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出版者:

作者:沈法 编

出品人:

页数:322

译者:

出版时间:2009-7

价格:68.00元

装帧:

isbn号码:9787501969845

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建筑空间中的光影叙事：从古典到现代的视觉语言研究 图书简介 本书旨在深入探讨建筑空间中光影变化的内在规律、表现形式及其在不同历史时期和地域风格下的审美价值。我们聚焦于光线作为一种无形的、动态的物质，如何与坚实的建筑实体发生作用，从而塑造出人类的感知体验、情感反应以及对空间的理解。这不是一本关于具体照明设备选型或纯粹物理光学原理的教科书，而是一部着眼于光影作为“建筑语言”的本质性研究。 第一章：光的本体论与建筑的“在场感” 本章首先追溯了哲学与美学领域对“光”的理解的演变。从柏拉图洞穴的比喻中对“真实之光”的探求，到中世纪哥特式教堂中对“神圣之光”的营造，光从来就不是中立的背景。我们分析了光线如何赋予建筑以“在场感”（Presence）。在传统建筑中，光影的交界往往是清晰、明确的，它强调了结构、材料的质感和界限的不可逾越性。我们通过对古希腊神庙（如帕特农神庙）的细致分析，探讨了如何利用不同时间点太阳的入射角度来“雕刻”建筑的形体，使其在一天中展现出不同的性格。这是一种对时间性的物质化表达。 第二章：古典主义：光影的秩序与象征 古典建筑体系高度依赖于严格的比例和清晰的几何逻辑。在这一框架下，光线被视为一种组织和确立秩序的工具。本章重点考察文艺复兴时期对光线的精确控制。例如，布鲁内莱斯基和阿尔伯提对透视法的运用，实际上是对空间深度和光线消失点的几何化表达。光线被用来引导视线，强调轴线和中心点。我们详细分析了巴洛克建筑如何突破这种静态的、理性的秩序。在巴洛克时期，光线成为戏剧性的催化剂。贝尼尼雕塑中的“隐藏光源”技术，使得大理石雕像仿佛沐浴在来自天界的圣光之中，这是一种情感的激发和对超验世界的暗示。阴影不再是实体缺失的部分，而是与实体并置的、具有强烈张力的艺术元素。 第三章：中世纪的“非物质化”：光与精神性的交融 中世纪的建筑追求的并非尘世的清晰度，而是对天堂的向往。哥特式大教堂是研究光线如何服务于精神叙事的典范。本章聚焦于彩绘玻璃窗的出现及其影响。彩色玻璃吸收、过滤并重新分配自然光，将原本单一的白光转化为流动的、充满色彩的“神圣之光”。这种光线不仅照亮了空间，更“污染”了空间，使实体建筑的边界模糊，营造出一种非物质化的、迷幻的氛围。我们比较了圣礼拜堂（Sainte-Chapelle）的“光之笼”效应与早期罗马式教堂中厚重墙体带来的幽暗、内省的氛围，展示了光线在宗教表达中的两极分化。 第四章：现代主义的解放与工业光线的引入 进入现代，随着工业革命和新材料（如钢筋混凝土、大面积玻璃）的应用，建筑师开始重新审视光线的角色。现代主义拒绝了古典的象征和巴洛克的戏剧性，转而追求功能的纯粹性与材料的本真性。勒·柯布西耶的“光之五点”理论，特别是对水平长窗的使用，探讨了如何在标准化的、重复的立面中引入均匀、漫射的光线，以服务于现代生活的功能需求。然而，随着技术的发展，人工照明开始介入。本章探讨了人造光源（如荧光灯、早期白炽灯）如何挑战了对自然光的依赖，并使得建筑师能够首次在不受日照限制的条件下设计室内光环境。 第五章：当代语境下光影的模糊与渗透 当代建筑实践将光影视为一种可编程的、流动的介质。本章关注后现代和解构主义对光影稳定性的颠覆。一些建筑师开始使用高反射性材料或复杂的幕墙系统，使得建筑的表皮在一天中不断变化，光与影的界限变得模糊不定，建筑仿佛在呼吸。我们分析了特定案例中如何利用数字技术（如LED矩阵）模拟自然光的变化，甚至创造出超越自然局限的“超自然光”。此外，本章还深入探讨了“阴影的艺术”——当代建筑师如何有意识地“设计”阴影，使其成为一种强烈的、具有方向感的图形元素，而非仅仅是光线被阻挡的副产品。光线与材料的交互不再是简单的反射与吸收，而是复杂的折射、衍射和散射过程。 第六章：光影叙事的心理学与生理学基础 最后，本书从跨学科角度回归到人类对光影的感知。我们探讨了不同光照条件（色温、照度、对比度）如何影响人体生理节律（如昼夜节律）和心理状态（如专注度、安全感）。例如，高对比度的、方向性强的光线如何被用于强调某一行为区域，而均匀的、低对比度的光线如何促进放松。通过案例分析，我们揭示了优秀的光影设计如何通过微妙的层次和引导，无声地“叙述”空间的使用规则和情感基调，从而实现建筑与使用者之间深层次的对话。 总结 本书并非提供一套标准的设计公式，而是提供一个批判性的框架，用以理解光影在建筑历史中作为核心表达工具的地位。它邀请读者超越对特定风格的简单模仿，转而关注光与形体、时间与空间之间永恒的、动态的张力。理解了光影的语言，才能真正掌握建筑对人类体验的塑造能力。

评分☆☆☆☆☆

基本上涵盖了工业产品所涉及到的色彩各个方面，有些章节有重复啰嗦之感，读的时候很多页都是一扫记过。真正想搞明白的问题又只是introduction的感觉，没有深入讲透。但作为一本引导性质的书来读，还是可以的

评分☆☆☆☆☆

基本上涵盖了工业产品所涉及到的色彩各个方面，有些章节有重复啰嗦之感，读的时候很多页都是一扫记过。真正想搞明白的问题又只是introduction的感觉，没有深入讲透。但作为一本引导性质的书来读，还是可以的

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评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，那种低饱和度的莫兰迪色调贯穿始终，让人在翻阅的瞬间就能感受到一种沉静而高级的氛围。封面采用了细腻的哑光材质，触感温润，即便是最轻微的指纹也显得恰到好处，仿佛自带一种艺术品的质感。内页的纸张选择也十分考究，那种略带米黄的色泽，不仅保护了读者的视力，更衬托出了书中那些精心挑选的色彩案例的质感，无论是印刷的精细度还是色彩的还原度，都达到了一个非常高的水准。特别是那些跨页的大幅插图，色彩过渡得无比自然流畅，深邃的暗部和灵动的亮部层次分明，足以看出排版设计者对细节的极致追求。整体来看，这本书不仅仅是一本知识的载体，它本身就是一本关于“美学呈现”的范本，从装帧到内页排版，无不体现出对“设计”二字的深刻理解和尊重，让人爱不释手，光是看着它静静地躺在书架上，都觉得是一种享受。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度都超出了我的预期，尤其是它对色彩“语境”的强调，让我对设计这件事有了更深层次的理解。它反复论证了一个观点：色彩从来不是孤立存在的，它必须服务于产品的功能和背后的品牌故事。书中通过大量成功的和失败的案例对比，生动地展示了色彩如何“成就”或“毁掉”一款产品。有一段关于某电子产品在不同文化背景下因色彩的细微调整而引发的市场反响的分析，简直是教科书级别的市场洞察。它教会了我，作为设计师，我们不仅是色彩的艺术家，更是品牌信息的无声传播者，需要用色块来完成复杂的情感翻译工作。读完后感觉自己的色彩“直觉”被一套科学的方法论重新校准和强化了。

评分☆☆☆☆☆

翻阅这本书的过程中，我最大的感受是其极强的“跨界融合”能力。它并没有将色彩设计局限在传统的工业产品范畴内，而是大量引用了建筑空间、时尚T台、甚至数字界面（UI/UX）中的色彩应用案例。这种广阔的视野极大地拓宽了我的思路。例如，书中对比分析了某种特定的金属光泽在汽车外壳和高端厨具上的视觉效果差异，并深入剖析了背后的光线反射原理与人体工程学的关系。更令人惊喜的是，作者还引入了一些前沿的可持续设计理念，讨论了如何利用自然界中的生物色谱来指导环保材料的色彩开发，这种对未来设计趋势的预判和引导，让这本书的价值远超出了“教科书”的范畴，更像是一份面向未来的设计宣言。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为这会是一本枯燥的理论书籍，充满了各种晦涩难懂的色谱图和化学公式，但事实证明我完全想多了。这本书的叙事方式极其生动活泼，它更像是一位经验丰富的资深设计师在跟老朋友分享他的“色彩心法”。作者似乎非常擅长将复杂的色彩心理学和市场趋势分析融入到引人入胜的故事中去。比如，书中有一章专门探讨了不同文化背景下对“红色”的解读差异，用了很多有趣的文化符号和历史典故来佐证，读起来一点都不费力，反而让人产生强烈的代入感。它不是那种高高在上的说教，而是充满了实战经验的提点，很多地方的论述都直击痛点，比如如何在一个预算有限的项目中巧妙地利用有限的几种颜色来营造出预期的品牌调性，这种接地气的技巧分享，对于正在摸索阶段的设计师来说，简直是无价之宝。

评分☆☆☆☆☆

这本书在结构编排上显得逻辑严密，层次分明，仿佛一张精心绘制的思维导图。从最基础的光学原理和人眼感知机制讲起，逐步过渡到色彩体系的建立，再深入到具体的产品形态分析。最让我印象深刻的是它对“色彩情感地图”的构建，作者没有简单地罗列“蓝色代表冷静”这样的标签，而是设计了一套多维度的评估模型，让读者可以根据产品的功能、目标用户年龄层、使用场景等多个变量，精确地推导出最适宜的色彩倾向。这种系统化的方法论，极大地减少了设计过程中的“拍脑袋”决策，提供了一种可量化、可追溯的设计路径，对于习惯于流程化管理的设计团队来说，这本书提供的工具箱是极其宝贵的。

评分☆☆☆☆☆

大二看的，当时啥也不懂，现在基本忘没了= =

评分☆☆☆☆☆

很棒的书 既翔实完整 又有各种贴切的例子来帮助理解

评分☆☆☆☆☆

大二看的，当时啥也不懂，现在基本忘没了= =

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很棒的书 既翔实完整 又有各种贴切的例子来帮助理解

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第一章作者对国内设计教育批判的很好 ，我以为我碰到一本好书了，结果全本看完感觉作者什么都想讲，东扯一句西扯一句，有些内容都没有逻辑性就是硬塞到本书框架里的那种，一些配色的理论还是老一套过时的理念，像294页提到的不可以用青绿色设计饼干这句让人无语至极啊，老师没吃过抹茶饼干吗？不过有的细节部分总结的又很好比如226页。