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页数:130

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出版时间:2009-8

价格:25.00元

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isbn号码:9787536057890

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《曲海拾珍：那些被遗忘的钢琴瑰宝》 书籍简介 在浩瀚如海的钢琴音乐宝库中，我们常常为肖邦的浪漫、贝多芬的宏伟、德彪西的印象而惊叹。然而，在这些璀璨明星的光环之下，亦埋藏着无数同样值得我们去探索、去珍藏的音乐珍珠。它们或许不曾被大众耳熟能详，却在音乐史上留下了独特的印记；它们或许不具备炫技的华丽，却蕴含着细腻的情感与深刻的哲思。《曲海拾珍：那些被遗忘的钢琴瑰宝》正是这样一本旨在发掘和重现这些被时光蒙尘的钢琴作品的导览手册。 本书并非传统的技巧训练指南，也不是对某位作曲家作品的系统性梳理，而是以一种“寻宝”的心态，带领读者深入古典音乐的静谧角落，去发现那些被低估、被遗忘，却同样闪耀着艺术光芒的钢琴杰作。我们不在这里探讨“如何弹奏”，而是聚焦于“为何要聆听”和“如何去感受”。这是一次跨越时空的音乐漫游，一次与那些沉寂在历史长河中的优秀作曲家及其作品的深度对话。 内容概述： 本书将从多个维度，以深入浅出的方式，呈现那些散落在音乐史中的珍贵瑰宝。我们将目光投向不同的历史时期，发掘那些在特定时代背景下孕育出的、具有独特风格和艺术价值的作品，但这些作品却因种种原因，未能在后世得到与其价值相匹配的关注。 早期浪漫主义的柔情与诗意： 在肖邦、李斯特等巨匠的光芒之外，我们还会有一些鲜为人知的作曲家的作品。例如，约翰·菲尔德（John Field）的夜曲，它们以其如梦似幻的旋律和宁静的氛围，预示了肖邦夜曲的抒情风格，却常常被后人忽视。我们将深入分析菲尔德夜曲的结构、和声特点以及其在音乐史上的承上启下作用，引导读者体会那份不带矫饰的温柔。此外，一些来自更早期，例如巴洛克时期一些不那么广为人知的作曲家的键盘作品，它们在复调技法上的精巧，和声语汇上的丰富，同样是值得细细品味的。例如，亨德尔键盘奏鸣曲中那些充满活力与戏剧性的乐章，或是马泰松（Mattheson）奏鸣曲中对于赋格的独特处理，它们都展现了那个时代键盘音乐的多样性与深度。 印象主义的色彩与氛围： 德彪西、拉威尔等大师的印象派钢琴作品已成为经典，但还有一些同样致力于捕捉光影、色彩和氛围的作曲家，他们的作品同样具有非凡的魅力。我们将探讨一些拉威尔同时代作曲家的作品，他们同样运用了丰富的色彩和微妙的和声，试图在音乐中描绘出特定的场景或情绪。例如，埃里克·萨蒂（Erik Satie）的“三首香格里埃”（Trois Gymnopédies），这些看似简单却充满禅意的作品，以其独特的简约风格和略带忧伤的美感，征服了一代又一代的聆听者，它们所传达的那种超然物外的宁静，是许多印象派作品所不曾触及的。本书将带领读者去理解萨蒂的音乐哲学，以及这些看似“轻巧”的作品背后所蕴含的深刻的艺术思考。 民族乐派的地域风情： 在民族乐派兴起的浪潮中，各国涌现出许多才华横溢的作曲家，他们将本民族的民间音乐元素融入到古典音乐创作中。除了那些耳熟能详的例子，我们还会挖掘一些来自不同国家、在国际上影响力相对较小的民族乐派作曲家的作品。例如，一些东欧国家，如捷克的斯美塔那（Smetana）和德沃夏克（Dvořák）之外，还有一些鲜为人知的作曲家，他们的作品同样充满了浓郁的民族韵味和独特的音乐语言。本书将尝试去展现这些作品所蕴含的地域文化特色，以及作曲家如何将民歌、民间舞曲等元素进行艺术化的升华，从而丰富了钢琴音乐的表现力。 二十世纪的实验与创新： 进入二十世纪，音乐的边界被不断拓宽，各种新颖的创作手法层出不穷。除了勋伯格、斯特拉文斯基等巨匠，还有许多作曲家在探索新的和声、节奏、音色甚至音乐结构。我们将关注那些在二十世纪初期或中期，尝试融合传统与现代、东方与西方元素的作曲家。例如，一些作曲家对于十二音技法、序列音乐的运用，在某些特定的作品中，或许展现出了更为内敛或抒情的面向，而非我们通常认为的那种“陌生”或“刺耳”。本书将以一种开放的姿态，引导读者去理解这些创新性的音乐语言，以及它们如何为钢琴音乐带来了新的可能性。 被低估的现代作曲家： 即使在当代，也有许多极具才华的作曲家，他们的作品尚未得到应有的认可。本书将挑选一些在当代音乐界具有一定影响力，但其钢琴作品在国际上的普及度相对较低的作曲家。我们将分析他们的创作理念，解析作品的结构与特点，并探讨这些作品在当今音乐语境下的意义。这部分内容将为热衷于探索当代音乐的读者提供一份宝贵的参考。 本书特色： 1. 深入的音乐鉴赏视角： 本书的核心在于“鉴赏”而非“演奏”。每一首被介绍的作品，都将从其创作背景、音乐结构、情感表达、和声色彩、旋律特点等多个角度进行深入剖析，力求让读者在聆听时，能够获得更深层次的理解和共鸣。我们将探讨作品的情绪起伏，音乐织体的层次感，以及作曲家如何通过音乐语言来营造特定的氛围。 2. 丰富而多元的曲目选择： 我们精心挑选的曲目，涵盖了从巴洛克时期到当代的不同风格、不同地域的钢琴作品，力求展现钢琴音乐的广度和深度。这种跨越时空的选曲，旨在打破听众的固有印象，拓宽音乐视野。 3. 生动而具象的文字表达： 对于音乐作品的描述，我们将避免使用过于枯燥的术语，而是力求用生动、形象、充满画面感的语言来传达音乐的情感与意境。我们将尝试用文学性的笔触，来描绘音乐的色彩、线条和动态，让读者能够“听”到文字，并通过文字“看到”音乐。 4. 连接过去与现在： 本书将不仅仅是回顾历史，更是连接过去与现在。我们不仅会介绍作品的艺术价值，还会探讨这些作品在当今音乐语境下的意义，以及它们如何影响了后世的音乐创作。 5. 激发探索的兴趣： 最终，本书的目的在于激发读者对被遗忘的钢琴音乐产生浓厚的兴趣，鼓励大家主动去探索、去发现更多隐藏在音乐史中的瑰宝，从而丰富自己的音乐生活。 本书阅读体验： 阅读《曲海拾珍：那些被遗忘的钢琴瑰宝》，就如同踏上一段发掘宝藏的奇妙旅程。您无需具备深厚的音乐理论基础，也无需精湛的钢琴演奏技巧。您只需要一颗热爱音乐的心，以及一颗渴望探索未知的心。 在翻开本书的每一页，您都可能与一位陌生的作曲家不期而遇，聆听到一首您从未听闻却能深深打动您的旋律。本书的每一章节，都是一次精心策划的音乐会，邀请您置身于一个由音符构筑的奇幻世界。您可以选择在静谧的夜晚，伴着一杯热茶，跟随本书的引导，静静地聆听一段被遗忘的夜曲，感受其中细腻的情感；也可以在阳光明媚的午后，让书中的篇章带领您穿越时空，体验不同地域、不同时代的音乐风情。 本书提供的不仅仅是音乐的知识，更是一种音乐鉴赏的体验。我们相信，通过阅读本书，您将不再局限于耳熟能详的经典曲目，而是能够以更加开阔的视野，去拥抱整个钢琴音乐的浩瀚星河，发现那些隐藏在角落里，却同样闪耀着不朽光芒的艺术瑰宝。 《曲海拾珍：那些被遗忘的钢琴瑰宝》，献给所有热爱钢琴音乐，却渴望发现更多惊喜的你。它将是一扇窗，推开它，您将看到一个更加丰富多彩的钢琴音乐世界。

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这本《钢琴技巧教程》的封面设计得非常简洁大气，黑白灰的配色显得专业而沉稳。我一开始是抱着一种期待的心情去翻阅的，毕竟市场上关于钢琴学习的书籍汗牛充栋，能脱颖而出总得有点真本事。刚接触这本书时，我发现它并没有直接堆砌那些枯燥的音阶和琶音练习，而是以一种非常生活化的语言，探讨了“如何科学地进行手指训练”这个核心问题。作者似乎非常理解初学者在练习中遇到的瓶颈——那种手指僵硬、动作不协调的挫败感。书中花了大量的篇幅去讲解触键的深度、力量的分配以及手腕的放松技巧，这些都是我在其他教材中学到的比较零散的知识点，但在这里被系统地整合在了一起。特别是关于“慢练”的哲学探讨，让我印象深刻。它不只是告诉你“要慢”，而是解释了慢练时大脑和肌肉是如何建立新的神经连接，如何通过精确的慢速来纠正潜在的错误习惯。这本书的排版非常注重实用性，许多概念都有配图辅助说明，比如不同类型钢琴键的阻力模拟图，让人一目了然。对于那些希望打下扎实基础、避免未来技术瓶颈的进阶学习者来说，这本书提供的理论深度和实践指导是相当可观的。它更像一位经验丰富的导师，在旁边耳提面命，而不是冷冰冰的练习手册。

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我收藏了许多关于技巧训练的书籍，但《钢琴技巧教程》以其对“节奏稳定性和均匀性”的极致关注而独树一帜。它将节奏的准确性提升到了与音准同等重要的地位，并提供了一套非常严谨的内部校准方法。书中详细分析了快速跑动中，手指容易出现的“赶拍”或“拖沓”现象的生理原因，并提供了一套非常规的“反向节拍”训练法，旨在强迫大脑重新处理时值的关系，从而内化出更精准的内在节拍器。我发现，很多时候我们认为技术不好，实际上是节奏感出了问题，而这本书恰恰是抓住了这个核心痛点。它不仅仅是教你如何把音弹快，更是教你如何把所有音弹得“一样快，一样干净”。书中的练习曲选材也很有考量，它们并非直接取自某个著名作品的难点片段，而是根据特定的技术难点“量身定制”的，这使得练习的针对性极强，效率也大大提高。对于那些在进行大量练习后仍无法克服机械性重复错误的学习者来说，这本书提供了一个全新的、更具逻辑性的解决框架。

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坦白说，我一开始对这本书的期望值并不高，我担心它会是那种学院派气息过重、晦涩难懂的理论书籍。然而，当我翻开中间关于“踏板运用与共鸣控制”的部分时，我完全被它独到的见解吸引住了。作者似乎对钢琴的声学特性有着深刻的理解，他描述的踏板使用场景极其丰富，远远超出了“踩到底”和“抬起”这么简单。书中提到了“半踏”在不同调性中的微妙效果，以及如何根据音乐厅的混响时间来调整踏板的释放时机，这些都是我在课堂上很难被系统教授的内容。更重要的是，作者没有把这些技巧描绘成高不可攀的“秘籍”，而是通过一系列可量化的练习来帮助读者逐步建立起对声音深度的感知。我特别喜欢其中一个关于“音色分层”的章节，它指导我如何在弹奏和弦时，确保低音的稳固、中音的清晰以及高音的穿透力能够和谐共存，而不是混成一团的噪音。对于那些希望将演奏水平从“能弹下来”提升到“能弹得有音乐性”的演奏者来说，这本书无疑是打开了一扇通往更深层次音乐理解的大门。

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这本书最让我感到惊喜的是其对“演奏心理和抗压能力”的探讨。在技术和乐感都达到一定水准后，真正的瓶颈往往出现在舞台上或录音室这种高压环境中。这本《钢琴技巧教程》并没有将重点放在纯粹的物理技巧上，而是巧妙地融入了心理学和运动学习的理论。作者用非常平实易懂的方式，解释了“焦虑如何影响肌肉控制”，并提供了一套实用的“上台前可视化练习”流程。这套流程教导我们如何在大脑中预先模拟每一次触键、每一个换把动作，从而降低现场出现的“大脑短路”的风险。我特别欣赏它对“完美主义陷阱”的警示，书中强调，音乐的魅力在于流淌而非零失误，这极大地缓解了我过去对每一个音符都过于苛求的紧张感。这种将技术训练与心理建设相结合的方式，在同类书籍中是极为罕见的。读完这本书，我感觉自己不仅在技术上有所提升，更在面对演奏挑战时，内心多了一份从容和自信，这无疑是一份超越了音符本身的宝贵财富。

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我接触了非常多针对不同年龄段的钢琴教材，但这本书《钢琴技巧教程》给我的感觉是，它彻底颠覆了我对传统“爬格子”式训练的认知。它的前几章内容并没有急于求成地进入技术展示，而是深入剖析了钢琴演奏中的“身体工学”。我过去总是忽略手掌的弧度和肩膀的放松，导致练习时间稍长就会感到疲劳甚至疼痛。这本书里详细描述了如何通过调整坐姿、调整琴凳高度来最大化手臂的自然重力，并将其有效地传递到指尖。书中引入的“动态控制”概念尤其精妙，它教导我们如何在一组音符中创造出微妙的力度变化，而不是简单地做到平均化。这对于演奏古典乐派，尤其是肖邦或德彪西的作品时，那种细腻的情感表达至关重要。我尝试了书中介绍的一个关于“手指独立性”的练习，它没有采用传统的异向练习，而是通过模拟特定乐句的节奏型来实现，练习效果立竿见影，感觉之前粘连的手指突然变得“听话”了许多。总的来说，这本书的价值在于它提供了“技术背后的智慧”，而不是单纯的技术动作的罗列，让练习过程从机械重复升华为有目的的探索。

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