧重于即兴情境下的“目标设定”、“冲突升级”和“叙事支撑”，使即兴成为一种有目的的创造行为。 第二部分：合作艺术： Ensemble 精神的构建 戏剧不是独角戏，而是集体创造的奇迹。本部分致力于探讨如何将一群独立的个体塑造成一个具有凝聚力、能共同呼吸的艺术集体（Ensemble）。 1. 共同创作的工作方法论： 本章详细介绍了几种世界领先的共同创作（Devised Theatre）流程，例如从“材料收集”到“结构搭建”的步骤。它指导读者如何利用文本碎片、视觉符号甚至音乐元素作为创作的起点，而非依赖预先写好的剧本。重点阐述了在集体创作中“倾听”和“接受提议”的关键艺术。 2. 空间对话与舞台几何学： 舞台空间是 Ensemble 的重要成员。本章探讨了演员之间、演员与布景之间，以及演员与观众之间如何建立动态的视觉和情感联系。通过具体的舞台布局练习，指导学生理解如何运用“视线追踪”、“动力性站位”来增强场景的张力，即便没有台词，舞台上的每一个布局本身也讲述着故事。 3. 冲突的编织与张力的管理： 集体合作中的冲突是进步的催化剂。本章指导教师如何引导学生在合作中处理意见分歧，将建设性的批评转化为表演的燃料。分析了如何通过层层递进的“信任练习”和“风险承担”活动，构建起深厚的团队默契，从而在舞台上展现出无可挑剔的同步性。 第三部分：叙事构建与角色深度探究 这一部分将焦点转向叙事的核心——如何构建一个令人信服的角色，以及如何将角色融入更宏大的故事结构中。 1. 超越背景故事：角色的“驱动力”分析： 传统的角色分析往往停留在人物小传上。本书强调“驱动力”（What Does My Character Want Right Now?）的重要性。内容深入探讨了如何从剧本的字里行间提炼出角色的核心“需求”、“恐惧”和“谎言”，并将其转化为可供即时表演的行动。 2. 情感记忆的负责任使用： 鉴于现代表演伦理对演员心理健康的关注，本章审慎地探讨了情感记忆（Affective Memory）在表演中的定位。它提出了“替代性情感唤醒”和“基于情境的反应”等更为安全和可持续的方法，确保演员能够调动丰富的情感，同时保护其个人界限。 3. 风格化的运用与适应性： 戏剧风格（如古典悲剧、荒诞派、写实主义等）并非外加的装饰，而是角色的内在逻辑。本章提供了分析不同戏剧流派核心美学原则的方法，并指导学生如何将这些原则内化，使角色的动作、语言和空间关系自然地符合特定风格的要求，而不是生硬的模仿。 第四部分：技术整合与跨媒介探索 当代戏剧的边界正在被打破。本部分关注如何将新兴技术和非传统媒介融入舞台创作，以丰富表现力。 1. 声音设计与音乐的叙事功能： 探讨了如何让学生参与到声音景观的构建中，而不是仅仅等待技术人员的介入。学习如何使用环境音效、人声合唱来设定场景情绪，以及如何运用节奏和节拍来控制观众的心理预期。 2. 视觉符号学与道具的生命力： 道具不再只是布景的一部分，它们是角色的延伸和潜意识的投射。本章指导学生如何选择、设计和运用道具，使其携带强烈的象征意义。同时，介绍了基础的舞台灯光概念，教导如何通过光影的变化来分割、强调或扭曲空间，从而增强叙事效果。 3. 肢体剧场与影像的融合： 针对那些不依赖大量对白的作品，本章详细介绍了几种成功的肢体叙事案例，以及如何有效地将预先录制的影像或即时投影（Live Projection）整合到舞台动作中，创造出多层次的视觉体验。 第五部分：教学法的实践与评估体系 最后一部分回归教育实践层面，为教师提供了一套可操作的课程设计与反馈机制。 1. 循序渐进的课程规划： 提供了针对不同年龄段（小学、初中、高中）的年度课程框架建议，确保学习过程的连贯性和挑战性。强调了在不同阶段侧重点的调整，例如早期侧重身体自由，后期侧重文本分析。 2. 非评判性的反馈技巧： 强调了“描述性反馈”而非“评判性反馈”的重要性。书中提供了大量的反馈句式模板，旨在帮助教师精准指出学生的“正在发生什么”，而不是简单地告知“做得好”或“不好”。指导教师如何引导学生自我评估，建立内在的批判性视角。 3. 走向社区与观众： 本章鼓励学生将学习成果展示给更广阔的社区。讨论了小型、非传统场域的演出（Site-Specific Performance）的筹备流程，以及如何与观众进行有意义的“演出后对话”（Post-Performance Talk），将学习闭环，深化艺术体验的价值。 通过对以上五大领域的系统性梳理与深入实践指导，本书为读者提供了一套超越剧本、聚焦于人的创造力的戏剧教育蓝图，确保每一位年轻的表演者都能在安全、富有启发性的环境中，发现自己独特的舞台声音与肢体语言。

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