动漫形象设计宝典 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:

作者:青岛鑫泰漫画

出品人:

页数:146

译者:

出版时间:2009-7

价格:29.00元

装帧:

isbn号码:9787122059161

丛书系列:

图书标签:

• 2009
• 动漫设计
• 动漫形象
• 角色设计
• 绘画
• 插画
• 漫画
• 教程
• 技法
• 艺术
• 设计

好的，这是一本关于数字艺术与传统工艺结合的图书的详细简介，内容涵盖了从基础材料到现代创作手法的广泛领域，与“动漫形象设计宝典”的主题截然不同： 《材质的语言：雕塑、纺织与光影的立体叙事》 本书导览：超越二维表象，探索物质世界的深度呼吸 《材质的语言：雕塑、纺织与光影的立体叙事》并非一本关于流行文化或平面视觉艺术的指南，而是一部深度挖掘物质本源及其在艺术创作中潜力与限制的专著。本书旨在引导读者跳脱出屏幕的光亮和纸张的平面性，重新审视那些构成我们物理世界的触感、重量、韧性与时间的痕迹。 本书聚焦于三种核心媒介的交汇与融合：雕塑（形体塑造）、纺织（纤维构建），以及光影（环境互动）。我们相信，真正的艺术深度往往蕴藏在材料自身的历史、化学属性以及它们与人类感官的直接对话之中。 --- 第一卷：泥土与石的沉思——雕塑基础与形体学 本卷致力于探究物质的密度、抗力和时间塑造能力，这是任何二维设计所无法完全模拟的维度。 第一章：基础材料的“脾性” 本章详细剖析了不同雕塑材料的内在矛盾与潜力。我们不再关注如何“画”出体积感，而是研究如何“构建”体积的真实存在。 粘土与陶艺的微观结构： 从高岭土的颗粒分布到烧制过程中发生的不可逆转的化学变化。探讨不同泥料（如陶泥、瓷土、炻器）在干燥、收缩和上釉后的最终物理表现。深入分析“干缩率”这一雕塑家必须掌握的量化指标。 石材的“惰性”与“爆发力”： 介绍不同硬度石材（大理石、花岗岩、皂石）的解理面、纹理走向与工具的匹配性。重点讨论如何利用石材的天然裂痕来增强作品的叙事性，而非一味地对抗其自然形态。 金属的记忆与张力： 涵盖青铜铸造的失蜡法（Lost-Wax Casting）的复杂流程，着重分析熔炼温度对合金晶体结构的影响，以及金属在不同温度下的塑性变化。探讨焊接与铆接在当代雕塑中作为“可见的伤痕”所代表的意义。 第二章：空间置换与负形构建 雕塑的核心在于对“空”的处理。本章超越简单的体块堆砌。 结构力学基础入门： 简要介绍拱、梁、悬挑在雕塑语境下的应用，确保大型结构在不依赖内部钢架的情况下实现形态的自持。 负形（Negative Space）的本体论： 如何通过对周围空气的精确界定，使“不存在”的部分拥有与实体等同的重量感。案例分析亨利·摩尔与阿拉姆·戈尔的作品中对空隙的哲学处理。 动态平衡与视线引导： 讨论如何通过材料的密度分布，巧妙地欺骗人眼，使看似不稳固的形态产生潜在的运动感和张力。 --- 第二卷：纤维的叙事——纺织的结构与触觉维度 本卷转向了柔软、可塑且富有生命力的纤维艺术，探讨如何利用经纬、密度和染色来实现超越视觉的感官体验。 第三章：从原料到纱线：纤维的生命周期 本书细致考察了天然与合成纤维的物理特性，这些特性直接决定了织物的最终形态和耐久性。 天然纤维的“呼吸性”： 深入比较羊毛（卷曲度与弹性）、亚麻（刚性和光泽）以及丝绸（韧性和拉伸强度）的微观结构。探讨这些差异如何影响织物的悬垂性（Drape）。 染色技术的化学反应： 重点介绍媒染剂（Mordants）在天然染料固定过程中的作用，分析铁、铜、铝离子如何与植物色素分子键合，形成永久的色彩深度。这与简单的色彩叠加是本质区别。 现代聚合纤维的局限与优势： 比较尼龙、涤纶在耐用性、抗紫外线和吸湿性上的表现，以及它们在需要精确几何形状的装置艺术中的应用。 第四章：编织、结构与三维塑形 纺织艺术绝非简单的布料裁剪，而是复杂的结构工程。 提花（Jacquard）与图案的生成逻辑： 分析复杂的提花组织（如缎纹、斜纹）如何通过改变浮沉关系来控制织物的厚度、弹性和光反射率。 软雕塑与空间填充： 探讨缝纫、绗缝和填充技术如何将二维织物转化为具有内部压力的三维形体。介绍“软雕塑”艺术家如何利用内部填充物的密度（如沙子、泡沫、棉絮）来模拟不同程度的生物或机械的“内脏感”。 编结与挂毯的张力控制： 针对挂毯编织，讲解如何通过调整纬线的密度来创造自然的波浪形边缘和曲线，实现“画在墙上”的立体感。 --- 第三卷：光与影的交响——环境互动与时间维度 本卷将前两卷的物质形态置于真实的光照环境中，探讨材料如何记录和转化时间、空间与光源。 第五章：光对物质表面的“解剖” 光不是被动的照明，而是主动揭示材料真相的工具。 漫反射与镜面反射的数学原理： 解释粗糙表面（如未抛光的石膏）如何产生柔和的漫反射（强调体积的内在性），以及抛光金属如何产生清晰的镜面反射（强调环境的映射性）。 穿透性与半透明性： 分析特定材料（如乳白玻璃、半透明树脂、薄纱）如何允许光线穿透，并在内部形成光晕或散射。重点讨论“背光”对传统雕塑轮廓的颠覆。 阴影的艺术： 阴影并非黑暗，而是由形体创造的“第二个形态”。本章研究如何设计材料的边缘锐度、表面纹理，以确保投射的阴影形态本身也具有雕塑般的质量和叙事性。 第六章：材料的衰变与时间美学 本书的最终篇章聚焦于物质的不可避免的命运——变化与消解。 氧化、风化与锈蚀的控制： 探讨如何通过化学处理（如铜绿、铁锈的稳定化）来加速或固定材料的“老化”过程，使其达到一种被时间认可的美学状态。 纤维的韧性与疲劳： 分析织物在张力、湿度和重复性使用下发生的结构疲劳（如纤维断裂、色变），以及如何将这种“磨损”视为作品生命周期的一部分。 装置艺术中的动态光线： 结合现代科技，讨论如何利用延时摄影或机械运动，让观众观察到雕塑和纺织品在一天、一周或一年中，因环境变化（湿度、温度、日照角度）而产生的细微但永久的形态转变。 --- 结语：超越媒介的对话 《材质的语言》旨在提供一种物质哲学的视角。它要求创作者不仅是造型师，更是材料的倾听者和科学的实践者。本书的读者将学会尊重材料的固有属性，并通过精湛的工艺和对物理法则的深刻理解，创作出具有持久触感和空间重量感的艺术作品。本书适合所有致力于提升作品“实体感”和“存在感”的雕塑家、装置艺术家、纤维艺术家、工业设计师以及建筑形态研究者。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的配套学习资源和辅助工具的考虑，体现了对读者实际操作的深度关怀。我尤其赞赏它在章节末尾设置的那些“自我评估清单”和“常见错误排查表”。这些小工具非常实用，它们不是那种敷衍了事的总结，而是真正能指出学习者在实践中容易出现的陷阱。例如，在讲解人物比例时，它会列出“头部过大”、“四肢关节连接生硬”等常见问题，并直接指向书中对应的优化图例。这种即时反馈的机制，大大缩短了学习曲线。另外，书中多次提及如何利用数字绘画工具的特定功能（比如笔刷的动态设置、图层的混合模式）来高效实现某些视觉效果，而不是仅仅停留在传统手绘的理论层面，这让这本书即便在数字化创作时代，也依然保持了极强的实操价值。它更像是一本“从理论到实战”的全周期辅导手册，而不是一本束之高阁的理论大全。

评分☆☆☆☆☆

这部书的装帧设计简直是艺术品，封面那种细腻的磨砂质感，拿在手里沉甸甸的，让人爱不释手。内页的纸张选择了那种偏向于米白色的哑光纸，长时间阅读眼睛也不会感到疲劳，这一点对于我们这些需要盯着屏幕或者画板很久的创作者来说简直是福音。色彩的印刷也极其精准，特别是那些复杂的阴影和高光处理，完全能体现出原作者想要传达的笔触和氛围感。我尤其欣赏它在版式设计上展现出的那种克制与专业，每一页的留白都恰到好处，既保证了视觉的呼吸感，又没有浪费宝贵的空间去堆砌冗余的文字。装订工艺看得出是用心挑选过的，可以平摊在桌面上，方便临摹或者参考，这在很多同类书籍里是很难得的舒适体验。单从作为一件“物品”的角度来说，它已经超越了普通工具书的范畴，更像是一本值得收藏的画册。我想，出版社在这次的制作环节上，确实投入了极大的诚意，让这本书的实体感与它所承载的专业内容形成了一种完美的互补，提升了阅读和学习过程中的整体愉悦度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的讲解逻辑和深入程度，让我这个自认为有些基础的学习者都感到惊喜。它并不是那种泛泛而谈，告诉你“角色需要有吸引力”的空洞理论集合，而是真正深入到了“吸引力”背后的结构、比例和心理学原理的剖析。比如，在处理“动态表现”那一章时，作者没有简单罗列一些摆拍姿势，而是从人物的重心、受力点，乃至肌肉群的协同作用进行了详尽的透视分解图解。我过去总是在一些基础的肢体扭曲上卡壳，但通过这本书对“运动轴线”的强调和拆解，我才明白问题出在哪里。它就像一位顶级导师，耐心地把一个复杂的概念，切割成可以被逐步消化的模块，每一步都有明确的图示作为支撑，让你能清晰地追踪到设计师的思考路径。这种由表及里、层层递进的讲解方式，让学习过程不再是盲目模仿，而是真正理解“为什么这样做是有效的”。这种扎实的理论基础构建，是市面上许多只教“如何画”而不教“如何思考”的书籍所无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

对于角色情绪和故事性的塑造，这本书展现了远超预期的深度。很多设计书籍会把“表情包”那一套作为重点，但这本则将重点放在了如何通过细微的面部肌肉变化，去烘托更深层次的心理状态。比如，它花了大量篇幅去探讨“犹豫”和“坚定”在眼部和眉弓之间的微妙张力，并配以不同年龄段、不同性格角色的对比案例。我过去总觉得我的角色表情“平”，读完之后才意识到，是我对情绪的“层次感”把握不足。此外，书中对于“服装”与“人物背景”的结合分析也极为精彩，它不仅仅是教你如何画一套好看的衣服，而是如何通过服装的磨损程度、配饰的选择，以及材质的反光特性，来反向叙述这个角色的生活经历和职业属性。这种叙事性的设计思路，极大地拓宽了我对角色设定的理解边界，让我开始思考，每一个设计元素都应该是一个“发言者”，而不是单纯的装饰品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的案例库和风格多样性，简直是一个视觉的盛宴，同时也是一个巨大的“反思维定势”训练场。我注意到，作者并没有固守于某一种特定的日系画风，而是广泛地汲取了欧美插画、甚至传统雕塑中的光影处理技巧。比如，其中有一组关于“未来科幻机甲”的设计，它在线条的硬朗感处理上，借鉴了工业设计中对金属切面的表现手法，这与我以往接触的那些偏向于柔软线条的幻想类设计形成了鲜明的对比。更有趣的是，它在展示不同文化背景下的角色设计时，并没有陷入刻板印象的泥潭，而是深入探讨了如何提炼文化符号，使其在保持辨识度的同时，又能融入现代审美。这让我感到，学习的视野被强行拉高了一个维度，不再局限于模仿当下流行的模板，而是学会了如何构建属于自己的、具有普适性的设计语言。

评分☆☆☆☆☆

我画得超棒好吗！如果以后有个高端迅速一点的相机就每日一张上传王大阪形象设计照！

评分☆☆☆☆☆

hen 蒙

评分☆☆☆☆☆

hen 蒙

评分☆☆☆☆☆

我画得超棒好吗！如果以后有个高端迅速一点的相机就每日一张上传王大阪形象设计照！

评分☆☆☆☆☆

我画得超棒好吗！如果以后有个高端迅速一点的相机就每日一张上传王大阪形象设计照！