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☆☆☆☆☆

出版者:Blackwell Publishers

作者:Richard Maltby

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1995-05

价格:USD 46.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780631157328

丛书系列:

图书标签:

好莱坞电影
电影
好莱坞
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电影制作

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具体描述

《好莱坞电影》是一部深度探索电影艺术与产业交织的著作，它并非仅仅罗列影片列表，而是力求呈现一个更宏观、更具分析性的视角。本书的主旨在于解析好莱坞如何在不断演变的社会文化、技术革新和市场需求的驱动下，形成其独特的叙事模式、视觉风格和商业运作体系，并持续在全球范围内产生深远影响。本书首先追溯了好莱坞的起源与早期发展。从默片时代的勃兴，到有声电影的革命性突破，再到色彩与宽银幕的引入，每一项技术飞跃都伴随着叙事手法的创新和观众体验的重塑。我们将深入探讨那些塑造了电影语言基础的早期经典，分析它们如何奠定了类型片的雏形，以及商业化的运作模式如何开始显现。这部分内容旨在揭示好莱坞从一个地方性产业成长为全球文化工业巨头的历史逻辑。接着，本书将聚焦于好莱坞的黄金时代，分析其在叙事结构、角色塑造和明星制度方面的成熟。我们不只是回顾那些家喻户晓的影片，更会剖析其背后隐藏的创作原则和文化价值。例如，对经典好莱坞叙事模式的深入解读，包括其严谨的因果链、明确的主题和圆满的结局，如何迎合了当时的社会心理需求。同时，本书也将探讨明星制度的建立及其对影片内容和观众期待的影响，分析不同时代巨星的崛起如何成为电影吸引力的重要组成部分。进入新好莱坞时期，本书将审视电影艺术如何与社会变革产生碰撞。这一时期，电影不再仅仅是娱乐的工具，也成为反映和挑战社会现实的载体。我们将探讨那些敢于突破传统、关注边缘群体、探索复杂人性的影片，以及它们如何引发广泛的社会讨论。本书也会分析技术进步，如电脑特效的出现，如何改变了电影的视觉语言和叙事可能性，为影片的创作提供了前所未有的工具。此外，本书还将专门开辟章节，深入研究好莱坞电影的类型片研究。从西部片、黑色电影、歌舞片到科幻片、恐怖片，我们将剖析每种类型片的独特美学特征、叙事套路、核心主题以及它们如何与不同时代的社会文化背景相互映照。我们不仅会关注经典作品，也会探讨这些类型片在现代语境下的演变和创新，分析它们如何不断适应新的观众口味和技术条件。在产业层面，本书将详细阐述好莱坞的制片体系、发行策略和全球市场运作。从早期的大制片厂制度到如今的跨国媒体集团，我们将分析电影产业的组织结构如何影响创作，以及营销手段如何塑造观众的观影选择。本书会探讨“制片人制”的核心作用，以及制片厂在项目开发、风险控制和利润最大化方面的考量。对于全球化传播，本书将分析好莱坞影片如何跨越文化壁垒，以及在不同地区市场所面临的机遇与挑战。本书还会关注好莱坞电影中的文化意涵与意识形态。我们不回避分析那些影片可能传递的价值观、性别观念、种族刻画以及对不同社会群体的描绘。通过对具体影片的案例分析，探讨好莱坞电影在塑造主流文化认知、推广特定生活方式以及影响全球观众思想方面所扮演的角色。这部分内容旨在提供一种批判性的阅读视角，鼓励读者更深入地理解电影背后的深层含义。在技术革新方面，本书将持续跟踪电影制作和放映技术的演进。从胶片到数字，从3D到IMAX，再到流媒体的崛起，每一项技术变革都带来了新的创作机遇和挑战。我们将分析这些技术如何影响影片的视觉呈现、叙事节奏和观众的观影体验，以及它们如何改变了电影的生产、分发和消费模式。最后，本书将展望好莱坞电影的未来发展趋势。在全球文化日益融合、新技术层出不穷的背景下，好莱坞将面临怎样的挑战和机遇？流媒体平台将如何重塑电影产业的格局？叙事和技术又将如何继续演进？本书将尝试为这些问题提供一些有洞察力的思考，并勾勒出电影艺术与产业未来可能的走向。总而言之，《好莱坞电影》是一部面向对电影艺术、产业运作、文化影响以及技术发展感兴趣的读者而创作的著作。它以历史的纵深感、分析的批判性以及对细节的关注，力求为读者呈现一个全面而深刻的好莱坞电影世界。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

没有一个地方，商业和艺术的矛盾会如此尖锐，“这里的假设是，一部艺术性的电影不能挣钱”。世界上似乎有两种电影，艺术电影和好莱坞电影，而任何企图将两者勉强结合的努力都会失败——《天国之门》想“以丰盈的艺术性一鸣惊人”，却以票房惨败告终，甚至导致投资的公司廉价出...

评分☆☆☆☆☆

如果读者不是作为明星的追随者，也不是一种艺术形式的爱好者，而是想了解好莱坞这一不断生产梦境和欢乐的动力源泉，那么这本书是了解好莱坞物理学的最好读物。它对好莱坞的工业、历史、政治、技巧和商业美学的描述和解释，就像力学、机械、工程学那样准确。

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书在探讨黄金时代那些标志性人物的创作哲学时，展现出一种近乎八卦的、又无比深刻的洞察力。它没有停留在对他们作品的表面赞美，而是深入剖析了那些大导演们在片场上的暴君行径、与制片厂的利益纠葛，以及他们如何利用当时刚刚成型的“明星制度”来塑造和消费银幕形象。读到关于某个具体导演与女主角之间那种微妙的权力平衡时，我忍不住放下了书，去重温了他们合作的几部经典作品，这才明白，那些看似天造地设的银幕化学反应，背后是多么复杂的幕后博弈和精心设计的剧本。作者对于“制片厂制度”运作机制的解读非常到位，那种流水线式的生产模式，既保证了电影产量的稳定，也催生了无数令人惊叹的类型片，而这种工业化的流程，恰恰是艺术与商业最直接的碰撞点，令人唏嘘又着迷。

评分☆☆☆☆☆

这部书的叙事简直是教科书级别的展示了光影魔术的诞生与演进，我仿佛亲身穿越回了默片时代，目睹那些伟大的先驱者是如何用手势、表情和字幕来构建一个完整的故事宇宙的。作者对早期电影技术的捕捉入木三分，从梅里爱那些充满奇思妙想的剪辑手法，到格里菲斯宏大叙事结构的构建，每一步的革新都被梳理得井井有条。我尤其欣赏作者在描述灯光运用时的那种细腻笔触，它不仅仅是关于技术规格的堆砌，更是关于如何利用光影的明暗对比来烘托人物内心世界的深度探讨。读起来，那些尘封的胶片仿佛重新焕发出生命力，那些无声的画面在我脑海中自动配上了最恰当的管弦乐，这不仅仅是一本关于历史的书，更像是一部被文字重新“导演”出来的默片史诗，那种纯粹的、依靠视觉冲击力来打动人心的力量，在今天的数字影像时代读来，更显珍贵。我能感受到作者对早期电影人那种近乎虔诚的敬意，使得整本书充满了人文关怀，而不是冰冷的学术分析。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的后半部分对于战后，尤其是新浪潮运动的分析，显得有些力不从心，仿佛作者的激情和研究深度在彩色电影大规模普及后就有所减退。虽然对法国新浪潮的几位核心人物做了介绍，但那种对革命性拍摄手法的解构和对作者意图的深挖，不如前半部分那么令人信服和震撼。它更多地转向了一种对商业片成功的案例分析，比如某些类型片的结构复盘，这让阅读体验变得稍微有些平铺直叙，缺少了早中期那种锐利的批判锋芒。我原本期待看到一个更深入的论述，探讨在技术解放和审查制度松动后，电影艺术边界是如何被重新定义和拓展的，但似乎作者在这里选择了更保守、更侧重于市场接受度的叙述方式，稍微有点美中不足，让期待高潮的读者感到了一丝回落。

评分☆☆☆☆☆

从纯粹的阅读体验上来说，这本书的语言风格略显晦涩和学术化，对于刚接触电影史的门外汉来说，可能需要反复查阅一些术语的定义。它更倾向于一个专业影评人或电影史研究者的论述口吻，句子结构复杂，信息密度极高，有时候读完一段，需要停下来消化一下作者抛出的那个包含多重历史背景和技术背景的论点。它绝不是那种可以让人轻松窝在沙发里消磨时间的读物，而更像是一本需要配合笔记本和查阅资料的案头书。但正是这种严谨和不妥协的态度，保证了内容的深度和可靠性，那些拗口的理论在反复咀嚼后，最终会转化为一种扎实的知识体系，让你对“好莱坞”这个概念，有一个远超于爆米花娱乐的宏大理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的视觉呈现部分（如果有配图的话，这里假设它有丰富的插图或剧照分析）简直是视觉系读者的福音，它不仅仅是在描述一部电影，更像是在进行一场高规格的“定格分析课”。作者对于镜头语言的解读，无论是景深的使用、运镜的选择，还是色彩调度的心理暗示，都极其精准，让人在阅读时不断产生“原来如此”的顿悟感。我特别喜欢他如何通过对比某几部电影的开场镜头，来阐释不同导演在确立影片基调上的高下之分。这种“拆解”电影结构的方法，极大地提升了我未来观看电影时的鉴赏层次，让我不再仅仅是接收故事，而是开始主动去“阅读”镜头背后的每一层含义。这本书的价值就在于，它把电影这种动态的艺术形式，用静态的文字和分析，做到了极致的剖析和还原。

评分☆☆☆☆☆