京剧二百年概观 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京燕山出版社

作者:苏移

出品人:

页数:403

译者:

出版时间:1989.6

价格:6.5

装帧:

isbn号码:9787540200749

丛书系列:

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书名：盛世梨园：中国戏曲流变与审美探微 作者： 戏曲史研究组 出版社： 翰墨轩文化出版公司 装帧： 精装，附有大量珍贵戏曲图像资料与舞台服饰彩绘图 --- 内容简介： 《盛世梨园：中国戏曲流变与审美探微》并非一部专注于某一特定剧种（如京剧）发展脉络的断代史，而是一部宏大叙事、跨越千年、聚焦于中国传统戏曲艺术本体及其文化生态变迁的通论性著作。本书旨在解构中国戏曲何以成为“活的博物馆”，探究其在不同历史时期所承载的社会功能、审美范式以及地域性差异。全书以时间为经，以艺术元素为纬，勾勒出从唐宋燕乐、元杂剧的兴起到明清传奇的鼎盛，直至近现代戏曲革新浪潮的全景图景。 本书共分上下两卷，共十六章，力求在深入的学术考证与流畅的文学表达之间找到平衡，为戏曲爱好者、文化研究者提供一份全面而深入的参考指南。 --- 上卷：源流与格局——戏曲的早期形态与地域分化 上卷着重考察了中国戏曲从萌芽到形成完整表演体系的历史基础。它将戏曲的发生视为一种综合艺术的自觉，而非单一剧种的线性发展。 第一章：远古的吟唱与祭祀的律动 本章追溯了戏曲的文化根源，探讨了先秦百戏、汉代角抵戏以及魏晋南北朝的乐舞百戏（如“踏歌”、“优俳”）如何奠定了戏曲“歌、舞、剧”三位一体的基础。重点分析了这些早期形式中宗教祭祀与民间娱乐的张力。 第二章：唐宋变奏：从燕乐到参军戏 详细梳理了唐代“梨园”制度的建立及其对宫廷雅乐的影响，并深入分析了宋代城市经济繁荣催生的“瓦舍勾栏”文化。着墨于“参军戏”的成熟，这种以“参军”和“苍鹘”为主要角色的滑稽短剧，被视为中国戏剧叙事性与角色扮演的早期重要范例。 第三章：元曲的里程碑：杂剧的体制与精神 本章将元杂剧的出现视为中国戏剧史上的一次结构性飞跃。不同于侧重于歌唱的宋代戏，元杂剧确立了“一人主唱、曲牌结构”的严谨体制。我们细致剖析了关汉卿、白朴、马致远等“元曲四大家”的创作主题，探讨了在蒙古统治下知识分子如何通过舞台表达其“怀古伤今”的情怀。并专门开辟一节，讨论元杂剧在结构上对后世戏曲程式的奠基作用。 第四章：南方的婉约：明代传奇的繁荣与分派 本章聚焦于明代“传奇”的兴盛，尤其是以江南文人为核心的文人戏剧传统。重点比较了“嘉靖三大部”（如汤显祖的《牡丹亭》）的浪漫主义思潮与早期传奇的结构差异。我们分析了昆山腔的兴起如何标志着戏曲音乐由北方的粗犷向南方的细腻过渡，为后续的精致化表演体系埋下伏笔。 第五章：表演的基石：身段、手眼与虚拟空间 这一章是技术层面的探讨，不关注具体剧目，而是抽象分析中国传统戏曲表演体系的共通性。着重阐述了“虚拟写意”的美学原则，例如：马鞭、船桨、开门、上马等程式动作的规范化与符号化意义。探讨了“做功”与“唱功”在不同地域剧种中的侧重比例。 第六章：地方洪流：地域剧种的生态图谱 本章采取“地理扫描”的方式，对元明清时期在全国各地萌芽和发展的地方声腔进行梳理，如弋阳腔的兴盛及其“板式变化”的特点，汉调的传入，以及江浙、四川、广东等地具有显著地域特征的声腔流派。强调了戏曲作为地方文化载体的独特价值。 --- 下卷：融合与创新——近现代戏曲的转型与现代性 下卷将目光投向清代中晚期至民国时期的戏曲生态，重点讨论了各地方声腔的相互渗透、剧场体制的商业化，以及面对西方文化冲击时的自我调适与革新努力。 第七章：清代剧坛的整合：花部与雅部的博弈 深入分析了清代中叶，以徽班为代表的“花部”声腔如何在宫廷和民间获得强势地位，并与占据主导地位的“雅部”传奇形成了激烈的竞争与融合。探讨了“乱弹”的出现如何打破了原有的腔调限制，预示着更大规模的音乐融合。 第八章：道光以来的“新腔”：徽汉合流与十八大调的形成 本章详细考证了徽汉声腔的深入交融过程，这是形成近代主要声腔体系的关键阶段。重点分析了早期融合阶段的音乐结构、板式运用以及剧目如何从传统传奇中剥离出来，走向更加通俗和口语化的叙事。 第十与第十一章：剧场管理与审美消费的变迁（略） 这两章探讨了清末民初，剧场如何从封闭的会馆向公共商业空间转变，以及观众群体的扩大（特别是城市中产阶级和女性观众的增加）对剧目选择和表演风格产生的影响。 第十二章：南戏的精致化：闽浙一带的传统继承 本章独立讨论了在北方剧种如日中天的背景下，以高腔、梨园戏、芗剧等为代表的南方南戏体系如何坚守其古老的音乐与表演传统，并探讨了其在“雅”与“俗”之间的微妙平衡。 第十三章：舞台美术的革命：灯光、布景与服饰的写实倾向 本章从视觉艺术角度审视近现代戏曲的变化。讨论了在接触西方写实主义思潮后，传统戏曲在舞台空间处理、灯光运用（如对油灯到电灯的过渡）以及服饰色彩和形制上的细微调整，这些调整是如何在不破坏基本程式的前提下增强戏剧效果的。 第十四章：剧本的语言学考察：从文言到口白 通过对比不同历史时期代表性剧目的文本，本章分析了戏曲语言从高度程式化的文言向更贴近生活口语的转变过程，特别是“说白”和“念白”在表达人物性格和推进剧情中的功能变化。 第十五章：曲目普查与经典存续 本章侧重于对清末民初大量散失或未被充分记录的民间小戏、时调、串场戏的抢救性研究，并对现有存世的几百部传统剧目进行艺术价值的重估，探讨哪些是艺术生命力最强的“活化石”。 第十六章：面向未来的对话：戏曲艺术的现代性探索 作为结语，本章不讨论特定流派，而是将视角拉高，探讨中国戏曲在二十世纪以来，如何在保持其内在精神内核的同时，与其他艺术形式进行对话，探讨其在全球化背景下的身份认同与艺术更新的必要性与可能性。 --- 本书特点： 本书最大的特点在于其“全景式”的梳理与“本体论”的探讨。它摒弃了按剧种划分的传统叙事模式，代之以艺术元素、地域生态、社会背景的交叉分析，试图描绘一幅中国戏曲艺术绵延不绝、生生不息的文化长卷。阅读本书，读者将获得的是对中国戏曲作为一个完整艺术门类的深刻理解，而非对某一特定高峰的孤立赞颂。 适用人群： 戏剧史研究者、文化人类学者、艺术院校师生，以及所有对中国传统表演艺术怀有深厚探究兴趣的读者。

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这本书在对“行当”的个体研究上也达到了极高的水准，特别是对于“武生”和“老生”的对比分析，令我受益匪浅。作者没有将“行当”视为僵化的角色类型，而是将其视为一系列不断发展和自我革新的表演技术体系。在论及“武生”一脉时，书中对“翎子生”的翻打、跌扑技巧的力学原理进行了深入探讨，甚至引用了一些现代运动学或人体工程学的概念来佐证其难度与美感，这一点极具现代性。反观“老生”，作者则着重笔墨去解析其内在的“精气神”，即如何通过嗓音的厚度、步伐的沉稳来体现历史的沧桑感和人物的道德重量。这种由外在技术到内在精神的层层深入，使得读者能够清晰地把握住不同行当表演的独特艺术密码，不再是走马观花地欣赏，而是带着明确的鉴赏框架去品味每一位艺术家的用心良苦。

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不得不提的是，作者在处理京剧与时代政治气候的互动关系时，展现出的那种审慎与克制。这方面的内容通常是最容易写成空泛口号或简单褒贬的，然而在这本书中，我看到了一个学者应有的严谨态度。他没有回避那些敏感的历史时期对舞台艺术的冲击与重塑，而是冷静地梳理了在特定历史条件下，艺术家们是如何在“坚守”与“妥协”之间寻找平衡点的。书中关于解放前后剧团组织形态和管理模式的变迁描述，尤为详实，它揭示了艺术生产力的组织方式如何影响最终的舞台呈现效果。比如，对于某个著名剧团在特定历史节点上，如何从个体经营转向集体创作模式的转型过程，作者通过大量的档案材料和回忆录交叉印证，勾勒出了一幅充满矛盾与张力的时代群像。这种尊重史料、拒绝简单定论的写作风格，使得全书的论述显得厚重而可靠，经得起推敲。

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这部关于京剧百年风云的著作，着实让我眼前一亮。作者的笔触细腻入微，仿佛将我带回了那个梨园行当风起云涌的年代。书中对各个流派大师的生平与艺术成就的梳理，绝非简单的资料堆砌，而是充满了洞察力与真挚的情感。我特别欣赏作者在探讨不同时期“行头”演变时所展现出的那种对细节的执着。比如，关于徽班进京后，如何在服饰上吸收并融合当时清宫廷服饰的元素，进而形成我们今天所熟知的“京剧装扮”这一过程的描述，就详尽得令人咋舌。它不仅仅是记录了“什么变了”，更深入剖析了“为什么变”以及这种变化对角色塑造和审美取向带来的深远影响。阅读过程中，我仿佛能闻到旧戏园子里木鱼声声、油彩特有的气味，感受到演员们为了一个眼神、一个水袖而付出的千锤百炼。书中引用的那些老一辈艺术家的口述轶事，更是为这部厚重的历史画卷增添了鲜活的人情味，让人在历史的宏大叙事中，依然能捕捉到个体生命的温度与挣扎，极大地丰富了我对传统艺术生命力的理解。

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最终让我爱不释手的是本书的收尾部分，它没有落入传统总结的窠臼，而是将目光投向了“未来”——对当代青年一代京剧演员的观察与期许。作者以一种近乎导师的慈爱与期盼，分析了当前舞台上出现的一些“新声腔”和“跨界合作”现象的合理性与潜在风险。他清醒地指出，创新必须以扎实的功底为根基，否则便成了无源之水。书中对于当代一些青年艺术家如何运用新媒体技术来推广京剧艺术的案例分析，非常具有参考价值，展现了作者对艺术生命力延续的深刻忧虑与积极探索。整部书读下来，感觉就像是与一位学识渊博、热爱传统艺术的长者进行了一场酣畅淋漓的对话，他不仅慷慨地分享了过去两百年的辉煌与教训，更带着我们一起展望了这项古老艺术如何在新的时代背景下，继续焕发出不朽的生命力。

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这本书的叙事结构安排得颇为巧妙，它没有采取传统的编年史式的线性叙述，反而更像是一张层层递进的艺术解剖图。我印象最深的是其中对“声腔本体论”那几章的解读。作者似乎并不满足于将“西皮”“二黄”简单地视为曲调的范畴，而是将其上升到了哲学的高度去探讨。例如，书中对“韵白”与“京白”在不同历史阶段的张力关系，进行了非常深入的辩证分析。读来让人不禁拍案叫绝的是，作者居然能将不同剧目的唱腔板式转换中的情绪递进，用音乐理论的术语进行精准的量化描述，同时又不失文学上的美感。这种跨学科的论证方法，极大地提升了本书的学术价值，也让那些原本觉得京剧唱腔“玄之又玄”的门外汉，有了一把通往其精髓的钥匙。它让我意识到，京剧的魅力绝非仅凭华丽的舞台效果就能完全呈现，其核心驱动力，在于那套严密而富有生命力的声韵系统，这套系统本身就是一部活着的文学史和美学史。

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